mercredi 23 mai 2018

SENSITIVE CHAOS: Walking a Beautiful World (2018)

“Rich and creative in all aspect, this is a travel diary into sounds and tones”
1 Dreaming Helsinki Esplanadi
   (Walking a Beautiful World) 6:58
2 Missing Viejo 7:13      3 Jomo Jet Lag 1:14
4 Bad Ass Nairobi Land Rover 6:35
5 Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky 8:01
6 Gift Hill Respite 1:00
7 Takeshita Street vs. the Jeepney 6:41
8 Mercado San Telmo 4:31
9 Spirits Between Bourbon and Royal 5:01
10 Hypnotica Muríca 10:22
11 Last Day Song (World Walking Again) 5:10
12 Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky (Radio Edit) 7:04

Subsequent Records|SR008-02 (CD 69:44)
(Electronic Folk)
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**Chronique en français plus bas**
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With time, I eventually became a true fan of Sensitive Chaos. Nevertheless, this Jim Combs' project is at light years of the Berlin School model, even if it's essentially built around synthesizers and beat-boxes. Mixed adequately to more conventional instruments, such as guitars and bass, and to acoustic instruments such as trumpet, harmonica, saxophone and violin, this electronic music reaches another level which becomes even more surprising when the targeted styles go from Jazz to Folk with a touch of American Southwest's spirit. In fact, it's the very eclectic side of the Pacific School model but with a more cheerful vision and where some essences of Robert Rich and Forrest Fang drag melancholy and creativity beyond what one could imagine. “Walking a Beautiful World” is a 9th album and especially a diary travel in sounds and tones that Jim Combs made around the globe these last years. Inspired by meetings with people of Finland and Europe, as well as from South America, from Africa, Asia and finally from his home in the region of Atlanta, the sound troubadour with thousand ideas returns with an album as surprising as his long journey. And his immense bunch of guest artists gives as many colors as emotivism to a superb immensely musical album.
This tone so crystalline of Sensitive Chaos slits the silence with hesitating arpeggios which connect to another keyboard and to a suspended rivulet of electronic arpeggios which glitters adrift. The electronic envelope spreads its influence made of charms and surprises to percussions of which the acoustic gallops run to support the Chinese harmonies of Josie Quick's violin. Light and lively, "Dreaming Helsinki Esplanadi (Walking a Beautiful World)" proposes the work of three synthesists (Jim Combs, Tony Gerber and Otso Pakarinen) who court, by presenting miscellaneous tones of wind instruments, a violin which knows skillfully how to measure its emotions. "Missing Viejo" is a first crush here with a rhythm structured well on a good work of percussions. The electronic and acoustic ingredients melt themselves in a very musical sound mass where Dave Coustan's trumpet does very Mark Isham. We stamp of the foot, the bass is also very good, and we enjoy this meshing of electronic and acoustic instruments which get lost in our imagination. Is it a synth? A saxophone? A violin? All living with a symbiosis of the most melodious. The electronic effects of "Jomo Jet Lag" throw themselves into "Bad Ass Nairobi Land Rover" and whose ambiospherical road goes slowly towards a fascinating and very bucolic Southern Rock. Each album of Sensitive Chaos possesses its pearl. "Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky" is the one of “Walking a Beautiful World”. A wonderful ballad in a musical texture full of new developments, at the level emotion, where all the instruments converge on an ear-catchy, because of its intensity, electronic Folk.
"Gift Hill Respite" proposes a very ethereal introduction to "Takeshita Street vs. the Jeepney". And running away from a sound romance gone up on a bed of carillons, this title proposes a spasmodic structure forged with rhythmic arpeggios and with percussions sometimes sober and sometimes livened up by a desire to blow up a rhythmic proposal which increases its depth with Ryan Taylor's good bass. His guitar also scatters its musing, more present than the discreet violin, on this tight meshing which flows like a rivulet of clanic trance. A convincing and very catchy surprise! "Mercado San Telmo" is another cheerful hymn where a street of New Orleans gets embellish of festive music. The violin and Brian Good's soprano saxophone have a great time on a purely electronic structure where the chords and the riffs of synth play with our sense of hearing like the uncertain steps of a cat a little bit drunk. "Spirits Between Bourbon and Royal" is a surprising title which reminds us in of a good Beck. The mixture of Funk and Folk, with riffs of rather cosmic guitar, shines here with a sound aestheticism as complex as very catchy. The bass is more vicious than the collection of jerky riffs of the guitar. "Hypnotica Muríca" is a strange title, a little like a music without identity, which could be as well produced by Beck or by Brian Eno in Nerve Net. The music is rich and the tonal aestheticism make a good menu for my Tribe Tower. Funk and Southern Rock, with an approach of collective joy, the rhythm skips with the cawings of a bass and a series of very acid riffs which forge a jerky and bipolar tempo. Voices of a man and of a girl decorate a panorama very near a psychedelic without borders with sound effects which abound around the violin which crumbles some American patriotic airs and a very rock guitar of the former 70's. On a structure of circular rhythm which hops up and down with hundreds of crazy steps, and which gets back constantly, "Last Day Song (World Walking Again)" offers a melodious ritornello with a very creative synth at the level of its choice of flute. It's Sensitive Chaos at its purest level with an approach of minimalist tornado which swallows all the sounds on its passage. When I told you that "Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky" is the pearl of this album …The gang of Jim Combs even made a radio edit version. A way as another one to hear this wonderful title twice rather than one and which is taken from a “Walking a Beautiful World” rich and creative at every level. A top notch album my dear Jim!

Sylvain Lupari (May 21st,2018) ****¼*
synth&sequences.com
You will find this album on Sensitive Chaos web shop

