mardi 27 février 2018

ROBERT RICH: The Biode (2018)

“Nice ambient beats in a landscape of the most creative, The Biode is like a botanic field where we can hear breathing this fascinating garden of unusual tones”
1 Recalcitrant Malfeasance 3:14
2 Particles 4:34
3 Protista Mephista 8:21
4 Elevate the Hive Mind 7:28
5 Behind the Staminode 5:26
6 A Porous Membrane 4:40
7 Permeate the Divide 5:32
8 Galvanic Response 8:29
9 Aerosols for Pluviculture 2:27
10 Witchetty Vartu 7:21

Soundscape | SP031 (CD 57:32)
(Progressive ambient EM)
 **Chronique en français plus bas**
Glaucous knockings and noises assail our ears at the opening of "Recalcitrant Malfeasance". These sounds seem filled with water, one would say a frogman playing Didgeridoo in a pond, and they murmur a sordid incantation which remains the only harmonious element of this symphony for muddy tones. Little by little, these knockings become a base of ambient rhythm where every tone stretches its note towards the following one in order to weave an impenetrable wall of tones which caw such as batrachians in heat. Expect the unexpected! This proverb suits marvelously the boldness of a musician who challenges his instruments just to go where nobody will go. And it's also the theme of “The Biode”; a biomic node, the nexus or the gathering place where a community of organisms combines to become a unit of individuality or of consciousness. This little lexicon is a part of an observation that Robert Rich shares inside the digipack six-panels artwork colors and in a vision so realist of an album rich in very quirky tones where the psybient and the Electronica hang onto ambiences which never stop to amaze. It's also possible read this observation on the Bandcamp page of “The Biode”.
Using to satisfaction the Haken Continuum, Robert Rich weaves some totally nutty choirs Like this one of the deformed specters on the non-rhythm of "Particles" and its line of bass which sighs in its rhythmic solitude. The bah-bah-bah-bah flows like viscous grass-snakes, clearing a linguistic code which seems to stick to the language of micro-organisms. This is Robert Rich and we sway on the perfumed structures of his steel-guitar and of his anesthetic synth layers which ooze shyly in the crumbling of the rhythmic skeleton of "Protista Mephista". Wearing earphones is strongly advised to seize the pleasant melodies of octaves sculpted in the possibilities of the Haken Continuum. These octaves introduce the fluty song of "Elevate the Hive Mind" which waddles on a bewitching rhythm while causing a squabble of carillons which run away such as the snakes' skeletons on a bed of bells. The steel-guitar is as good as the flute. I've hooked straight away to the decor of this slow and magnetizing rhythm. The same goes for the very organic mid-tempo of "Behind the Staminode" which switches for a good up-tempo abundantly watered with the possibilities of the Haken. After the very ambient soundscape of "A Porous Membrane", "Permeate the Divide" brings back the beat with a good structure of more or less tribal rhythm decorated with the magnificent lamentations of the steel-guitar. A very intense title and wonderfully ornamented by a sound fauna which has changed tone since "Elevate the Hive Mind". The presence of the conventional synths is more noticed on these last titles, as well as on another landscape of ambient elements in "Galvanic Response" which keeps a link of fascination with those organic clucking. "Aerosols for Pluviculture" is another title for meditation with nice synth lines and waves to the colors of a night under the stars. "Witchetty Vartu" ends this other fascinating journey in the core of Robert Rich's imagination with a soft rhythm structured on pulsations and percussions always so viscous. This hypnotic rhythm is at first charmed by a very nice flute. The ambiences reach a phase of intensity unique to the aestheticism tonal of this surprising album from the Californian multi-instrumentalist where some slow orchestrations caress this duel voice/flutes which is part of this sound effervescence of an album which goes beyond the limits of our imagination.

Sylvain Lupari (February 27th, 2018) *****
This album is available via Amazon and Robert Rich
web site

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Des cognements et des bruits glauques assaillent nos oreilles en ouverture de "Recalcitrant Malfeasance". Ces sons semblent gorgés d'eau, on dirait un homme-grenouille jouant du Didgeridoo dans un étang, et murmurent une sordide incantation qui reste le seul élément harmonique de cette symphonie en tons vaseux. Peu à peu, ces cognements deviennent une base de rythme ambiant où chaque tonalité étire sa note vers la suivante afin de tisser une impénétrable muraille de tonalités qui croassent comme des batraciens en chaleur. Attendez-vous à de l'inattendu! Cet adage sied à merveille l'intrépidité d'un musicien qui défie ses instruments afin d'aller là où personne n'ira. Et c'est aussi la thématique de “The Biode”; un terme pour désigner un nœud biologique où une communauté d'organismes se combine pour devenir une unité d'individualité ou de conscience. Ce petit lexique fait partie d'une observation que Robert Rich partage à l'intérieur de la pochette six-côtés digipack aux couleurs et à la vision si réaliste d'un album riche en tonalités très biscornues où le psybient et l'Électronica s'accrochent à des ambiances qui n'en finissent plus d'étonner. On peut aussi lire cette observation sur la page Bandcamp de “The Biode”.
Usant à satiété du Haken Continuum, Robert Rich tisse des chorales totalement déjantées. Comme celle des spectres difformes sur le non-rythme de "Particles" et de sa ligne de basse qui soupire dans sa solitude rythmique. Les bah-bah-bah-bah coulent comme des couleuvres visqueuses, défrichant un code linguistique qui semble coller au langage des micro-organismes. C'est du Robert Rich et on tangue sur des structures parfumées de sa Steel-guitare et de ses nappes de synthé anesthésiantes qui suintent timidement dans l'émiettement du squelette rythmique de "Protista Mephista". Le port d'écouteurs est fortement conseillé afin de saisir les suaves mélodies d'octaves sculptées dans les possibilités du Haken Continuum. Ces octaves initient le chant flûté de "Elevate the Hive Mind" qui se dandine sur un rythme envoûtant tout en provoquant une guéguerre de carillons qui s'enfuient tel des serpents squelettes sur un lit de clochettes. La Steel-guitare est aussi belle que la flûte. J'ai accroché tout de go sur le décor de ce rythme lent et magnétisant. Idem pour le mid-tempo très organique de "Behind the Staminode" qui permute en un bon up-tempo copieusement arrosé des possibilités du Haken. Après le paysage sonique très ambient de "A Porous Membrane", "Permeate the Divide" revient avec une autre bonne structure de rythme plus ou moins tribal orné des magnifiques lamentations de la Steel. Un titre très intense et superbement bien décoré par une faune sonore qui a changé de ton depuis "Elevate the Hive Mind". La présence des synthés conventionnels est plus remarquée sur ces derniers titres, de même que sur un autre paysage d'éléments d'ambiances en "Galvanic Response" qui conserve un lien de fascination avec des gloutonnements organiques. "Aerosols for Pluviculture" est un autre titre pour méditation avec des belles lignes et ondes de synthés au couleurs de la nuit sous les étoiles. "Witchetty Vartu" termine cet autre fascinant voyage au cœur de l'imaginaire de Robert Rich avec un doux rythme structuré sur des pulsations et percussions toujours aussi visqueuses. Ce rythme hypnotique est charmé en premier lieu par une très belle flûte. Les ambiances atteignent une phase d'intensité unique à l'esthétisme tonale de ce surprenant album du multi-instrumentaliste de la Californie où de lentes orchestrations caressent ce duel voix/flûtes qui fait partie de cette effervescence sonore d'un album qui va aux limites de notre imagination.

Sylvain Lupari 27/02/2018

dimanche 25 février 2018

LENSFLARE: La Valle dell'Inferno (2018)

“La Valle dell'Inferno is maybe what borders the most this music of the 70's which was a bit difficult to tame but which always found its way to seduce us”
1 Acropoli 9:07
2 Il Tempio della Sibilla 16:03
3 La Grande Cascata 13:09
4 La Grotta delle Sirene 7:46
Lensflare Music (DDL 46:07)
(Cosmic Berlin School)
 **Chronique en français plus bas**
What!? There are still new musicians who revisit the Berlin School style of the former days? Yep! And on this one, I owe this discovery to my friend Piero (Alluste) who put me in touch with Andrea Lensflare Debbi, an Italian musician who counts already 5 albums inspired by Klaus Schulze and by Tangerine Dream with a suspicion of Baffo Banfi. Nothing less! Possible make something new out of something old? Even if the link of influence is easy to recognize, the music of Lensflare, to say the least on “La Valle dell'Inferno”, is a mixture of two eras with their very different aromas .
"Acropoli" begins with breezes which undulate while whistling. Effects of reverberating drones and more shaded breezes invite each other in this very ambiospherical opening where tinkle some shyly arpeggios which have this shape of suspended carillons and which are watchers of winds. This kind of introduction full of electronic nebulosity decorates the 4 titles of this album. And here, it's the prelude to spasmodic sequences which skip with a profound harmonious intensity under the multiple caresses of these winds sculpted in the secrets of synthesizers. The effects are intense and keep the rhythmic embryo in a trajectory smothered by these effects and which make of "Acropoli" a monument of a bit dramatic ambiences where roams a specter of rhythm which aims to be more insistent at the end of its course. "Il Tempio della Sibilla" follows with an abyssal introduction. The envelope of an organ adds a chthonian dimension to this dark opening nevertheless flooded by the heat of synth solos as well psychedelic than acrobatic. A bass pulsation extricates itself after the 4 minutes from this sound magma. And these distraught kicks structure a rhythm without a real direction and which moderates its enthusiasm under an avalanche of anesthetic layers and of others of which the soft savors of the 70's empty their fragrances in a vintage and a contemporary confrontation. The rhythm inhales of its convulsions sometimes grouped and sometimes solitary in this ambient tumult with a creative synth at the level of its layers of sibylline mists very TD of the Phaedra years, of its harmonious but always acrobatic shapeless soloes and of its effects which free a fauna a bit psychedelic. Let's say that it isn't with "Il Tempio della Sibilla" that we get into the music of the Italian synthesist. "Grande Cascata" will help for sure!
After an introduction decorated of chloroformed layers, of chthonian voices effects, of electronic effects and of multiple hummings, a series of chords try to introduce something. These chords are taken back by an organ, whereas the rhythmic landscape gets out quietly of its hibernation. The duel between these abscond vibes and a rhythm knotted by jolts persists until the explosion of a nervous line of sequences. These sequences dance with organic shadows before running away with a fluidity which equals the good movements of the Dream in the Encore years. Very good with one finale which tries to return to its origins. Well balanced over its 8 minutes, "La Grotta delle Sirene" is the most beautiful title of “La Valle dell'Inferno”. The intro collapses under wonderful chants of the Mellotron. Effects but also the harmonies from the Mellotron and the synth which remind to us the best sound of Tangerine Dream in the 70's. Floating and dreamy, the introduction remains nevertheless more musical here than on the first 3 titles of the album. And when the rhythm emerges, it's by ample oscillations which espouse the moods drawn from this splendid very Froese synth. A little jewel my friends which glitters of this music of the 70's where it was necessary to tame the ambiences before savoring a music, in spite of its distances with what was made at that time, which always ended by surprising before seducing.
Sylvain Lupari (February 25th, 2018) ***¾**
You will find this album on Lensflare's Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Quoi!? Il existe encore de nouveaux musiciens qui revisitent le Berlin School d'antan? Eh oui. Et celui-ci, je dois cette découverte à mon ami Piero (Alluste) qui m'a mis en contact avec Andrea Lensflare Debbi, un musicien Italien qui compte déjà 5 albums inspirés de Klaus Schulze et de Tangerine Dream avec un soupçon de Baffo Banfi. Rien de moins! Faire du neuf avec du vieux? Même si le lien d'influence est facile à reconnaître, la musique de Lensflare, à tout le moins sur “La Valle dell'Inferno”, est un mélange de deux époques avec leurs arômes bien distinctes.
"Acropoli" débute avec des brises qui ondoient en sifflant. Des effets de drone réverbérant et des brises plus ombragées s'invitent dans cette ouverture très ambiosphérique où tintent timidement des arpèges sous forme de carillons suspendues et surveillants des vents. Ce genre d'introduction de nébulosité électronique meuble les 4 titres de cet album. Et ici, elle est le prélude à des séquences spasmodiques qui sautillent avec une vive intensité harmonique sous les multiples caresses de ces vents sculptés dans les secrets des synthétiseurs. Les effets sont intenses et conserve l'embryon rythmique dans une trajectoire étouffée par ces effets qui font de "Acropoli" un monument d’ambiances un tantinet dramatiques où rôde un spectre de rythme qui se veut plus insistant à la fin de son parcours. "Il Tempio della Sibilla" suit avec une introduction abyssale. L'enveloppe d'un orgue ajoute une dimension chtonienne à cette ouverture sombre pourtant noyée par la chaleur de solos de synthés autant psychédéliques qu'acrobatiques. Une basse pulsation s'extirpe après les 4 minutes de ce magma sonore. Et ses ruades affolées structurent un rythme sans réelle direction et qui tempère ses ardeurs sous une avalanche de nappes anesthésiantes et d'autres dont les doux parfums des années 70 vident leurs arômes dans une confrontation vintage et contemporain. Le rythme respire de ses convulsions tantôt groupées et tantôt solitaires dans ce tumulte ambiant avec un synthé créatif au niveau de ses nappes de brumes sibyllines très TD des années Phaedra, ses solos sans formes harmoniques mais toujours acrobatiques et ses effets qui libèrent une faune un brin psychédélique. Disons que ce n'est pas avec "Il Tempio della Sibilla" que l'on s'initie à la musique du synthésiste Italien. "La Grande Cascata" peut aider par contre!
Après une introduction ornée de nappes chloroformées, d'effets de voix chtoniennes, d'effets électroniques et de multiple bourdonnements, une série d'accords tentent d'initier quelque chose. Ces notes sont reprises par un orgue, alors que le paysage rythmique sort tranquillement de son hibernation. Le duel entre ambiances absconde et un rythme noué de soubresaut persiste jusqu'à l'éclatement d'une ligne de séquences nerveuses. Ces séquences dansent avec des ombres organiques avant de fuir avec une fluidité qui égale les bons mouvements du Dream dans les années Encore. Très bon avec une finale qui cherche à rentrer au bercail. Bien balancé sur ses 8 minutes, "La Grotta delle Sirene" est le plus beau titre de “La Valle dell'Inferno”. L'intro croule sous de superbes chants de Mellotron. Des effets mais aussi des harmonies de Mellotron et de synthé nous rappelle le meilleur son de Tangerine Dream dans les années 70. Flottante et rêveuse, l'introduction reste néanmoins plus musicale ici que sur les 3 premiers titres de l'album. Et lorsque le rythme émerge, il le fait par des amples oscillations qui épousent les ambiances dessinées par ce superbe synthé très Froese. Un petit bijou mes amis qui resplendit cette musique des années 70 où il fallait apprivoiser les ambiances avant de savourer une musique, malgré ses distances avec ce qui se faisait à l'époque, finissait toujours par étonner avant de séduire.
Sylvain Lupari 24/02/2018 

jeudi 22 février 2018

MUTAGENESE: Errance Planetaire (2018)

“Errance Planetaire is a stunning album which deserves to be discover by those who have enjoyed at madness the best years of Space Rock”
1 Eclat Stellaire 4:58
2 Useful Happiness 6:00
3 En attendant 6:42
4 Exoplanete 1 6:10
5 The Sputnik 1 Effect 5:10
6 Godspeed John Glenn 5:56
7 L'exode 3:49
8 The Blue Marble 7:06
9 Our Legacy 4:32
10 Flying Turtles 2:34