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Avec le temps, j'ai fini par devenir un inconditionnel de Sensitive Chaos. Pourtant, ce projet de Jim Combs est à des années-lumière du modèle Berlin School, même si elle est construite essentiellement autour des synthétiseurs et des boîtes à rythmes. Mélangés adéquatement à des instruments plus conventionnels, tels que guitares et basse, et à des instruments acoustiques tels que trompette, harmonica, saxophone et violon, cette musique électronique atteint un autre niveau qui devient encore plus étonnant lorsque les styles ciblés vont du Jazz à du Folk avec une touche du Sud-Ouest américain. En fait, c'est le côté très éclectique du modèle de la Pacific School mais avec une vision plus enjouée où des parfums de Robert Rich et Forrest Fang traînent mélancolie et créativité au-delà de ce que l'on pourrait imaginer. “Walking a Beautiful World” est un 9ième album et surtout un journal de voyage en sons et en tons que Jim Combs a effectué autour du globe ces dernières années. Inspiré par des rencontres avec des habitants de la Finlande et de l'Europe, de même que de l'Amérique du Sud, l'Afrique, l'Asie et finalement chez lui dans la région d'Atlanta, le troubadour sonique aux milles idées revient avec un album aussi étonnant que son long voyage. Et son immense brochette d'artistes invités donne autant de couleurs que d'émotivité à un splendide album immensément musical.
Cette tonalité si cristalline à Sensitive Chaos fend le silence avec des arpèges hésitants qui se connectent à un autre clavier et à un ruisselet d'arpèges électroniques suspendu et qui miroite à la dérive. L'enveloppe électronique étend son emprise constituée de charmes et de surprises
avec des percussions dont les galops acoustiques courent afin de soutenir les harmonies chinoises du violon de Josie Quick. Léger et entrainant, "Dreaming Helsinki Esplanadi (Walking a Beautiful World)" propose le travail de trois synthétistes (Jim Combs, Tony Gerber et Otso Pakarinen) qui font la cour, en présentant divers tonalités d'instruments à vents, à un violon qui sait habilement doser ses émotions. "Missing Viejo" est un premier coup de cœur avec un rythme bien structuré sur un beau travail de percussions. Les ingrédients électroniques et acoustiques se fondent en une masse sonore très musicale où la trompette de Dave Coustan fait très Mark Isham. On tape du pied, la basse est très bonne aussi, et on apprécie ce maillage d'instruments électroniques et acoustiques qui se perdent dans notre imagination. Est-ce un synthé? Un saxophone? Un violon? Tous cohabitant avec une symbiose des plus mélodieuses. Les effets électroniques de "Jomo Jet Lag" se jettent dans "Bad Ass Nairobi Land Rover" et dont la route ambiosphérique aboutira vers un fascinant Southern Rock très bucolique. Chaque album de Sensitive Chaos possède sa perle. "Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky" est celle de “Walking a Beautiful World”. Une superbe ballade dans une texture musicale pleine de rebondissements, au niveau émotion, où tous les instruments convergent vers un séduisant Folk électronique.
"Gift Hill Respite" propose une introduction très éthérée à "Takeshita Street vs. the Jeepney". Et fuyant une romance sonique montée sur un lit de carillons, ce titre propose une structure spasmodique forgée avec des arpèges rythmiques et de percussions tantôt sobres et tantôt animées d'un désir de faire exploser une proposition rythmique qui alourdit sa profondeur avec la bonne basse de Ryan Taylor. Sa guitare éparpille aussi ses rêveries, plus présentes que le discret violon, sur cet étroit maillage qui coule comme un ruisselet de transe clanique. Étonnement convaincant et très accrocheur! "Mercado San Telmo" est un autre hymne de fête où une rue de la Nouvelle-Orléans se décore de musique festive. Le violon et le saxophone soprano de Brian Good s'en donnent à cœur joie sur une structure purement électronique où les accords et les riffs de synthé jouent avec notre ouïe comme les pas incertain d'un chat un peu saoul. "Spirits Between Bourbon and Royal" est un titre étonnant qui nous fait penser à du bon Beck. Le mélange de Funk et de Folk, avec des riffs de guitare assez cosmique, rayonne ici d'un esthétisme sonore aussi complexe que très séduisant. La basse est plus vicieuse que la collection de riffs saccadés de la guitare. "Hypnotica Muríca" est un titre étrange, un peu comme une musique sans identité, qui pourrait être aussi bien produite par Beck ou par Brian Eno dans Nerve Net. La musique est riche et l'esthétisme tonal font bien paraître mes Tribe Tower. Funk et Southern Rock, avec une approche de défoulement collectif, le rythme sautille avec des croassements de basse et une série de riffs très acides qui forgent un tempo saccadé et bipolaire. Une voix d'homme et de petite fille ornent un panorama très près du psychédélique sans frontières avec des effets sonores qui abondent autour du violon qui émiette des airs patriotiques américains et une guitare très rock ancien aussi fougueuse que dans les années 70. Sur une structure de rythme circulaire qui trépigne de cents pas fous, et qui revient en boucles, "Last Day Song (World Walking Again)" offre une ritournelle mélodieuse avec un synthé très créatif au niveau de son choix de flûte. C'est du Sensitive Chaos de ce qu'on connaît le mieux avec une approche de tornade minimaliste qui avale tous les sons sur son passage. Quand je vous disais que "Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky" est la perle de cet album…La gang à Jim Combs en a même fait une version pour la radio. Une façon comme une autre d'entendre ce splendide titre deux fois plutôt qu'une et qui est tiré d'un “Walking a Beautiful World” riche et créatif à tous les niveaux. Un superbe album mon cher Jim!

Sylvain Lupari 21/05/18

lundi 21 mai 2018

DIVIDED BY TWO: The Legend (2018)

“A nice but purely ambient tale, The Legend bears the seal of two veterans in the field who kept their unique signature that characterized the intensity of their floating visions”

1 The Oppression of the Giant 20:46
2 Throwing the Hand 17:21
3 The River Filled with Blood 14:56
4 Out of the Dark Ages 17:03

SynGate Luna|DT01 (CD-r/DDL 70:08)
(Ambient Music
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   **Chronique en français plus bas**
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Divided by Two is a musical project led jointly by Gabriele Quirici, of Perceptual Defence and Danny Budts from Syndromeda. These 2 artists collaborate together since Fear of the Emptiness Space, which is appeared in the cd trays in 2014. Three other albums followed, among which Live at Cosmic Nights 2017 which had showed already the next stage of the duet Quirici/Budts. And this next phase is Divided by Two, a project of ambient music and music of ambiences with a strong connotation for essences of cosmos, even if this first album, “The Legend”, is inspired by an Earth legend. Either be the mythical story of the Roman soldier Silvius Brabo who killed the Giant, cutter of hands, Druon Antigoo and threw his hand in the Scheldt.
After some first minutes rather quiet, synth waves revolve between our ears with this state of astral weightlessness. Lapping of water and electronic noises decorate this slow sound impulse which is braided tightened enough by floating multi-lines which seem to an obstacle to felted explosions. Little by little the dimension of the tones puts down its blooming of sounds with lines painted of contrasting colors which weld their wings and split them some flights farther. The sound panorama of "The Oppression of the Giant" is dark and constituted by the floating of multi-layers of which the esoteric chants are drifting in the density of a sound texture which exploits without embarrassment the most intriguing colors of the synths. It's hefty and this sensation to roam in the plains of the galaxies dressed in cosmonaut's combination is more omnipresent than those of crossing a river the hands cut, according to this legend that the giant used to cut the hands of those who were incapable to pay the price of the crossing. "Throwing the Hand" is more linear and plays into an endless corridor where the breezes and the whistles of the winds accentuate even more the sibilant and oppressive aspect of "The Oppression of the Giant". The progression and the intensity of "The River Filled with Blood" is going quite softly and especially in length. The synth breezes are warmer and if we soak our imagination in a film vision, we can see this river of blood in the movie Shake Hands with the Devil and/or other movies of the same genre. It's quiet, more ethereal and clearly less cosmic. In fact, these last two titles are very contrasting compared to "The Oppression of the Giant" and "Out of the Dark Ages" which are two very intense music tales. And "Out of the Dark Ages" is even more striking, almost cataclysmic with these rustles of metal sheets and these layers of more or less seraphic voices, where all the electronic effects adorn a panorama always well fed and to the antipodes of a cosmic approach as a mythological one.
In reality, Divided by Two is not really too much far from the four albums of the duet Syndromeda/ Perceptual Defence. Thus, the fan and the listener are not disoriented. Except that here, there are no sequences, nor rhythms propelled by implosions of lines strongly opposed which distanced this music of that purely ambient of “The Legend”. But on the other hand Quirici/Budts kept this intensity that characterized their music, making of her a unique signature in the spheres of music for ambiences, which implants images in our spirit, and ambient music, which makes us travel over the plains of Antwerpen.

Sylvain Lupari (May 20th, 2018) ***½**
synth&sequences.com
Available on SynGate's Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Divided by Two est un projet de musique mené conjointement par Gabriele Quirici, de Perceptual Defence et Danny Budts de Syndromeda. Ces 2 artistes collaborent ensemble depuis Fear of the Emptiness Space, qui est apparu dans les bacs en 2014. Trois autres albums ont suivi dont le dernier, Live at Cosmic Nights 2017, montrait déjà la prochaine étape du duo Quirici/Budts. Et cette prochaine étape est Divided by Two, un projet de musique ambiante et d'ambiances avec une forte connotation pour les essences du cosmos, même si ce premier album, “The Legend”, est inspiré d'une légende Terrestre. Soit la mythique histoire du soldat romain Silvius Brabo qui a tué le géant coupeur de mains Druon Antigoo et a lancé sa main dans l'Escaut.
Après des premières minutes plutôt calmes, des ondes de synthé gravitent entre nos oreilles avec cet état d'apesanteur astrale. Des clapotis d'eau et des bruits électroniques ornent cette lente impulsion sonique qui est tressée assez serrée par des multi-lignes flottantes qui semblent former un obstacle à des explosions feutrées. Peu à peu la dimension des tons étend sa floraison sonique avec des lignes aux couleurs contrastantes qui soudent leurs ailes pour les séparer quelques envolées plus loin. Le panorama sonique de "The Oppression of the Giant" est sombre et constitué des nappes flottantes dont les chants ésotériques flottent dans la densité d'une texture sonore qui exploite sans gênes les couleurs les plus intrigantes des synthés. C'est lourd et cette sensation d'errer dans les plaines des galaxies vêtu d'une combinaison de cosmonaute est plus omniprésentes que celles de traverser un fleuve les mains coupées, selon cette légende que le géant coupait les mains de ceux qui étaient incapable d'affranchir le prix de la traversée. "Throwing the Hand" est plus linéaire et exploite un corridor sans fin où les brises et les siffles des vents accentuent encore plus l'aspect sibilant et oppressant de "The Oppression of the Giant". La progression et l'intensité de "The River Filled with Blood" se fait tout en douceur et surtout en longueur. Les brises sont chaleureuses et si on imbibe notre imagination dans une vision cinématographique, on peut voir cette rivière de sang dans le film J'ai serré la Main du Diable et/ou autres films du même genre. C'est calme, plus éthéré et nettement moins cosmique. En fait, ces deux derniers titres font très contraste à "The Oppression of the Giant" et à "Out of the Dark Ages" qui sont deux très intenses contes sonores. Et "Out of the Dark Ages" l'est encore plus dans une approche saisissante, quasiment cataclysmique avec ces bruissements de métal criant et ces nappes de voix plus ou moins séraphiques, où les effets électroniques ornent un panorama toujours bien nourri et aux antipodes d'une approche cosmique comme mythologique.
En réalité, Divided by Two n'est pas vraiment trop loin des 4 albums du duo Syndromeda & Perceptual Defence. Donc, le fan et l'auditeur ne sont pas dépaysé. Sauf qu'ici, il n’y a point de séquences, ni de rythmes propulsés par des implosions de lignes farouchement opposées qui distançaient cette musique de celle purement ambiante de “The Legend”. Mais Quirici/Budts ont gardé par contre cette intensité qui caractérisait leur musique, faisant d'elle une signature unique dans les sphères de la musique d’ambiances pour implanter des images dans notre esprit et ambiante pour nous faire voyager au-dessus des plaines d'Antwerpen.