Mutagenese Music (DDL 52:58)
(Space Rock)
   **Chronique en français plus bas**
While I speak to you constantly about EM produced in Europe or in the States, I forget that some very good projects are blooming so near me. After the superb Ordo ab Chao from Samarkande, a new musical project bursts out in Montreal under the name of Mantagénèse. Appeared at the very beginning of last autumn, “Errance Planetaire” is a nice album built on analog tones which makes us travel among the big essences of Space Rock, of ambient music and of good old Berlin School. And in spite of these essences many times revisited, the Montreal group proposes a first album where its 10 titles are soaked with a freshness both at the level of the creativity as with the sound aestheticism.
It's with an ambient approach that begins this album. "Eclat Stellaire" reveals wide fields of mist filled of tones and of sonic oddities which float with fascinating harmonious fragments in an electronic landscape populated of neutrality. "Useful Happiness" extracts some foggy ideas from "
Eclat Stellaire" to paint its introduction of mysticism. Some threads escape from there and weave a slight movement of staccato. The duel of the tones is very ear-catchy, here as everywhere in “Errance Planetaire”. Percussions put themselves in mode beating, introducing a rhythm of the analog years which goes and comes between a foggy symphony. The 2nd part takes advantage of its additional elements percussive and of the more crystalline echoes of the sequences to attract us better in the universe of a very good album without temporal dimension. "En attendant" thwarts this perception with a charmingly lively structure of rhythm which makes very Jarre, otherwise an EM of the French school. I warn you, the melody is the type of ear-worm's one. "Exoplanet 1" is at the opposite with this secluded guitar which adorns its introduction. This ambient and melodious opening is assailed by a sequence of percussions which drum on a long interval only interrupted by the finale. Cabalistic tears of synth roam with a fascinating complicity with the guitar, whereas wide banks of mist lay down fathomless melodies and that some strange murmurs amplify this very sibylline approach of "Exoplanet 1". So strange and so good! Cracklings and voices lost in limbo open the groggy walking of "The Sputnik 1 Effect". The effects are in accordance with the title while the music proposes two synth lines among which the circles which are melting in each of them form the base of a ghost rhythm. It's the percussions which raise a rhythmic pattern hopping in a kind of motorik beat, whereas the chirpings of the synths take care of creating a very efficient melodious line, eater of eardrums, which is equivalent to those EM hits in the 70's. Simple but really effective. One dances and whistles on the airs of this title. And then we are heading in a more ambiospherical, more progressive, even complex phase of “Errance Planetaire”.
Funereal and melancholic floating lines, as well as voices of the NASA, feed the introduction of "Godspeed John Glenn". These lines move like circular waves, teaming up in a fascinating symbiosis with others in tones of an electronic elephant like in the opening of Jean-Michel Jarre's Ethnicolor. A beating in the background gets out of the shadow and shapes a more fluid approach which melt in the increasing of the dialogues and in another line of oscillatory rhythm which communicates with an extraterrestrial organic structure. "Godspeed John Glenn" ends in a passage surprisingly realistic of this vision described by those who saw the void and the light before returning among us. The short "L'exode" proposes a rhythm which hops like in a race against time where orchestral layers and others more restrained are weaving a sound panorama near the terrors of Suspiria. The vibes here are great. "The Blue Marble" is a title of ambiences with pure celestial orchestrations which float and waltz until they meet a 2nd part which exploits percussive effects tinkling and resounding in these orchestrations as slow and seraphic as in the opening. What will be our legacy to the future generations? That's the question of "Our Legacy" which arouses the reflections narrated on the splendid shape of a rhythm which sounds so much like in the analog years. This is a little wonder which reminds me of the Space Art years! And "Flying Turtles" is not outdone with its cosmic rhythm structured on the movement of carillon from a sequencer loaded of reveries. The synth layers are waltzing with this pace of a gracious ballerina whose slow movements are followed by a hallucinogenic powder. Another small gem!
Sometimes in its psychedelic perfumes and sometimes in its cosmic vapors, the music of “Errance Planetaire” roams between as many genres as the 10 proposed titles. There are moments of innocence here which flirt with a creativity as much more grandiloquent than this complicity which unites both poles. And this fact is of an ingenuity quite close to the one of god Chronos.

Sylvain Lupari (February 21st, 2018) *****
You will find this album on Mantagenese's Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Alors que je vous parle constamment de MÉ produite en Europe ou aux States, j'oublie que de très beaux projets se réalisent dans ma cour. Après le superbe Ordo ab Chao de Samarkande, un nouveau projet musical fait irruption à Montréal sous le nom de Mantagénèse. Paru au tout début de l'automne 2017, “Errance Planetaire” est un bel album aux tonalités analogues qui nous fait voyager parmi les grandes essences du Space Rock, de la musique ambiante et du bon vieux Berlin School. Et malgré ces essences maintes fois revisitées, le groupe Montréalais propose un premier album où les 10 titres sont imbibées d'une fraicheur tant au niveau de la créativité que de l'esthétisme sonore.
C'est avec une approche ambiante que débute cet album. "Eclat Stellaire" dévoile de larges champs de brume rempli de tonalités et de bizarretés soniques qui flottent avec de fascinants débris harmoniques dans un paysage électronique peuplé de neutralité. "Useful Happiness" soutire quelques idées brumeuses de "Eclat Stellaire" pour badigeonner son introduction de mysticisme. Des filaments s'échappent afin de tisser un léger mouvement de staccato. Le duel des tonalités est séduisant, ici comme partout dans “Errance Planetaire”. Des percussions se mettent en mode battement, initiant un rythme des années analogues qui va et vient entre une symphonie brumeuse. La 2ième partie profite de ses éléments percussifs additionnels et des échos plus cristallins des séquences afin de mieux nous attirer dans l'univers d'un très bel album sans dimension temporelle. "En attendant" déjoue cette perception avec une structure de rythme délicieusement entraînante qui fait très Jarre, sinon MÉ de l'école française. Je vous avertis, la mélodie est du type ver d'oreille. "Exoplanete 1"est aux antipodes avec cette guitare recluse qui orne son introduction. Cette ouverture ambiante et mélodieuse est assaillie par une séquence de percussions qui tambourinent sur un long intervalle interrompu par la finale. Des larmes de synthé cabalistiques errent avec une fascinante complicité avec la guitare, alors que de large bancs de brume couchent des mélodies insondables et que d'étranges murmures amplifient cette approche très sibylline de "Exoplanete 1". Si étrange et si bon! Des grésillements et des voix perdues dans les limbes ouvrent la marche vaseuse de "The Sputnik 1 Effect". Les effets sont en concordance avec le titre alors que la musique propose deux lignes dont les cercles qui se rejoignent forment la base d'un rythme fantôme. Ce sont les percussions qui dressent une rythmique d'un genre motorik, tandis que des pépiements de synthé s'occupent de créer une mélodie mangeuse de tympans qui est équivalente à ces tubes électroniques dans les années 70. Simple mais drôlement efficace. On sautille et on siffle sur les airs de ce titre. Par la suite, on tombe dans une phase plus ambiosphérique, plus progressive, voire même complexe de “Errance Planetaire”.
Des lignes flottantes funèbres et mélancoliques, de même que des voix de la NASA, nourrissent l'introduction de "Godspeed John Glenn". Ces lignes circulent comme des vagues circulaires, s'alliant dans une fascinante symbiose avec d'autres aux tonalités d'un éléphant électronique comme dans l'ouverture de Ethnicolor de Jean-Michel Jarre. Un battement dans le décor sort des ombres et façonne une approche plus fluide qui fond dans l'amplification des dialogues et une autre ligne de rythme oscillatoire qui communique avec une structure organique extraterrestre. "Godspeed John Glenn" se termine dans un passage étonnement réaliste de cette vision décrite par ceux qui ont vu le vide et la lumière avant de revenir parmi nous. Le court "L'exode" propose un rythme sautillant comme la course du temps où nappes orchestrales et autres plus sobres tissent un panorama sonique près des terreurs de Suspiria. Les ambiances ici sont superbes. "The Blue Marble" est un titre d'ambiances avec des orchestrations célestes qui flottent et valsent jusqu'à rencontrer une 2ième partie qui exploite des effets percussifs tintant et résonnant dans ces orchestrations aussi lentes et séraphiques qu'en ouverture. Quel sera notre héritage aux générations futures? C'est la question qui suscite les réflexions narrées sur le superbe rythme qui sonne tellement comme dans les années analogues de "Our Legacy". Une petite merveille qui me fait penser à du Space Art! Et "Flying Turtles" n'est pas en reste avec son rythme cosmique structuré sur le mouvement du carillon d'un séquenceur chargé de rêveries. Les couches de synthé valsent avec ce rythme d'une ballerine gracieuse dont les mouvements lents sont suivis d'une poudre hallucinogène. Un autre petit bijou!
Tantôt dans ses parfums psychédéliques et tantôt dans ses vapeurs cosmiques, la musique de “Errance Planetaire” erre entre autant de genres que les 10 titres proposés. Il y a des moments de candeur qui flirtent ici avec une créativité tellement plus grandiloquente que la complicité qui unie ces deux pôles relève d'une ingéniosité digne de Chronos.

Sylvain Lupari 21/02/2018

mardi 20 février 2018

ROBIN BANKS & STEVE SMITH: Stealing Time (2017)

“This is a huge E-rock music made with the pure essences of this English style which knows so much how to bring constantly the music towards other levels”
1 Space & Time 8:48
2 Lost in 1969 10:11
3 Time Machine 7:18
4 Alternating Timeflow 12:00
5 Transmutation 11:24
6 The Morning After 8:26
7 Rock of Ages 8:59

Groove | GR-235 (CD/DDL 68:07)
(England School E-Rock)
Here is an album of the typically England School EM. “Stealing Time” is the artistic fruit of a meeting between two musicians who were in a bad patch. Robin Banks is a pianist of classical formation who wrote music for TV and commercial jingles for radio besides having played for diverse rock bands, among which one with Steve Smith. Disillusioned by the industry of music and affected by Ménière's Disease, he abandons his musical ambitions. Steve Smith is a character relatively known in the milieu. He is half of Volt duet and a member of the famous trio Tylas Cyndrome. Suffering from a deep depression, he considers that working on a new project could help him with his depression. He succeeds to make his old friend change his mind who accepts to visit him in his studio. In spite of their divergent points of view on music and in the way of writing it, Robin Banks and Steve Smith sign a little jewel where the differences turned into perfect symbioses.
A ballet of shooting stars and percussive effects introduce the awakening of “Stealing Time”. A piano lays down a short evasive melody throughout a veil of sound effects and two minutes later, "Space & Time" takes the guides of a good electronic rock. The structure of rhythm is weaved in a formula which changes visage between its lively approach, where the strummed melody becomes as lively as this stream of sequences of which the keys tumble swiftly in mode Poland, and a less livened up vision, where the effects dance with the percussions and the riffs nevertheless starved for the next phase. And then the rhythm starts again! The melody of the piano is taken back by a creative synth and its superb solos which coo within layers of mumbling voices. With its structure of want- don't want, "Space & Time" opens the way to a wonderful album built around some very beautiful melodic phases and where the rhythms are born and dying in some harmonious pearls or still in very good ambiospherical passages. The musical adventure of “Stealing Time” develops with rippling layers which decorate the atmospheric setting of "Lost in 1969", a title of lost ambient elements that the duet found again in the corridors of time. We hear dialogues felted by an effect of interstellar distance here while that 70 seconds farther, a first pulsating movement opens an ambient rhythm. Each pulsation amplifies the presence of the intergalactic noises. The synths throw waves of charms and harmonious solos which sing among the murmured hummings of an astral choir. These quiet chants live in harmony with a rhythmic progression which increases serenely its intensity to eventually implodes after the point of 7:30 minutes. Heavy, slow and decorated by pretty good layers of old organ, this tempo always bears the acrobatic chants of the synths which sound like two philosophers dreaming about ancient times where we could possibly modify the course of events. Intergalactic dusts welcome a distant voice which explains how to build a time machine. And after the tick-tock of uses, "Time Machine" proposes a rhythm which skips slowly. This mid-tempo ornamented by a flotilla of motionless sequences is revamped by a good circular line of bass. The percussions are sober and follow a pace divided quite often by phases of ambiences but especially of harmonies which catch immediately our attention. Reflections of sequences dance with the bass line whereas the synth espouses the rotatory motion of the bass. The phases of harmonies are devastating to every music lover. They circulate by a beautiful piano and its astral notes as well as a guitar with very David Gilmour solos. Besides the effects of voices, of narration smothered by a long distance and of universal tick-tock, violins lines hatch the movement with effects staccato. This is a great track which has landed in my iPod, section better titles of 2017!
We fall in the phase of big electronic hard rock of “Stealing Time” and its furious rhythms which are interrupted by ethereal passages where the melodies live on their charms to make the strings of our soul vibrate. "Alternating Timeflow" develops with an ambiospherical vision. The sequences, perfumed slightly of Richard Pinhas' attractions in his period East/West, swirl in the background, in a rippling mist where mutter guitar riffs. Riffs and solos cry in an electronic setting which gets enriched by its thicker mists, by lunar chords and by orchestrations. The pot bubbles with these elements while a tear of cello captures the intensity by inviting a piano to play a short melody. A good phase of English electronic rock clubbed by good percussions follows and the layers of voices are powerless in front of the domination of the guitar solos which turn into some delicious synth solos. The piano phase comes back to charm our senses. The rhythm comes back either to shake them! This structure of want-don't want also shapes the polyphased approach of "Transmutation" which invites an organ to oversize this musical depth already very rich of “Stealing Time” which breathes of its permutations surprisingly and splendidly coherent. Slower, "The Morning After" lays down some good melodious lines with an exchange between a superbly romantic piano and a synth which likes bringing some modifications to the tenderness of the piano. It's like a duel between Richard Clayderman and Paul Nagle. "Rock of Ages" is a big rock, with less crazy moments, where the synths exclaim in the fury of the percussions which are hit with drive. Riffs of guitar roars endlessly and follow the keen kicks of this big heavy and lively electronic rock. The piano always remains dominated by this electronic envelope and in front of these synths which have this possibility of bringing the melodious lines in luxuriant gardens of colorful tones. It's possibly the most homogeneous structure of an album which flirts constantly with the universes of Pink Floyd, Pyramaxx, Andy Pickford and Wavestar. “Stealing Time”!? It's English electronic rock at its best!

Sylvain Lupari (February 20th, 2018) ****½*
You will find this album at Groove nl.