Sylvain Lupari 20/05/18

dimanche 20 mai 2018

NORD: The Tree of Life (2017)

“The more he moves forwards and the more Nord is turning into a one member band of Electronic prog-rock”
1 The Wise Man 13:09
2 The Deer and the Horse 10:38
3 The Falcon and the River 8:38
4 The Tree 12:49
5 Trance 10:06
6 Completion 11:36

Nord Music (67:00)
(Electronic Progressive Rock)
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   **Chronique en français plus bas**

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First album of Nord in 2018, “The Tree of Life” is inspired by an ancient Hungarian mythology; Életfa or the Tree of life which is considered to be the center of the world. And like in his last albums, Sztakics István Attila keeps on going and even accentuates his bend towards a fusion of progressive rock and of an EM of the Berlin School style which seduced his new legion of fans since The Hidden Garden of Semiramis. Genesis dipped into Opeth and\or Strawbs marinated in Dream Theater, Nord uses more and more his electric guitars plug-ins on this album. Structuring thus head-bangers rhythms between phases of atmospheres or as complement to a rising electronic rhythm. In the end, “The Tree of Life” ends to be more a progressive rock album decorated with a touch of EM than of its opposite. Exception made of the synth solos which abound on every title with some very esthetic choreographies.
It's moreover by a very Jeff Beck guitar (Roger Waters-Amused to Death) which roams in ethereal atmospheres that "The Wise Man", one of the main characters of this mythology, gets open. Some caresses of violins try to float with the suave lyrical harmonies of a splendid voice of goddess which is raised in order to give us shivers with his poignant crescendo of emotionalism. The synth plays on the depth of an Elvish choir for Angels and Devils, while injecting banks of mist in this luxurious decoration where even the twist reverberations the have a beautiful tonal tint. Crystal clear sequences liven up these spasmodic movements of rhythm unique in the arsenal of EM with two tones which head for the same tangent. If songs of a virgin flute tickle our emotions, the heavy riffs very loud of a rock guitar make counterweight. The fluty airs become piercing whereas the rhythm pursues its zigzagging road, a little as Tangram played in speeded-up, with sequences which remove their shadows in order to accelerate a pace which collapses now under the weight of heavy and resonant chords. This rhythmic instability is then whipped by percussions which lead the finale of "The Wise Man" towards a furious almighty mixture of heavy and ethereal, of theatrical progressive rock and electronic which is now the trademark of Nord since some albums. "The Deer and the Horse" are other elements of this Hungarian tale. In music, this is translated by an intro fed of glaucous reverberations and of synth riffs which coos some nice little melodic soloes adorned of sound prisms which remain suspended in this very aerial decoration. Bass pulsations form a structure of rhythm which waves discreetly in this introduction fed of reverberations, solos of uncertain forms, tonal prisms … and riffs of guitar a la David Gilmour (Animals). The door is now open to a rock approach which becomes rather a heavy rock a la Uriah Heep, set apart the jerky riffs of guitars which make very Opeth, with synth solos and layers of Hammond organ which are running on a structure in madness. "The Falcon and the River" follows the same rules, exception made of an introduction blown by celestial voices and also for a rhythm which is slightly slower. The riffs are also sharp-edged and monstrous! And so goes too "The Tree" which adopts the shape of the previous titles with an opening where reverberations, electro-cosmic effects and layers of celestial voices spread a panorama of an idle serenity. A circular movement of the sequencer goes out of these ambiences of which the crescendo pursues its ascent with these big jerky riffs, helped by very rock percussions, which perturb the atmospheres of this album while preserving a level of rhythmic uncertainty convenient for good synth solos which sound very David Wright. "Trance" is a beautiful electronic ballad which gets transformed into a copy of Power Ballad. The same goes for "Completion" which concludes “The Tree of Life” with the very theatrical rock vision heavy and incisive from Nord.

Sylvain Lupari (May 15th, 2018) ***¼**
synth&sequences.com
You will find this album in DDL only on Nord Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Premier album de Nord en 2018, “The Tree of Life” est inspiré d'une ancienne mythologie hongroise; Életfa ou l'Arbre de Vie qui est considéré comme le centre du monde. Et comme lors de ses derniers albums, Sztakics István Attila continue et accentue même son virage vers une fusion de rock progressif et de MÉ du style Berlin School qui a séduit une nouvelle légion de fans depuis The Hidden Garden of Semiramis. Du Genesis trempé dans du Opeth et/ou du Strawbs mariné dans du Dream Theater, Nord utilise d'avantage ses modules de guitare électrique sur cet album. Structurant ainsi des rythmes de head-bangers entre des phases d'ambiances ou comme complément à un rythme électronique naissant. Au final, “The Tree of Life” devient plus un rock progressif orné d'une touche de MÉ que son contraire. Exception faite des solos de synthés qui abondent sur chaque titre avec des chorégraphies très esthétiques.
C'est d'ailleurs par une guitare très Jeff Beck (Roger Waters-Amused to Death) qui rôde dans des ambiances éthérées que s'ouvre "The Wise Man", un des personnages centraux de cette mythologie. Des caresses de violons tentent de flotter avec les suaves harmonies lyriques d'une splendide voix de déesse qui est dressée pour nous donner des frissons avec ses poignants crescendos d'émotivité. Le synthé joue sur la profondeur d'une chorale Elfique pour Anges et Démons, tout en injectant des bancs de brume dans ce somptueux décor où même les réverbérations twistées ont un beau teint tonal. Des séquences limpides animent ces mouvements de rythme spasmodique uniques à l'arsenal de la MÉ avec deux tonalités qui épousent une même tangente. Si des chants d'une flûte virginale chatouille nos émotions, les lourds riffs bien pesant d'une guitare rock font contrepoids. Les chants flûtés deviennent acuités tandis que le rythme poursuit sa route zigzagante, un peu comme Tangram joué en accéléré, avec des séquences qui détachent leurs ombres afin d'accélérer une cadence qui croule maintenant sous le poids d'accords lourds et résonnants. Cette instabilité rythmique est fouettée alors par des percussions qui conduisent la finale de "The Wise Man" vers un furieux mélange de lourd et d'éthéré, de rock progressif théâtral et d'électronique qui est devenu le sceau de Nord depuis quelques albums. "The Deer and the Horse" sont d'autres éléments de ce conte Hongrois. En musique ça se traduit par une intro nourrie de réverbérations glauques et de riffs de synthé qui roucoule de beaux petits solos mélodiques ornés de prismes soniques qui restent suspendu dans ce décor très aérien. Des basses pulsations forment une structure de rythme qui ondule discrètement dans cette introduction nourrie de réverbérations, de solos aux formes incertaines, de prismes tonals…et des riffs de guitare à la David Gilmour (Animals). La porte est ainsi ouverte à une approche rock qui devient plutôt un heavy rock à la Uriah Heep, mis à part les riffs de guitares saccadés qui font très Opeth, avec des solos de synthé, et des nappes de Hammond, qui courent sur une structure en folie. "The Falcon and the River" suit les mêmes règles, sauf pour une introduction soufflée par des voix célestes et le rythme qui est légèrement plus lent. Les riffs sont aussi tranchants et monstrueux! Et de "The Tree" de suivre le modèle du titre précédent avec une ouverture où réverbérations, effets électronicosmiques et nappes de voix célestes étendent un panorama de sérénité oisive. Un mouvement circulaire du séquenceur sort de ces ambiances dont le crescendo poursuit sa montée avec ces gros riffs saccadés, aidés de percussions très rock, qui perturbent les ambiances de cet album maintiennent un niveau d'incertitude rythmique propice à de bons solos de synthé qui font très David Wright. "Trance" est une belle ballade électronique qui se transforme en une copie de Power Ballad. Idem pour "Completion" qui conclut “The Tree of Life” avec la vision très rock théâtrale lourd et incisif de Nord.
Sylvain Lupari (15/05/18)

samedi 19 mai 2018

LENSFLARE: Ultraviolet 2 (2018)