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Voici un album de MÉ typiquement Anglais. “Stealing Time” est le fruit artistique d'une rencontre entre deux musiciens qui étaient dans une mauvaise passe. Robin Banks est un pianiste de formation classique qui a composé de la musique pour la télé et des jingles commerciaux pour la radio en plus d'avoir joué pour divers groupes, dont un avec Steve Smith. Désillusionné par l'industrie de la musique et atteint de la maladie de Menière, il abandonne ses ambitions musicales. Steve Smith est une figure relativement connue dans le milieu. C'est la moitié du duo Volt et un membre du célèbre trio Tylas Cyndrome. Souffrant d'une profonde dépression, il estime que de travailler sur un nouveau projet pourrait l'aider à s'en sortir. Il réussit à faire changer d'idée ce vieil ami qui accepte son invitation à visiter son studio. En dépit de leurs points de vue divergents sur la façon de composer la musique, Robin Banks et Steve Smith signent un petit bijou où les différences se transforment en parfaites symbioses.
Un ballet d'étoiles filantes et des effets percussifs initient l'éveil de "
Stealing Time". Un piano étale une courte mélodie évasive au travers un voile d'effets sonores et deux minutes plus tard, "Space & Time" prend les guides d'un bon rock électronique. La structure de rythme est tissée dans une formule qui change de visage entre son approche vive, où la mélodie pianotée devient aussi vivante que ce chapelet de séquences dont les ions déboulent vivement en mode Poland, et une vision moins animée, où les effets dansent avec les percussions et des riffs pourtant affamés pour la suite des choses. Et le rythme reprend! La mélodie du piano est reprise par un synthé créatif et ses superbes solos qui roucoulent avec des nappes de voix. Avec sa structure de veut-veut pas, "Space & Time" ouvre la voie à un splendide album construit autour de très belles phases mélodiques où des rythmes naissent et meurent dans des perles harmonieuses ou encore dans de très beaux passages ambiosphériques. L'aventure musicale de “Stealing Time” se développe avec des nappes ondoyantes qui ornent le décor atmosphérique de "Lost in 1969", un titre d'ambiances perdues que le duo a retrouvé dans les corridors du temps. On y entend des dialogues feutrés par un effet de distance interstellaire alors que 70 secondes plus loin, un premier mouvement pulsatoire ouvre un rythme ambiant. Chaque pulsation amplifie la présence des bruits intergalactiques. Les synthés lancent des ondes de charmes avec des solos harmonieux qui chantent parmi les fredonnements murmurés par une séduisante chorale astrale. Ces chants tranquilles vivent en harmonie avec une progression rythmique qui accroit sereinement son intensité pour finir par imploser après les 7:30 minutes. Lourd, lent et agrémenté par des belles nappes de vieil orgue, ce tempo supporte toujours les chants des synthés qui sonnent comme deux philosophes rêvant des temps anciens où l'on pourrait éventuellement modifier le cours des choses. Des poussières intergalactiques accueillent une voix lointaine qui explique comment construire une machine à voyager dans le temps. Et après les tic-tac d'usage, "Time Machine" propose un rythme qui sautille lentement. Ce mid-tempo orné d'une flottille de séquences stationnaires est revampé par une bonne ligne de basse circulaire. Les percussions sont sobres et suivent une cadence mainte fois divisée par des phases d'ambiances mais surtout d'harmonies qui accrochent immédiatement notre attention. Des reflets de séquences dansent avec la ligne de basse alors que le synthé épouse la marche rotatoire de la basse. Les phases d'harmonies sont dévastatrices pour tout amateur de musique. Elles circulent par un beau piano et ses notes astrales ainsi qu'une guitare aux solos très David Gilmour. En plus des effets de voix, des voix narratrices étouffées par une longue distance et des tic-tac universels, des violons hachurent le mouvement par des effets de staccato. Un très bon titre qui a atterri dans mon iPod, section meilleurs titres de 2017!
On tombe dans la phase de gros hard-rock électronique de “Stealing Time” et de ses rythmes endiablés qui sont entrecoupées de passage éthérée où les mélodies vivent de leurs charmes à faire vibrer les cordes de notre âme. "Alternating Timeflow" se développe avec une vision ambiosphérique. Des séquences, parfumées légèrement des attraits de Richard Pinhas dans sa période East/West, tournoient en arrière-plan dans une brume ondoyante où grondent des riffs de guitare. Des riffs et des solos pleurent dans un décor électronique qui s'enrichi de ses brumes plus denses, d'accords lunaires et d'orchestrations. La marmite bouillonne de ces éléments alors qu'une larme de violoncelle capture l'intensité en invitant un piano jouer une courte mélodie. S'ensuit une bonne phase de rock électronique Anglais matraquée par de bonnes percussions et où les nappes de voix sont impuissantes face à la domination des solos de guitare qui se transforme en délicieux solo de synthé. La phase de piano revient charmer nos sens. Le rythme revient aussi les secouer! Cette structure de veut-veut pas forme aussi l'approche polyphasée de "Transmutation" qui invite un orgue a surdimensionné cette profondeur musicale déjà très riche de “Stealing Time” qui respire de ses permutations étonnement et splendidement cohérentes. Plus lent, "The Morning After" étale de belles lignes mélodieuses avec un échange entre un piano superbement romantique et un synthé qui aime apporter quelques modifications à la tendresse du piano. C'est comme un duel entre Richard Clayderman et Paul Nagle. "Rock of Ages" est un gros rock, avec des moments moins fous, où les synthés s'exclament dans la furie des percussions qui sont tapochées avec entrain. Des riffs de guitare hurlent sans fin et suivent les vives ruades de ce gros rock électronique lourd et entraînant. Le piano reste toujours dominé par cette enveloppe électronique et face à ces synthés qui ont cette possibilité d'amener les lignes mélodieuses dans un luxuriant jardins de tonalités bigarrées. Il s'agit de la structure la plus homogène d'un album qui flirte continuellement avec les univers de Pink Floyd, de Pyramaxx, d'Andy Pickford et de Wavestar. “Stealing Time”!? C'est le rock électronique Anglais à son meilleur!
Sylvain Lupari 20/02/2018
Lost in 1969

lundi 19 février 2018

SVERRE KNUT JOHANSEN: Distant Shore (94-14)

“This is a surprising album where the talent of Sverre Knut Johansen at the level of composition shows similarities with the great Mike Oldfield”
1 Distant Shore 9:54
2 Nippon Dawn 4:36
3 Ascension 9:28
4 Hovering in Thin Air 5:52
5 Fragments 8:46
6 Eruption 6:25
7 The Seed 6:04
8 Transition Suite 17:39
9 Distant Shore II (2014) 6:47

Sverre Knut Johansen Music (CD/DDL 75:51)
(Orchestral, cinematographic and E-Rock)
I like to review these albums which were released in the 90's. In the finest hour of an electronic rock MIDItized, of the over sampling and of the New Age which had won the first round over this EM of the Berlin School style. It's at this time that was conceived Sverre Knut Johansen's very first album! Realized and distributed by the Norwegian label Origo Sound, “Distant Shore” respected literally the new perspectives of EM with rock and pop structures sprinkled of sonic honey. Nice arrangements, nice melodies. Cinematographic visions, saxophone, guitar and beat boxes! We have all these elements here which invent a music without soul or a music as rich and stunning as the immense creative possibilities of Sverre Knut Johansen. Let's go for option 2!
And we find these ingredients in the title-track which allies good orchestral arrangements, by the presences of violins, cellos and pianos, into some phases more rock, amiability of Børge Pettersen Øverleir on guitars, and other more disturbing phases with a surprising layer of old organ as much intense as unexpected. Here, as in most of the titles which compose this album, the opening is built on luxuriant soundscapes which glitter of the meaning, otherwise of the sound visions of the Norwegian musician. The music thus flirts with these elements, structuring an evolutionary rhythm which caresses some romantic passages, and others more poignant with guitar solos raging of tears and vibratory notes from an overexcited piano. And we have to get used to these structures which move immensely in short lapses of time. They are legion on “Distant Shore”. Now, imagine the evolutionary structure of "Distant Shore" with perfumes of East and imagine Kitaro doing Pop and you have "Japanese Dawn". Built around good arrangements and a very alive and melodious panpipe, played by Roar Engelberg, the music lulls between a rock, the percussions are not unconnected to the rock appetites of the album, and an approach of Japanese romance linked by good arrangements and by some fluty harmonies which give the shiver. "Ascension Day" is a more interesting title with a music which is more in the kind of Yanni, Keys to Imagination and Out of silence era. And like the percussions, the guitar also injects a more rock dose into this music as well as all over the album by the way. Far from being usual, "Hovering in Thin Air" is a title without rhythmic life but endowed of an incredible liveliness. The saxophone of Torus Brunborg multiplies its harmonious lamentations, which melt sometimes into the layers of voices and/or synth, on a nervous texture sculpted by motionless riffs. The play of Brunborg is simply striking.
We also find his perfumes in "Fragments", where he doesn't appear in the musicians' list, another title constructed on the bases of classical music which gets transformed into a contemporary electronic ballet. The dance of swans is simply masterful. And there is a passage in this title which is filled with effects of percussions so simply overturning for that era. "Eruption" is a big nervous and noisy electronic rock which leans strongly on the orientations of Tangerine Dream from the 90's, when Linda Spa and Zlatko Perica were aboard in the Seattle years. We can say the same thing about "The Seed" and its effects of saxophone on a soft structure is more in a style of electronic ballad of another kind. It's really in the spirit of the 90's when the EM of the 70's looked for its origins through many styles. "Transition Suite" is a track in constant movement with a very cinematographic vision in a dreamy introduction which is sculpted in meditative orchestrations. These orchestral areas are going adrift with a quiet swiftness in the tone, mainly propelled by a Babylon approach from the orchestral drums. One would say a Stomu Yamashta in a music school of Vangelis. It's moreover these big bass drums which drive the music towards a more Dance style of the Disco years with nervous riffs and these layers of violin which filled the airs of secondary harmonies. The music evolves then towards a mood of electronic Flamingo with the agile fingers of Børge Pettersen Øverleir on guitar. The transition goes to a soft but lively electronic rock mode. The guitar is so much seductive and its solos lead "Transition Suite" towards an ambient phase where diverse sound elements shake up its orientation. Little by little, the music finds its balance with an electric six-strings inspired and in fire. Its solos weave sharp allegories which go in transit towards another brief structure of melody which make our soul sigh. The last transitions of "Transition Suite" go by a duel between an electric guitar with rock solos and an acoustic guitar in mode Flamingo. Another section of melody, weaved by a Chinese violin, buds and calms the pain connected to the numerous transformations of this long title which at the end goes out in a distant shore. The album was reedited in 2014 by Sverre Knut Johansen's label; Origin Music. Available as much in CD as in downloadable format, this new version includes a bonus track; "Distant Shore II (2014)" which proposes a more rock vision of the title-track.
I may not like the kind, but I have to admit that this “Distant Shore” has literally seduced me. And at many levels! Nevertheless, my first attempt has given me a rash! New Age, Easy Listening and rose water orchestrations… I have already given when Berlin School EM had totally vanished out of my landscapes in the years 80-90. Except that “Distant Shore” is more than this in the end. Beyond all this are nesting some great arrangements as well as cinematographic visions and ambiences which add constantly treasures, especially at the level of the melodies and the effects which are just in time, on a music which surprises by its multiple evolutions. And if I am surprised in 2018, imagine a little those who discovered this album in 1994!