“Much more ambiospherical than the first chapter Ultraviolet 2 is a blend of pure Cosmic essence and of morphing Berlin School”

1 Cosmic Radiation 18:05
2 Time Warp 16:00
3 Gamma Decay 21:28

Lensflare Music (DDL 55:34)
(Cosmic and floating Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**

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Breaths made of ochre and deaf reverberations perfume an introduction where a thick surface of synth waves and of rippling synth lines are retaining the impulse of "Cosmic Radiation". In fact, the intro, and the ambiences to come from this title, depicts quite right the territory in which "Cosmic Radiation" evolves and by ricochet this album of Lensflare. Cosmic electronic effects, and other ones purely electronic, mark out a procession at the counter of a title which has difficulty in breathing, so much the atmospheres are weaved in stitches of tones without holes to make breathe the tissue. Layers of voice? Why not! It was the only element being lacking in this puddle of sound graffiti and sound effects. And their presences after 3 minutes comfort the fans of Berlin School. We smell that Lensflare is going to give birth soon. But it will rather be like a mountain giving birth to a mouse. Sequences packed of radiances, one would say Syndromeda's sequencing pattern, roam here and there before a less irradiant line of sequences modulates these rhythms which flicker with alacrity to make dance our neurons. This first phase of motionless rhythm lays down short oscillations without cleaning up the elements of ambiences present from the first seconds of this first title, and which will be living right to the very end of “Ultraviolet 2”. Little by little, the structure frees shapes of cosmic rodeos to which are grafted layers of voices which are as much fed than the rippling vapors of the synths. And quite slowly, the life of "Cosmic Radiation" goes out under this thick veil of cosmic radiations.
If the first Ultraviolet was an album of free interpretation about Rubycon, “Ultraviolet 2” brings us back a little more in the universe of the cosmic atmospheres a bit complexes and progressives of The Valle dell' Inferno, released at the beginning of 2018. We are here in a mixture of ambient cosmic music and Berlin School, which the Italian synthesist has composed in his studio of Guidonia in Italy at this beginning of 2018. “Ultraviolet 2” is 3 long structures of which the slow evolutions take place in a universe where our ears have already put their lobes. Background noises, sound effects as cosmic as organic, sinuous lines and sinister reverberations as well as layers of voices and aerial flutes give birth and suffocate rhythms too weak to drill this sound opacity which is the ink of this album. "Time Warp" doesn't escape to this vision of Lensflare for this album, while only the short invasion of the sequencer in "Gamma Decay" escapes the domination of the atmospheres. For the rest, this “Ultraviolet 2” reaches the goal aimed; either a good cosmic music with a little of Berlin School.

Sylvain Lupari (May 18th, 2018) *****
synth&sequences.com
Available on Lensflare's Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Des souffles ocrés et des réverbérations sourdes parfument une introduction où un épais tapis d'ondes et de lignes ondoyantes retiennent l’élan de "Cosmic Radiation". En fait, l'intro, et les ambiances à venir de ce titre, dépeint assez bien le territoire dans lequel "Cosmic Radiation" évolue et par le fait même cet album de Lensflare. Des effets électroniques cosmiques, et d'autres purement électroniques, jalonnent une procession du compteur d'un titre qui peine à respirer, tant les ambiances sont tissées dans des mailles de tons sans trous pour faire respirer le tissu. Des nappes de voix? Pourquoi pas! C'était le seul élément manquant dans cette mare de graffitis et d'effets soniques. Et leurs présences après les 3 minutes réconfortent les amateurs de la Berlin School. On sent que Lensflare va accoucher d'ici peu. Mais ce sera plutôt comme une montagne donnant naissance à une souris. Des séquences gorgées de radiances, on dirait du Syndromeda, errent ici et là avant qu'une ligne de séquences moins irradiante module ces rythmes qui papillonnent avec ardeur afin de faire danser nos neurones. Cette première phase de rythme stationnaire couche de courtes oscillations sans pour autant nettoyer les éléments d'ambiances présentes depuis les premières secondes de ce premier titre, et qui le seront jusqu'à la toute fin, de “Ultraviolet 2”. Peu à peu, la structure libère des figures de rodéos cosmiques auxquels se greffent des nappes de voix aussi nourries que les vapeurs ondoyantes des synthés. Et tout doucement "Cosmic Radiation" s'éteint peu à peu sous cet épais voile de radiations cosmiques.
Si le premier Ultraviolet était un album d'interprétation libre sur Rubycon, “Ultraviolet 2” nous ramène un peu plus dans l'univers des ambiances cosmiques un brin complexes et progressives de La Valle dell'Inferno, paru en début 2018. Nous sommes dans un mélange de musique d'ambiances cosmiques et de Berlin School, que le synthésiste Italien a composé dans son studio de Guidonia en Italie en ce début 2018. “Ultraviolet 2”, c'est 3 longues structures dont les lentes évolutions se passent dans un univers où nos oreilles ont déjà mis leurs lobes. Bruits de fond, effets sonores tant cosmiques qu'organiques, lignes sinueuses et réverbérations sinistres ainsi que nappes de voix et chants de flûtes donnent naissance et étouffent des rythmes trop faibles pour percer cette opacité sonore qui est l'encre de cet album. "Time Warp" n'échappe pas à cette vision de Lensflare pour cet album, alors que seule la courte évasion du séquenceur dans "Gamma Decay" échappe à la domination des ambiances. Pour le reste, ce “Ultraviolet 2” atteint le but visé; de la musique cosmique avec un peu de Berlin School.
Sylvain Lupari (18/05/18)

LENSFLARE: Ultraviolet (2017)

“Ultraviolet is a free interpretation of TD's Rubycon which will pleased for sure those who have missed those years”

1 Ultraviolet Part 1: Spectrum 19:23
2 Ultraviolet Part 2: Exposure 15:52

Lensflare Music (DDL 35:15)
(Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**
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It's like a tonal blooming which develops under Silvain's eyes, apprentice flutist and God of fields. The sounds grow in this music field and get into our ears with a little of echo and discord. A flute brings up a more harmonious aura with an air which is shaking under the stings of some cold breezes and the delicate knocks of gongs. Other noises, stranger ones, bloom between the crevices of synthesizers which add layers of chthonian voices. This tonal hatching wins in intensity of noises where falls of winds and horizontal hummings add more psychedelic effects to this long introduction of "Ultraviolet Part 1: Spectrum". And if your ears believe to have discover the garden of influences of these atmospheres, it's that you know by heart the ambiospherical elements which fed the introductions of the first Tangerine Dream albums on Virgin. And it's after 8:30 minutes that the whole thing gets revealed. With a movement of the sequencer stolen from the memories of Rubycon, Lensflare sculpts this fluid and floating movement of the sequencer of which the heavy oscillations here serve as bed for a melodious approach of the synth. The airs of the flute are more sharpened, less dreamy also, and sing this ghostly melody which irreparably seduced us in the turning of the 70's. Superb and predictable, this version freely inspired by this first cult album of Tangerine Dream reaches its purpose with the addition of percussions and this caricatural finale which here really sounds strangely like those ambient elements in a title of Black Sabbath from the Mob Rules album; E5150.
Have we enough of these perpetual movements of EM which are freely inspired by old Berlin School and of its pioneers? From what I've heard since years, I don't think so because there is big movement of revival in the air. The young artists look for this analog tone, some are in search of the possible unknown paths of those years, some have even found them, while other artists are freely inspired by an album in particular which is connected to this era. It's the case here with “Ultraviolet” from the Italian musician Lensflare. The latter said things clearly and dives literally in both sides of the Rubycon universe. I followed him and I enjoyed it. That gives me an opportunity to reconnect with the past. But his version doesn't surpass the original, even if sometimes we have the vague feeling to be pushed in a furrow that our senses hadn't perceived yet at that time, and even years farther. It's the case with "Ultraviolet Part 2: Exposure" where the sound fauna is especially denser and more creative by flooding even a longer structure of rhythm and which imitates the original in its architecture while bringing more abrupt contrast in its oscillations and more fluidity in its leading movement. To me that sounds much more like a kind of remix than a free interpretation. But in any case, one listens to it very well even if that never matches the original, and I don't believe that it was the goal aimed by Lensflare. I think that it's a fair free interpretation with a very good wealth and a search in the color of the tones. If you liked Rubycon and Phaedra years of Tangerine Dream, I believe that in the end you will be satisfied by this “Ultraviolet” which is available only in a downloadable on the Lensflare's Bandcamp page.

Sylvain Lupari (May 17th, 2018) *** ½**
synth&sequences.com
Available on Lensflare's Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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C'est comme une floraison tonale qui se développe sous les yeux de Silvain, apprenti flûtiste et 
Dieu des champs. Des sons poussent dans ce champ de musique et entrent dans nos oreilles avec un peu d'écho et de discorde. Une flûte élève une aura plus harmonique avec un air qui chevrote sous la piqure de brises froides et les délicats coups des gongs. D'autres bruits, plus étranges, fleurissent entre les interstices de synthétiseurs qui rajoutent des nappes de voix chthoniennes. Cette éclosion tonale gagne en intensité bruiteuse où des chutes de vents et des bourdonnements horizontaux ajoutent plus d'effets psychédéliques à cette longue introduction de "Ultraviolet Part 1: Spectrum". Et si vos oreilles croient avoir décelé le jardin des influences de ces ambiances, c'est que vous connaissez par cœur les éléments ambiosphériques qui nourrissaient les introductions des premiers albums de Tangerine Dream sur Virgin. Et c'est après les 8:30 minutes que le tout s'explique. Avec un mouvement du séquenceur volé aux souvenirs de Rubycon, Lensflare sculpte ce mouvement fluide et flottant du séquenceur dont les lourdes oscillations ici servent de lit pour une approche mélodieuse du synthé. Les chants de flûte sont plus aiguisés, moins rêveurs aussi, et épousent cette mélodie fantomatique qui nous a irrémédiablement séduite au tournant des années 70. Superbe et prévisible, cette version librement inspirée de ce premier album culte de Tangerine Dream atteint son but avec l'addition de percussions et cette finale caricaturale qui ici ressemble drôlement aux ambiances d'un titre de Black Sabbath dans Mob Rules, E5150.
En avons-nous assez de ces sempiternelles mouvements de MÉ qui sont librement inspirés de la vieille Berlin School et de ses artisans? Avec tout ce que j'entends depuis les dernières années il faudrait croire que non, puisqu'il y a gros mouvement de revival dans les airs. Les jeunes artistes recherchent cette sonorité analogue, certains sont à la recherche des possibles sentiers ignorés de cette époque, même que certains en trouvent, alors que d'autres artistes s'inspirent librement d'un album en particulier qui est lié à cette période. C'est le cas ici avec “Ultraviolet” du musicien Italien Lensflare. Ce dernier ne fait aucune cachette et plonge littéralement dans les deux côtés de l'univers Rubycon. Et moi j'embarque et j'aime bien cela. Ça me donne une occasion de me reconnecter avec le passé. Mais ça ne dépasse pas l’original, même si des fois on a la vague impression d'être enfoncé dans un sillon que nos sens n'avaient pas encore perçu à cette époque, et même des années plus loin. C'est le cas avec "Ultraviolet Part 2: Exposure" où la faune sonore est plus dense et surtout plus créative en inondant même une structure de rythme plus longue et qui imite l'original dans son architecture tout en apportant plus de contraste abrupte dans ses oscillations et plus de fluidité dans son mouvement. Ça ressemble bien plus à un genre de remix qu'à une interprétation libre. Mais dans tous les cas, ça s'écoute très bien même si ça ne dépasse pas, et je ne crois pas que c'est le but visé de Lensflare, l'original. Une belle interprétation libre et une très belle richesse et recherche dans la couleur des tons. Si vous aimez la période Rubycon et Phaedra de Tangerine Dream, je crois qu'au final vous serez bien comblé par ce “Ultraviolet”. Disponible uniquement en format téléchargeable sur le site Bandcamp de Lensflare.

Sylvain Lupari (17/05/18)

jeudi 17 mai 2018

EFSS: Tidal Shift (2018)

“A bit difficult to tame and to taste, Tidal Shift worth these extra listenings you will give to it...and then, it will be a hearing love story”

1 Flood 8:16
2 Fate 7:09
3 Movement 10:12
4 Transit 7:04
5 Tunnel 7:59
6 Macroscopic 5:35
7 Axis 8:06

EFSS Music (CD & DDL 54:23)
(Berlin School with a bit of extravaganzas)
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   **Chronique en français plus bas**