Sylvain Lupari (February 18th, 2018) *****
You will find this album on Sverre Knut Johansen's Bandcamp
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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J'aime bien chroniquer ces albums qui sont apparus dans les années 90. En pleine heure de gloire du rock électronique MIDItisé, du sur échantillonnage et du New Age qui avait gagné la première manche sur la MÉ de style Berlin School. C'est à cette époque que fut composé le tout premier album de Sverre Knut Johansen! Réalisé et distribué par le label Norvégien Origo Sound, “Distant Shore” respectait à la lettre les nouvelles perspectives de la MÉ avec des structures de rock et de pop saupoudrées de miel sonique. De beaux arrangements, de belles mélodies. Des visions cinématographiques, du saxophone, des guitares et des percussions en boîtes! Nous avons là ces éléments qui soit inventent une musique sans âme ou une musique aussi riche et stupéfiante que les immenses possibilités créatrices de Sverre Knut Johansen. Allons-y pour l'option 2!
Et on retrouve ces ingrédients dans la pièce-titre qui allie de bons arrangements orchestraux par les présences de violons, violoncelles et pianos à des phases plus rock, gracieuseté de Børge Pettersen Øverleir aux guitares, et d'autres phases plus troublantes avec une surprenante nappe de vieil orgue aussi intense qu'inattendue. Ici, comme dans la plupart des titres qui composent cet album, l'ouverture est construite sur de luxuriantes images cinématographiques qui resplendissent la signification, sinon l'étendue, des visions soniques du musicien Norvégien. La musique flirte donc avec ces éléments, structurant un rythme évolutif qui caresse des passages romanesques, et d'autres plus poignants avec des solos de guitare rageant de larmes et des notes vibratoires d'un piano survolté. Et il faut s'habituer à ces structures qui bougent énormément dans de courts laps de temps. Elles sont légion sur “Distant Shore”. Maintenant, imaginer la structure évolutive de "Distant Shore" dans des parfums d'Orient et imaginer Kitaro faire dans du pop et vous avez "Nippon Dawn". Construit autour de bons arrangements et une flûte de Pan très vivante et mélodieuse, jouée par Roar Engelberg, le titre tangue entre un rock, les percussions ne sont pas étrangères aux appétits rock de l'album, et une approche de romance nippone liée à de bons arrangements et des harmonies flûtées qui donnent le frisson. "Ascension" est un titre plus intéressant avec une musique qui est plus dans le genre Yanni, Keys To Imagination et Out of Silence. La guitare injecte aussi une dose plus rock à cette musique de même qu'à l'environnement de “Distant Shore”. Loin d'être banale, "Hovering in Thin Air" est un titre sans vie rythmique mais dotée d'une incroyable vivacité. Le saxophone de Tore Brunborg multiplie ses lamentations harmoniques, qui se fondent par moments dans des nappes de voix et/ou de synthé, sur une texture nerveuse sculptée par des riffs stationnaires. Le jeu de Brunborg est tout simplement saisissant.
On retrouve ses parfums dans "Fragments", où il n'apparaît tout simplement pas dans la liste de musiciens, un autre titre construit sur des bases de musique classique qui se transforme en un ballet électronique contemporain. La danse des cygnes est tout simplement magistrale. Et il y a un passage dans ce titre qui est rempli d'effets de percussions tout simplement renversant pour l'époque. "Eruption" est un gros rock électronique nerveux et bruyant qui s'appuie fortement sur les orientations du Dream dans les années 90, lorsque Linda Spa et Zlatko Perica étaient à bord des années Seattle. On peut dire la même chose de "The Seed" et ses effets de saxophone sur une structure douce est plus dans le style ballade électronique non conventionnelle. C'est vraiment dans l'esprit des années 90 où la MÉ des années 70 recherchait ses origines à travers moult styles. "Transition Suite" est un titre en constant mouvement avec une vision très cinématographique dans une introduction rêveuse qui est sculptée dans des orchestrations méditatives. Ces étendues orchestrales dérivent avec une tranquille vélocité dans le ton, principalement propulsée par une approche babylonnesque des grosses caisses. On dirait du Stomu Yamashta dans une école de musique de Vangelis. Ce sont d'ailleurs ces grosses caisses qui conduisent la musique vers un style plus Dance des années Disco avec des riffs nerveux et ces nappes de violon qui remplissaient les airs d'harmonies secondaires. La musique évolue ensuite vers une ambiance de Flamingo électronique avec les doigts agiles de Børge Pettersen Øverleir à la guitare. La transition passe en mode rock électronique mou mais entraînant. La guitare est très attirante et ses solos conduisent "Transition Suite" vers une phase ambiante où divers éléments sonores bousculent son orientation. Peu à peu, la musique retrouve son équilibre avec une six-cordes électrique inspirée et enflammée. Ses solos tissent des allégories acuités qui transitent vers une autre brève structure de mélodie à faire soupirer l'âme. Les dernières transitions de "Transition Suite" passent par un duel entre une guitare électrique aux solos rock et une guitare acoustique en mode Flamingo. Une autre portion de mélodie tissée par un violon chinois bourgeonne et apaise la douleur liée aux nombreuse métamorphoses de ce long titre qui à la fin s'éteint dans une rive lointaine. L'album fut réédité en 2014 par le label de Sverre Knut Johansen; Origin Music. Disponible autant en CD qu'en format téléchargeable, cette nouvelle version comprend un titre additionnel; "Distant Shore II (2014)" qui propose une vision plus rock de la pièce-titre.
J'ai beau ne pas aimer le genre, mais je dois admettre que ce “Distant Shore” m'a littéralement séduit. Et à bien des niveaux! Pourtant, ma première tentative m'a donné des boutons! Du New Age, du Easy Listening et des orchestrations à l'eau-de-rose…J'ai déjà donné lorsque la MÉ de style Berlin School s'est effacée de mes paysages dans les années 80-90. Sauf que “Distant Shore” est plus que cela au final. Au-delà de tout cela nichent des arrangements ainsi que des visions cinématographiques et d'ambiances qui ajoutent constamment des trésors, surtout au niveau des mélodies et des effets qui sont juste à point, sur une musique qui surprend par ses multiples évolutions. Et si je suis étonné en 2018. Imaginez un peu ceux qui ont découvert cet album en 1994!