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Always very original, the music of the German quartet Erren, Fleißig, Schöttler & Steffen transcends the Berlin School style while being inspired by it freely. These 4 musicians-friends meet occasionally in the small Dutch municipality of Ouddorp located on the island of Goeree-Overflakkee. An idyllic place which is convenient to jams sessions which gave us the fabulous first 3 CD of EFSS. The last reunion of the quartet took place in January 2018 and the results, without almost any sound make-up, find themselves on this “Tidal Shift” which is a little different. In fact, the hearing seduction let's itself be desired after the 1st listen to. If "Tunnel", and possibly "Flood", seduced straight out, the rest is quite a different story Except that these four friends who are still huge followers of the modular synths are always so intuitive and manage to attract our ears with a palette of audacious colors for their rhythms, their tones and their atmospheres always at the top of the creativity.
"Flood" already establishes the new climate of EFSS with a meshing of percussions which sparkle over a good bass line. The rhythm shows the regularity of a metronome to which one would have added a collage of jingles and of percussive elements which beat to the same hypnotic measure, but with distances in the knocks. Thus, that beats constantly such as a percussionists' concerto on boilers and cauldrons. This structure welcomes the murmurs of machines and, a little farther, synths' lamentations whereas the rhythm becomes more pulsating and the effects of the voices more disturbing if we pour a few into a kind of paranoia. The percussions and the cawing of the bass are elements of charms here. "Fate" is a little darker with a more cinematic vision. The larvas of synth flow with a mixture of tones, so that it's difficult to separate the color from the shadows, throwing an aura of fascination that we shall feel only after some listening. And this insidious side of “Tidal Shift” will make its effect rather quickly. Be sure of that. There are so beautiful groans of the synths than their sound effects which burst here and there, while the ceaseless tick-tock of the rhythm lays down an ambient structure which undulates and skips beneath the effects of percussions-sequences-pulsations-jingles-percussive effects. The fluid rhythm, always conceived in a material of harmonious complexity, of "Movement" is the first element of this album which moves us closer to the first E.P. of those 4 friends and of their Modular synths. Fluid and attractive, one still doesn't dance here although with imagination…, it rolls with its small jolts under some nice morphing layers which are the faithful reflections of old Berlin School. Still here, effects of voice from an extraterrestrials' tribe can be felt and they're mumbling over a structure dominating more slightly in its shape of ambient trance.
Effects of voices that we also find on the introduction all in morphing vibes of "Transit". Jingles dance the clapper and seem to irritate a line of bass pulsations of which the knocks resound in another momentum of a metronome. A synth answers to this rhythm by pouring a melodious line as fluid but more pleasant to the ear. Little by little, other synths' effects invite each other, among whom some nice winks of eye to the Exit era of Tangerine Dream, and embellishes this passive structure that we shall always enjoy more and more in the course of its exploration. I wrote about it at the beginning, "Tunnel" is simply magical. Its simple approach and its melody which eats your neurons destabilize with a huge dose of magnificence. It's the kind of melody that doesn't leave you for hours to come, while the jerky movement of the sequencer and the robotics rhythm of the percussions, without forgetting the percussive effects, are as many elements that we want to hear again and again. But it's also as many reasons make "Macroscopic" a little less attractive. Nevertheless, its ambiences should fit marvelously in a lugubrious movie of which the intensity gives sweats to the spectator. It's a sort of Industrial Dark ambient which overflows even beyond the introduction of "Axis" which, after some 3 minutes of dark and a little less inviting atmospheres for an evening where one wants to charm our potential Cupid, is hatching out with a structure of rhythm built upon fluid morphing undulations.
One doesn't say WoW after the first listening of “Tidal Shift”, unless having our neurons and the bases of our two hemispheres are well sharpened. The complexity, in particular at the level of the conception of the rhythms and of the effects of synth which mold these murmurs of another world, of structures competes with this idea that the beauty is find in a first look. It's the very opposite here! “Tidal Shift” is like this very particular experience where we find a very attractive element in the first look and which gives us this desire to look again and again. It's maybe not this love at first sight, but when we hang onto, we seriously stick! I have to say a big bravo to Erren, Fleißig, Schöttler and Steffen for a boldness which in the end is paying, as much for them as for us …
Sylvain Lupari (May 16th, 2018) *****
synth&sequences.com
You will find this album at EFSS Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Toujours très originale, la musique du quatuor Allemand Erren, Fleißig, Schöttler & Steffen transcende le genre Berlin School tout en s'en inspirant librement. Ces 4 musiciens-amis se rencontrent occasionnellement dans la petite municipalité néerlandaise Ouddorp sise sur l'île de Goeree-Overflakkee. Un endroit idyllique qui est propice à des jams sessions qui nous ont donné les fabuleux 3 premiers CD de EFSS. La dernière rencontre du quatuor a eu lieu en Janvier 2018 et les résultats, sans presqu'aucun maquillage sonique, se retrouvent sur ce “Tidal Shift” qui est quelque peu différent. En fait, la séduction auditive se fait désirer après la 1ière écoute. Si "Tunnel", et possiblement "Flood", séduit tout de go, le reste est une tout autre histoire. Sauf que ces 4 amis adeptes des synthés modulaires sont toujours aussi intuitifs et réussissent à attirer nos oreilles avec une palette de couleurs audacieuses pour leurs rythmes, leurs tons et leurs ambiances toujours au sommet de la créativité. 
"Flood" instaure déjà le nouveau climat de EFSS avec un maillage de percussions qui pétillent sur une bonne ligne de basse. Le rythme affiche la régularité d'un métronome auquel on aurait rajouté un collage de cliquetis et d'éléments percussifs qui battent dans une même mesure hypnotique, mais avec des décalages dans les coups. Donc, ça bat constamment comme un concerto de percussionnistes sur des chaudières et chaudrons. Cette structure accueille des murmures de machines et, un peu plus loin, des lamentations de synthés alors que le rythme devient plus pulsatoire et l'effet des voix plus dérangeant si on verse un peu dans une forme de paranoïa. Les percussions et les croassements de la basse sont des éléments de charmes ici. "Fate" est un peu plus sombre avec une vision plus cinématographique. Les larves de synthé coulent avec un mélange de tonalités, si bien qu'il est difficile de séparer la couleur des ombres, jetant une aura de fascination que l'on percevra seulement après quelques écoutes. Et ce côté insidieux de “Tidal Shift” fera son effet assez rapidement, soyez-en assuré. Il y a autant de beaux gémissements des synthés que leurs effets sonores qui éclatent ici et là, alors que le tic-tac incessant du rythme étend une structure ambiante qui ondule et sautille sous les effets des percussions-séquences-pulsations-cliquetis-effets percussifs. Le rythme fluide, toujours conçu dans une étoffe de complexité harmonique, de "Movement" est le premier élément de cet album qui nous rapproche des premiers E.P. des 4 amis et leurs Modulaires. Fluide et attrayant, on n'y danse toujours pas quoiqu'avec de l'imagination…, il roule avec ses petits cahots sous de belles nappes morphiques qui sont des fidèles reflets de la vieille Berlin School. Encore ici, des effets de voix d'une tribu d’extra-terrestres sont perçus et marmonnent sur une structure dominant plus légèrement dans sa forme de transe ambiante.
Des effets de voix que l'on retrouve aussi sur l'introduction toute en ambiances morphiques de "Transit". Des cliquetis dansent la claquette et semblent énerver une ligne de basse pulsations dont les coups résonnent dans un autre élan de métronome. Un synthé répond à ce rythme en coulant une ligne mélodieuse aussi fluide mais plus agréable à l'oreille. Peu à peu, d'autres effets des synthés s'invitent, dont des beaux clins d'œil à la période Exit de Tangerine Dream, et ornent cette structure passive que l'on appréciera toujours un peu plus au fil de son exploration. J'en parlais en ouverture, "Tunnel" est tout simplement magique. Son approche simple et sa mélodie qui mange vos neurones déstabilisent avec une énorme dose de magnificence. C'est le genre de mélodie qui ne vous quitte pas pendant des heures, alors que le mouvement saccadé du séquenceur et le rythme robotique des percussions, sans oublier les effets percussifs, sont autant d'éléments que l'on veut réentendre encore et encore. Mais c'est aussi autant de raisons qui rend "Macroscopic" peu attrayant. Pourtant ses ambiances se prêtent à merveille à un film lugubre dont l'intensité donne des sueurs au spectateur. Du Dark ambiant industriel qui déborde même au-delà de l'introduction de "Axis" qui, après quelques 3 minutes d'ambiances sombres et peu invitantes pour une soirée où on veut charmer son potentiel cupidon, éclot avec une structure de rythme aux fluides ondulations morphiques.
On ne dit pas WoW à la première écoute de “Tidal Shift”, à moins d'avoir nos neurones et les bases de nos deux hémisphères bien éveillées. La complexité, notamment au niveau de la conception des rythmes et des effets de synthé qui moulent ces murmures d'un autre monde, des structures rivalise avec cette idée que la beauté se trouve dans un premier regard. C'est tout le contraire ici! “Tidal Shift” est comme cette expérience très particulière où l'on trouve un élément très attirant au premier regard et qui nous donne cette envie de regarder encore et encore. Ce n'est peut-être pas ce coup de foudre, mais quand on accroche, on accroche sérieusement! Je dois dire au gros bravo à Erren, Fleißig, Schöttler & Steffen pour une audace qui au final est payante pour eux comme pour nous…

Sylvain Lupari (16/05/18)

mardi 15 mai 2018

DASK: Abiogenesis (24 Bit Edition) 2017

What can I say about the music of Abiogenesis? It's DASK, pure DASK with its load of old Berlin School's sequencing patterns in an evolving ambiospherical décor


1 Lifeless Worlds 3:20
2 Storms on Venus 9:32
3 Kingdom of Dust 9:14
4 Storms on Mars 2:12
5 Blind Orbit 6:48
6 Mass Forming 7:12
7 Abiogenesis 10:12
8 Protocell 7:10
9 Still Water 4:16

DASK Music (DDL 59:56)
(Retro Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**