Sylvain Lupari 18/02/2018

samedi 17 février 2018

ALBA ECSTASY: Bedtime Stories (2018)

It's not with Bedtime Stories that Alba Ecstasy stumbles. Even with his massive musical productions, he is still good and enthralling while exploring other sources of beats and ambiences
1 Tension 10:43
2 Emperor's Decadance 6:14
3 Fluid Air 12:29
4 Ammonium 8:19
5 Traum Gate 7:29
6 Dream Incubation 6:40

Alba Ecstasy Music (DDL 51:07)
(Roumanian School)
Seriously! “Bedtime Stories”? Certainly that the introduction of "Tension" can help to fall asleep. The orchestral layers float like elements waltzing in the oblivion. Soft, but hum…!"Tension" wakes up with an ambient but noisy rhythm. Vibratory pulsations of bass sequences give good knocks which stimulate a hive of sequences. A little bit shy at the beginning, the sound bees attack more and more the pulsatory rhythm which on the other hand deploys an attractive armada of percussive effects. One doesn't know any more where to give of the ear so much there are elements which are also effective in a pair of earphones as outdoors out of our loudspeakers. The effects of rattling percussions abound in a vertical structure of rhythm which seems to be the skeletal structure here and which is of use as assizes to the vibrational rhythms from this last opus from Alba Ecstasy. A very strong title which flirts a little with good contemporary Klaus Schulze and which is already in my iPod. As well as on the playlist of my Cambridge CXN! And we don't find either this sleep with the even more fed and noisy rhythm of "Emperor's Decadance" which goes in a spirit of Techno for Zombies marinated in THC. The flow of the pulsations is more thriving with sequences which swirl such as sparklings of firebrand, which seem alive to us, and in the shadow of good synth solos. “Bedtime Stories” is the first album of the very prolific Romanian musician in 2018. And this year, I am going to try to review all of them. Him who produced 17 in 2017. A challenge which looks pleasant with this album which is very far from being a musical bedside book to accompany us towards the arms of Morpheus. Quite the opposite! We have to think of the title as in the vastness of its antithesis. The pulsatory vibrations are also very popular here.
And they feed the calm rhythm of "Fluid Air" which takes advantage of this rhythmic bed to dilute its other sequences, its effects and its chords in a clashing but not too chaotic mosaic. The background painting ends by draw in the reserves of "Tension" to offer a second part a little bit coherent and more attractive for the sense of hearing. "Ammonium" is the 1st rest area, the 2nd being "Dream Incubation", of “Bedtime Stories”. The music derives quietly in the borders of cosmos, like a ghost crew in a ghost shuttle. The vibratory approach is always appropriate with these hummings of the shuttle's reactors and thus almost puts to sleep this very nice orchestral drift. A good moment of serenity which goes up right to the door of "Traum Gate", an energetic track of which the fat and juicy sequences of its opening are dancing like fireflies in a night agitated of its shooting stars. The rhythm wins in intensity, reaching its pulsatory movements which anchor the rhythms of this album, while keeping this melodic space to make us hear here an Elvish voice which competes quite well with the numerous solos and laments of the synth. The imprint of Indra is strongly present on this evolving title where it's quite possible to fall asleep so much the feminine voice is restful and pleasant to hear. "Dream Incubation" drinks moreover of this serenity to offer a music very near the depths of Pink Floyd's Wish You Were Here. Even the sound effects are told in another dialogue while the synth is cooing with a tone which blows perfumes of David Wright and Vangelis.
Divided well between its elements of rhythms, slightly too similar on the other hand, and nice phases of ambiences, which too aren't revolutionize the genre but which are always pleasant to listen to, “Bedtime Stories” isn't yet this album where Alba Ecstasy will stumble because of his so huge artistic fertility. Each track here abounds of good moments and none of them are too long to reach a saturation point while the listening. I won't say that it's brilliant but it's rather good. And it's always available on download on Alba Ecstasy's Bandcamp page. Thus, no inner notes and no artworks either!
Sylvain Lupari (February 16th, 2018) ***¾**
You will find this album on Alba Ecstasy's Bandcamp 

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Sérieusement! “Bedtime Stories”? Certes que l'introduction de "Tension" peut aider à trouver le sommeil. Les nappes orchestrales flottent comme des éléments valsant dans le néant. Doux, mais attention! "Tension" s'éveille avec un rythme ambiant mais bruyant. Des pulsations vibratoires de basses séquences donnent des coups qui stimulent une ruche de séquences. Un peu timides au début, les abeilles soniques attaquent de plus en plus le rythme pulsatoire qui en revanche déploie un séduisant armada d'effets percussifs. On ne sait plus où donner de l'oreille tant il y a des éléments qui sont aussi efficaces dans une paire d'écouteurs qu'à l'air libre de nos haut-parleurs. Les effets de percussions crotales abondent dans une structure de rythme verticale qui semble avoir la cote et qui sert d'assises aux rythmes vibrationnels de ce dernier opus d'Alba Ecstasy. Un très solide titre qui flirte un peu avec du bon Klaus Schulze contemporain. Je l'ai mis dans mon iPod! Et on ne trouve pas non plus ce sommeil avec le rythme encore plus nourri et bruyant de "Emperor's Decadance" qui fait dans l'esprit d'un Techno pour Zombies marinés au THC. Le débit des pulsations est plus vivant avec des séquences qui tournoient comme des tisons qui nous semble vivants et dans l'ombre de beaux solos de synthé. “Bedtime Stories” est le premier album du très prolifique musicien Roumain en 2018. Et cette année, je vais tenter de les chroniquer tous. Lui qui en a produit 17 en 2017. Un défi qui s'annonce agréable avec cet album qui est très loin d'être un livre de chevet musical pour nous accompagner dans les bras de Morphée. Bien au contraire! Il faut prendre le titre “Bedtime Stories” dans l'immensité de son contresens. Les vibrations pulsatoires ont aussi la cote ici.
Et elles nourrissent le rythme placide de "Fluid Air" qui profite de ce lit rythmique pour diluer ses autres séquences, ses effets et ses accords dans une mosaïque discordante mais pas trop chaotique. La toile de fond fini par puiser dans les réserves de "Tension" afin d'offrir une seconde partie un peu cohérente et plus attrayante pour l'ouïe. "Ammonium" est la 1ière phase de repos, la 2ième étant "Dream Incubation". Le titre offre une musique qui dérive tranquillement dans les confins du cosmos, comme une équipage fantôme. L'approche vibratoire est toujours de mise avec ces bourdonnements des réacteurs des moteurs et endort quasiment cette très belle dérive orchestrale. Un beau moment de sérénité qui se porte jusqu'à la porte de "Traum Gate", un titre vivant et dont les grosses séquences d'ouverture dansent comme des lucioles dans une nuit agitée de ses étoiles filantes. Le rythme gagne en intensité, atteignant les mouvements pulsatoires qui ancrent les rythmes de cet album, tout en se gardant un espace mélodique afin de nous faire entendre une voix Elfique qui concours assez bien avec les nombreux solos et complaintes du synthé. L'empreinte d'Indra est fortement présente sur ce titre à caractère évolutif où il est tout à fait probable de s'y endormir tellement la voix de femme est reposante et agréable à entendre. "Dream Incubation" s'abreuve d’ailleurs de cette sérénité afin d'offrir une musique très près des entrailles de Wish you Were Here de Pink Floyd. Même les effets sonores sont contés dans un autre dialogue alors que le synthé roucoule avec une tonalité qui souffle des parfums de David Wright et de Vangelis.
Bien divisé entre ses éléments de rythmes, un peu trop similaires par contre, et de belles phases d'ambiances, qui ne révolutionnent pas le genre mais qui sont toujours agréable à écouter, “Bedtime Stories” n'est toujours pas cet album où Alba Ecstasy trébuche à cause de sa trop grande fécondité artistique. Chaque titre regorge de bons moments et les titres sont trop courts pour atteindre un point de saturation pour l'écoute. Ce n'est pas génial mais c'est assez bon. Et c’est toujours disponible en format téléchargement sur la page Bandcamp d'Alba Ecstasy.