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Released at the beginning of 2017, “Abiogenesis” would be the very first album of DASK. And already the influences of Tangerine Dream, at the level of the structures of sequences and of the mysterious mists, have blown over this ambitious work of nebulous atmospheres and of Berlin School rhythms which depicts the creation of the life from a non-living matter. Ambitious, because of the complexity of the subject that David Marsh transposes aptly into music. And as a creation goes by a process which develops slowly, the themes of “Abiogenesis” passes from an idea into music with a nice texture of iodized and ochred vapors which inject a sonic adrenalin into good structures of rhythms where the reminiscences of TD bring us up until Redshift.
"Lifeless Worlds" is one of these many titles in this album which corresponds to the meaning of its idea. The music is covered of lines which float with their piercing and scarlet colors in an amorphous universe. The movement is slow and sculpts the themes of these soundscapes which we see in documentaries on the evolutions of planets. It's of these atmospheres, a little less painted by acid colors, that the procession of "Storms on Venus" goes to a phase of sequenced rhythm livened up by a good duel of tones. If a line of sequences is fluid with its roundness of bass, another one emits organic signals which are reflected in a panoramic echo, allowing another line to support a rhythmic melody in an endless horizon. "Kingdom of Dust" proposes an introduction which progresses between its ethereal sound elements and some invading rumblings which give it an approach as sinister as alarming. Mists and dusts of the nothingness stuff these moments whereas quite slowly this sound mass faints at about the 5 minutes to make a small place for a structure of very melodious sequence and among which the approach, always near the global drama, is supported by threatening knocking. And this phase flies away in an electronic ballet where some circles get twin to gallops, structuring these unthinkable and unique to those rhythms of Berlin School. "Storms on Mars" is an ambiospherical passage where hides a short synth melody. As every title is separated in “Abiogenesis”, to speak about a prelude to the heavy "Blind Orbit", which does very Redshift, would be deceitful. But the idea remains as likely as very attractive. A splendid title with a very creative use of the sequencer, "Blind Orbit" has all the tools to be the core of this album.
The elements of atmospheres which structure the opening of "Mass Forming" are in the tones. There is a real sound mass where sparkle ideas which stand out as the title progresses. Sometimes musical and sometimes very acid, this mass amasses as much life than irrecoverable materials before turning into rhythm without life but not without noises. The finale does very intense and would fit very well with a scene of a movie horror on the edge of its outcome. The title-track is the most ethereal of this album. And when I say ethereal, I speak about the atmosphere. Because the rhythm is sculpted on a splendid movement of the sequencer modulating these perpetual loops which rise and fall. The approach is fluid and magnetizing, while the sequences splatter of juicy, crunchy and musical tones beneath layers of seraphic voices. That's another very solid track! The same goes for the following one, "Protocell". After an introduction very textural at the ambiospherical level, keyboard riffs throw the excitement with very TD reminiscences, period Hyperborea (finale of Sphinx Lightning). These strange riffs, which remind me these lost chords in Sergio Leone's western movies, bring us towards a rush of big slim gallops running to escape this series of big knockings which amplify even more the charm of a rhythm in imbalance. Some ghostly synth lines of hunt down these gallop while the movement of the sequencer and of the raucous loosens other jumping balls and knockings which skip and resound to the refusal of a continual chassé-croisé of percussive elements. "Still Water" concludes this other very nice album of DASK with images put into music the activities of the Sea of Tranquility.
David Marsh possesses this gift of putting well into music his concepts, his stories with a fascinating precision. The atmospheres of “Abiogenesis”, and their transitions, their evolutions towards rhythms very Berlin School justify the means to connect better his music to the expectations of his public while respecting the meanings behind each title. I find that it gives some more of depth to the music of DASK. And depth here... is loading the album from A to Z.

Sylvain Lupari (May 14th, 2018) *****
synth&sequences.com
You will find this album on DASK Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Paru en début 2017, “Abiogenesis” serait le tout premier album de DASK. Et déjà les influences de Tangerine Dream, au niveau des structures des séquences et des brumes mystérieuses, soufflaient sur cette ambitieuse œuvre d'atmosphères nébuleuses et de rythmes à la Berlin School qui dépeint la création de la vie à partir d'une matière non vivante. Ambitieux, à cause de la complexité du sujet que David Marsh transpose en musique avec justesse. Et comme une création passe par un processus qui se développe lentement, les thèmes de “Abiogenesis” passent de l'idée à la musique avec une belle texture de vapeurs iodées et ocrées qui injectent une adrénaline sonique à de bonnes structures de rythmes où les réminiscences de TD nous amène jusqu'à du Redshift.
"Lifeless Worlds" est l'un de ces nombreux titres dans cet album qui correspond avec le sens de son idée. La musique est bardée de lignes qui flottent avec leurs couleurs criardes et écarlates dans un univers amorphe. Le mouvement est lent et sculpte les thèmes de ces panoramas soniques que l'on voit dans des documentaires sur les évolutions des planètes. C'est de ces ambiances, un peu moins peintes de couleurs acides que la procession de "Storms on Venus" se dirige vers une phase de rythme séquencé animée par un bon duel de tonalités. Si une ligne de séquences est fluide avec ses rondeurs de basse, une autre émet des signaux organiques qui se reflètent dans un écho panoramique, permettant à une autre ligne d'étayer une mélodie rythmique dans un horizon sans fin. "Kingdom of Dust" propose une introduction qui progresse entre ses éléments soniques éthérés et des grondements envahissants qui lui donne une approche aussi sinistre qu'alarmante. Les brumes et les poussières du néant farcissent ces moments alors que tout doucement cette masse sonore s'évanouit vers les 5 minutes afin de faire une petite place à une structure de séquence très mélodieuse et dont l'approche, toujours près du drame planétaire, est soutenu par des cognements intimidants. Et cette phase s’envole dans un ballet électronique où les cercles se mêlent à des galops, structurant ces rythmes impensables et uniques à la Berlin School. "Storms on Mars" est un passage ambiosphérique où se cache une brève mélodie synthétisée. Comme chaque titre est séparé dans “Abiogenesis”, parler d'un prélude au lourd "Blind Orbit", qui fait très Redshift, serait mensonger. Mais l'idée reste aussi probable que très séduisante. Un splendide titre avec une utilisation très créative du séquencer, "Blind Orbit" a tous les outils pour être le cœur de cet album.
Les éléments d'ambiances qui structurent l'ouverture de "Mass Forming" sont dans les tons. Il y a une véritable masse sonore où pétillent des idées qui sortent du lot au fur et à mesure que le titre progresse. Tantôt musicale et tantôt très acide, cette masse amasse autant de vie que de matières irrécupérables avant de se diriger vers un rythme sans vie mais pas sans bruits. La finale fait très intense et irait très bien avec une scène d'horreur sur le bord de son dénouement. La pièce-titre est la plus éthérée de cet album. Et lorsque je dis éthérée, je parle de l'ambiance. Car le rythme est sculpté sur un splendide mouvement du séquenceur qui module ces sempiternelles boucles qui montent et descendent. L'approche est fluide et magnétisante, alors que les séquences miroitent de tonalités juteuses, croustillantes et musicales sous de nappes de voix séraphiques. Un autre titre solide! Idem pour le suivant, "Protocell". Après une introduction très texturale au niveau ambiosphérique, des riffs de clavier jettent l'émoi avec des réminiscences très TD, période Hyperborea (finale de Sphinx Lightning). Ces étranges riffs, qui me rappellent ces notes de western égarées dans les films de Sergio Leone, nous amènent vers une ruée de grands galops élancés courant pour échapper à cette série de cognements qui amplifient encore plus le charme d'un rythme en déséquilibre. De fantomatiques lignes de synthé chassent ces galops alors que le mouvement du séquenceur et du tapageur délie d'autres ions et cognements qui sautillent et résonnent à la dérobade dans un chassé-croisé d'éléments percussifs. "Still Water" conclut cet autre bel album de DASK avec les image en musique des activités de la Mer de la Tranquillité.
David Marsh possède ce don de bien représenter en musique ses concepts, ses histoires avec une fascinante justesse. Les atmosphères de “Abiogenesis” et leurs transitions, leurs évolutions vers des rythmes très Berlin School justifient les moyens afin de mieux connecter sa musique avec les attentes de ses auditeurs tout en respectant les significations derrière chaque titre. Je trouve que ça donne encore plus de profondeur à la musique de DASK. Et de la profondeur, il y en a plein dans cet album.