Sylvain Lupari 16/02/2018 

jeudi 15 février 2018

ACHELOO: Ethereal (2017)

“One has to listen to Ethereal with the ears of the heart, so that it could clean our soul of old tears which always refuse to fall”
1 The Beginning of Chronos 8:12
2 Ethereal 8:22
3 Hemera's Revelation 7:45
4 Distant Resonance 7:05
5 Flash of Desires 13:03
6 Seductive Dreams 4:31
7 Adagio for Muses 5:40

Acheloo Music (DDL 54:40)
(Tribal Ambient Music)
Acheloo! I had already crossed this name to have review one of his albums, Dream, in autumn 2013. I had found the music pretty decent and good for an album of esoteric music strongly soaked by a New Age. In fact, “Ethereal” is a first album since Dream. This is more than 4 years of silence! And it's also a beautiful album which throws me back in the very lyrical moods of Bayou Moon, for its dark and folk side, an album from Tom Newman which was a kind of springboard towards the paths of a more progressive New Age in the 80's.
"The Beginning of Chronos" starts Acheloo's last opus with a fascinating ode of Amerindian spirituality. The rhythm is morphic and delicately pulsing. Layers of gray mist, and others more in mode decor for ambient music, as well as notes from a romantic guitar decorate a first phase which is forged in the dream. Knockings and felted explosions add a bit of intensity, whilst the guitar eventually puts down some nice little solos as melodious as ethereal. Jingles of cymbals, a shadow of bass and an amnesic choir also accompany this spiritual procession which ends with a higher degree of percussions and explosives effects, adding some more intensity to this first title of “Ethereal”. The title-track follows with a Carlo Luzi's clearly more pensive and more melancholic vision. His guitar stretches its chords of an obvious sadness. A nice movement of sequences gets in and spreads its tinkled chords which turn as a carousel lost in the mist. Finally, a bass line adds a touch a little more in the kind of sober Jazz for an evening of tears, driving "Ethereal" towards one finale quite smoothly. And the more we move forward, and the more we open our eyebaths, and the more we discover a beautiful album built around a fragile intensity. "Hemera's Revelation" is another title with a flavor so tribal ambient as in "The Beginning of Chronos" On the other hand, the rhythmic support is more present and more accentuated with good reverberating sequences and good strikes of percussions scattered, but in mode tribal rock. The guitar is very beautiful and throws fragrances of mysticism which would go with delight into Robert Rich's universe. A reference point to situated a little bit better this album.
"Distant Resonance" begins with lapping of a water darkened by the reflections of clouds. Breaths of silent voices take care of the mysterious side of the introduction, whereas the guitar roams with pensive solos. An iridescent wave falls over these ambiences, bringing an electronic life which expresses itself by sibylline layers. These layers are floating like a backwash and finally like a light whirlwind of waves on a rhythm which wins in intensity but which always stays as a dance for two dead lovers. Let's imagine a goddess who dances with winds and with rays from a sun of spring and we have the elements of "Flash of Desires". The movement is slow and the sound décor is very well detailed with effects which dance with elegance between the tears of a more incisive guitar, as well as the nostalgic notes of an evasive piano and a nice flute as so charming as unexpected. A very good title which fills its 13 minutes without effects of length. "Seductive Dreams" is a title without history with an odd, and rather annoying, finale where we have the feeling to listen to an old vinyl LP which jumps constantly. An ambitious prelude to the splendid "Adagio for Muses"! Acheloo offers us here a very beautiful title with a guitar which cries through a superb and a slow circular movement of a melody sculpted in arpeggios which fall and jump up like tears of pearls. This is simply too beautiful and it's a nice music which ends an album which gains to be discovered and devoured with the ears of the heart. Should it be only for this side so sensitive and melancholic which could certainly clean our soul of old tears which always refuse to fall!
Sylvain Lupari (February 15th, 2018) ***¾**

You will find this album on Acheloo's Bandcamp page
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Acheloo! J'avais déjà croisé ce nom pour avoir chroniquer un de ses albums, Dream, à l'automne 2013. J'avais trouvé ça bien et bon pour un album de musique ésotérique fortement imbibé d'une essence New Age. “Ethereal” est un premier album depuis Dream justement. C'est plus de 4 ans de silence! C'est aussi un bel album qui me projette dans les ambiances très lyriques de Bayou Moon, pour le côté sombre et folk, un album de Tom Newman qui fut un tremplin vers un New Age plus progressif dans les années 80.
"The Beginning of Chronos" débute ce dernier opus d'Acheloo avec une fascinante ode de spiritualité amérindienne. Le rythme est morphique et délicatement pulsatif. Des nappes de brume grises, et d'autres plus en mode décoration pour musique ambiante, ainsi que des accords d'une guitare romantique ornent une première phase qui est forgée dans le rêve. Des cognements et des explosions feutrées ajoutent un brin d'intensité, alors que la guitare finie par déposer de beaux petits solos autant mélodieux qu'éthérés. Des cliquetis de cymbales, une ombre de basse et une chorale amnésique accompagnent aussi cette procession spirituelle qui se termine avec une surenchère d'effets percussions et explosifs, ajoutant encore plus d'intensité à ce premier titre de “Ethereal”. La pièce-titre suit avec une vision nettement plus pensive et mélancolique de Carlo Luzi. Sa guitare étire des notes d'une tristesse évidente. Un beau mouvement de séquences s'invite et déploie ses notes carillonnées qui tournent comme un carrousel perdu dans la brume. Finalement, une ligne de basse ajoute une touche un peu plus dans le genre Jazz sobre pour une soirée de larmes, conduisant "Ethereal" vers une finale toute en douceur. Et plus on avance, et plus on ouvre nos œillères, et plus nous découvrons un bel album construit autour d'une fragile intensité. "Hemera's Revelation" est un autre titre à saveur aussi tribal ambient que "The Beginning of Chronos". Par contre, le support rythmique est plus présent et plus accentué avec de bonnes séquences réverbérantes et de bonnes frappes de percussions éparses, mais en mode tribal rock. La guitare est très belle et lance des parfums de mysticisme qui irait à ravir bien avec l'univers de Robert Rich. Un point de référence afin de mieux situer cet album. 
"Distant Resonance" débute avec des clapotis d'une eau assombrie par des reflets de nuages. Des souffles de voix silencieuses s'occupent du côté mystérieux de l'introduction, tandis que la guitare erre avec des solos pensifs. Une onde iridescente tombe sur ces ambiances, amenant une vie électronique qui s'exprime par des nappes sibyllines. Ces nappes flottent comme un ressac et finalement en un léger tourbillon de vagues sur un rythme qui gagne en intensité mais qui reste toujours comme une danse pour deux amants sans vie. Imaginons une déesse danser avec les vents et les rayons d'un soleil printanier et nous avons les éléments de   Le mouvement est lent et le décor sonique très bien détaillé avec des effets qui dansent avec élégance entre les larmes d'une guitare plus incisive, ainsi que les accords nostalgiques d'un piano évasif et une belle flûte aussi charmante qu'inattendue. Un très bon titre qui remplit ses 13 minutes sans effets de longueur. "Seductive Dreams" est un titre sans histoire avec une drôle, et plutôt agaçante, finale où on a l'impression d'écouter un vieux 33 tours qui saute continuellement. Un prélude ambitieux pour le splendide "Adagio for Muses". Acheloo nous offre ici un très beau titre avec une guitare qui pleure à travers un superbe et lent mouvement circulaire d'une mélodie sculptée dans des arpèges qui tombent et bondissent comme des larmes de perles. C'est simplement trop beau et c'est une belle musique qui termine un album qui gagne à être découvert et dévoré avec les oreilles du cœur. Ne serait-ce que pour ce côté si sensible et mélancolique qui pourrait certainement nettoyer notre âme de vieilles larmes qui refusent toujours de tomber!

Sylvain Lupari 15/02/2018