Sylvain Lupari (14/05/18)

dimanche 13 mai 2018

POLARIS: Desert Run (2018)

“This comeback of Polaris is a good breath of fresh air in the spheres of EM with an approach highly stylized and surprisingly eclectic”

Fata Morgana 13:16
Derweze 9:34
Dunes 11:40
Hasting's Cutoff 9:50
Oasis 8:12

GEN CD 045 (CD 52:32)
(Berlin School, E-Rock and EDM)
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   **Chronique en français plus bas**

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Humm…quite a comeback from Polaris! Near, or more, four years after Way Out, Jakub Kmiec gets out of his den to offer an album which will surprise more than one. An electronic ode on the theme of desert, “Desert Run” entails in its trail this signature of Polaris' EDM in structures clearly more elaborate than on his previous albums. The result gives a rather particular style where we find essences of Jarre, for the cosmic decor, Kitaro for the harmonization of the synthesized melodies, Tangerine Dream for the effects and the spirals of sequences and finally Redshift for many other elements.
It's moreover in the perfumes of Logos that "Fata Morgana" gets organized around our ears. A dark veil imagined in the cave of Redshift spreads layers of chthonian voices around this meshing of percussions and sequences which dribble its keys in a rhythmic which goes towards this electronic rock that we still don't know how to dance. Evolving in two phases, "Fata Morgana" corresponds perfectly to the meaning of its idea with a sound mirage where the diverse periods of Tangerine Dream form an ear-catchy symbiosis. Like this guitar which spits its riffs, which would like to turn into furious solos, and this phase of sequences which goes as these crazy balls in an abacus activated by a gearing out of control. It's in this moment, around 6:30 minutes, that the sequencer activates its madness, modifying a structure which becomes more uncluttered and more lively. The fans of Chris Franke's ingenious sequencing patterns are going to devour this title. "Derweze" is in pure Redshift mode, both for the ambiences and for the use of the sequencer which presents its Tangerine Dream influences. Let's that it describes perfectly this legend of the Gates of Hell on Earth situated in the Turkmenistan desert. "Dunes" will be party of these titles put in my iPod, section Best EM tracks of 2018. Rolling in Floydian mists, some rather intense synth solos get out of layers filled with reverberating cracklings. A small footstep of the sequencer and hop …A sublime synth line, more than too harmonious, goes down from the clouds with an irrevocable influence on our charms. The sequencer stammers another approach at the same time as a good bass line invites itself behind this harmonious gift. And everything goes fast! The percussions which come to dance with the keyboard riffs and propel the music towards a lively structure where threads of melodies roll in loops on a structure a bit jerky, but always very animated. Divided between its magnificent whistled melody and its Kitaro solos style, "Dunes" retreats towards a narrow corridor of ambiospherical elements before springing with strength, rambling its 2nd part between its phases of ambivalences. I have to tell you that it's this kind of music that leads me to madly love EM and its multiple possibilities.
Chords quivering like clackers prisoners in a foggy echo tickle charmingly our sense of hearing. This zigzagging movement coming from the far drags a meshing of pulsations and acoustic percussions which will be the base of a bidirectional rhythmic structure. Some arpeggios flutter above, while the presence of mist amplifies the atmospheric side of "Hasting's Cutoff", a title which gets the most closer of the hymns EDM that we found on the album Way Out, but in an envelope a little bit Cosmic Funk, a la Robert Schroëder. "Oasis" is sculpted in the same mold. This time, the rhythm escapes from an orchestral fog from where arises a line of bass pulsation and an armada of sequences which flicker quickly, like in those big electronic rocks of TD in their Miramar years. The 2nd part proposes another rendezvous with the dexterity of Jakub Kmiec and his synth solos which will seduce you more than once throughout this album filled of surprises. And there, I didn't even mention the very Franke pattern of sequences of the Logos years which are flickering with a good pace in this finale, as well as in a lot of places in “Desert Run”.
This comeback of Polaris is a good breath of fresh air in the spheres of EM with an approach highly stylized and surprisingly eclectic. Surfing comfortable between several styles and influences, of which the links are imperceptible and nevertheless tangible, “Desert Run” is a journey in the heart of a EM where all its ingredients melt together in a symbiosis of the most charming. There is the a very good and a beautiful EM in this other little jewel, always carefully covered with a beautiful digipack, from the Polish label, Generator PL.

Sylvain Lupari (May 13th, 2018) **** ¼*
synth&sequences.com
You will find this album on Generator PL


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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Humm…, tout un retour de Polaris! Près, ou plus, de 4 ans après Way Out, Jakub Kmiec sort de sa tanière pour offrir un album qui en surprendra plus d'un. Ode électronique sur le thème du désert, “Desert Run” entraîne dans son sillage cette signature d'EDM de Polaris dans des structures nettement plus élaborées que dans ses albums précédents. Il en résulte en un style assez particulier où on retrouve des essences de Jarre pour le décor cosmique, de Kitaro pour les harmonisations des mélodies synthétisées, de Tangerine Dream pour les effets et les spirales des séquences et finalement de Redshift pour bien d'autres éléments.
C'est d'ailleurs dans des parfums de Logos que "Fata Morgana" s'organise autour de nos oreilles. Un voile obscur imaginé dans l'antre de Redshift étend des nappes de voix chthoniennes autour de ce maillage de percussions et de séquences qui driblent une rythmique qui tangue vers ce rock électronique dont on cherche encore une façon de le danser. Évoluant sur deux phases,"Fata Morgana" correspond parfaitement au sens de son idée avec un mirage sonore où les diverses périodes de Tangerine Dream forment une séduisante symbiose. Comme cette guitare qui crache ses riffs, qui aimeraient bien se transformer en solos rageurs, et cette phase de séquences qui roulent comme ces boules folles dans un boulier activé par un engrenage dérèglé. C'est à ce moment, autour des 6:30 minutes, que le séquenceur active sa folie, modifiant une structure qui devient plus épurée et plus entraînante. Les amateurs des séquences à la Chris Franke vont dévorer ce titre. "Derweze" est en pur mode Redshift, tant pour les ambiances que pour l'utilisation du séquenceur qui étale ses influences de Tangerine Dream. Disons qu'il décrit avec justesse cette légende des portes de l'enfer sur Terre situées dans le désert Turkménistan. "Dunes" fera parti de ces titres à mettre dans mon iPod, section meilleurs titres de MÉ en 2018. Roulant dans des brumes Floydiennes, des solos de synthé assez intenses sortent d'entre des nappes gorgées d'un grésillement réverbérant. Un petit pas du séquenceur et hop…Une sublime ligne de synthé plus que trop harmonieuse descend des nues avec une emprise irrévocable sur nos charmes. Le séquenceur bredouille une autre approche en même temps qu'une bonne ligne de basse s'invite derrière ce cadeau harmonique. Et tout va vite! Les percussions qui viennent dansent avec les riffs de clavier et propulsent la musique vers une structure enlevante où les fils de mélodies roulent en boucles sur une structure un brin saccadé, mais toujours très entraînante. Divisé entre sa magnifique mélodie sifflotée et ses solos à la Kitaro, "Dunes" retraite vers un étroit corridor d'ambiances avant de jaillir avec force, promenant sa 2ième entre ses phases d'ambivalences. Disons que c'est ce genre de titre qui nous fait tomber en amour avec les multiples possibilités de la MÉ.
Des accords tressaillant comme des tac-tac (des clackers) prisonniers dans un écho brumeux chatouillent délicieusement notre ouïe. Ce mouvement zigzagant venu du loin entraine un maillage de pulsations et de percussions acoustiques qui seront la base d'une structure rythmique bidirectionnelle. Des arpèges volètent au-dessus, alors que la présence de brume amplifie le côté ambiance de "Hasting's Cutoff", un titre qui se rapproche le plus des hymnes EDM que l'on retrouvait sur l'album Way Out, mais dans une enveloppe un peu Cosmic Funk à la Robert Schroeder. "Oasis" est sculpté dans le même moule. Cette fois-ci, le rythme s'échappe d'un brouillard orchestral d'où surgit une ligne de basse pulsation et une armada de séquences qui papillonnent vivement comme dans les gros rocks électroniques de TD dans leurs années Miramar. La 2ième partie propose un autre rendez-vous avec la dextérité de Jakub Kmiec et ses solos de synthé qui en séduiront plus d'un tout au long de cet album bourré de surprises. Et là, je ne vous ai pas parlé du pattern de séquences très Franke dans les années Logos qui butinent dans cette finale, de même qu'à plein d'endroits dans “Desert Run”.
Ce retour de Polaris est une bonne bouffée d'air frais dans les sphères de la MÉ avec une approche hautement stylisée et étonnement éclectique. Surfant à l'aise entre plusieurs styles et influences, dont les liens sont imperceptibles et pourtant tangibles, “Desert Run” est un voyage au cœur d'une MÉ où tous ses ingrédients se fondent en une symbiose des plus enchanteresse. Il y a de la très bonne et belle MÉ dans cet autre petit bijou, toujours soigneusement recouvert d'une belle pochette digipack, du label Polonais Generator PL.

Sylvain Lupari (13/05/18)