mardi 22 août 2017

SULA BASSANA: Organ Accumulator / Disappear (2017)

“A splendid album with a stunning blend of Berlin School, Koshmik Rock, Space Music and good Krautrock, this album is a must for all those who enjoyed the golden age of EM”
1 Lichtbündel 7:50
2 Morgentau 4:48
3 The Frogs 5:57
4 Organ Accumulator 7:06
5 Grashamster 4:42
6 Nebelschwaden 9:49
7 Disappear 10:36
8 Grong 5:06
9 Smoof 6:00

Sulatron Records | ST1702 (CD/DDL 62:03) *****
(Berlin School, Krautrock and Koshmic Space Rock)
The joys of being a reviewer is to obtain small unexpected jewels. I already spoken to you about Sula Bassana in my review of The Ape Regards His Tail with even the promise that I would write soon to you about Dave Schmidt, the multi-instrumentalist behind Sula Bassana. I was translating my review of The Ape Regards His Tail while listening absently to “Organ Accumulator”. I already knew that I was going to like it! Released in vinyl format on the Deep Distance label in January 2017, “Organ Accumulator” was produced in CD format 2 months later on the Sulatron Records label with a bonus section which included the side A of a vinyl made in collaboration with 3 AM in 2014, Disappear-Waves. And you will notice that as additional material, Sula Bassana couldn't find any better to complete the virgin lines of a CD which is simply exceptional.
An ascent of shrill sounds announces "Lichtbündel". Elytron of metal, an insistent bass and layers of guitars launch the base of this opening where very quick the music hits a bubble of psychedelic effects. It's at this moment that "Lichtbündel" starts revealing the charms of “Organ Accumulator”. The rhythmic is hopping, sat on bass pulsations and on atypical percussions, the ambiences are weaved on the quivering waves of an old organ. Like in the time of Klaus Schulze! Navigating between phases of ambiences with strange flavors of old Babylon and phases of rhythm which skip with more of mordant, "Lichtbündel" pushes my ears in the vintage years but with a contemporaneousness in the tones which sounds like a very reinvented Krautrock. "Morgentau" is simply bloodthirsty with its dark rhythm which skips as a walking where the feet float more than they move forward over a delicious carpet of old organ. There is a form of intensity here that one will recognize some listening later. It's a delicious soporific walking, the hits of clogs on the road sound like some used wood, wrapped by a vampiric wave of sounds. "The Frogs" offers a curt rhythm with percussions as sober as these keyboard chords which are so like those of Rick Wright in the good old days. The bass is good here and solidifies this structure where the psychedelic effects abound with good reverberating effects and strata of synth, or is it guitar, of which the mixture gives a shape of werewolf which is resigned to the only remaining food … frogs. The title-track sounds out of tune here with a very livened motorik structure up which grows by taking the shape of a very good big rock juicy its riffs. Lively, a little bit wild and very unexpected!
"Grashamster" proposes an introduction in mode ambience, even with these felted percussions which have difficulty to hide a strange murmur and which forge an approach slightly motorik. The rhythm spreads a growth which reaches a velocity noisier than rhythmic with effects and sonic spasms which inhale marginality. And in spite of this aspect, this title pushes away a melody which will show the tip of its notes after some listenings. This is very good! "Nebelschwaden" ends “Organ Accumulator” with a slowly stroboscopic approach. One would say a march thought by Vangelis but played by Tangerine Dream and mixed by Steven Wilson. It's slow, like an odyssey towards more or less abrupt tops, with a sound texture as melodious as these songs that we sing non-stop when our body is doing something hard physically. This is very beautiful! It's like if we were stoned to the bone and we are skipping in space with celestial bodies and stars as musicians without borders. And the effect of organ here is more attractive than vicious. As I wrote higher, “Organ Accumulator” becomes “Organ Accumulator / Disappear” with the addition of the face A, Disappear, from the vinyl Disappear-Waves. If "Grong" is a big juicy and spasmodic Krautrock and that "Smoof" is a title of funeral ambiences on a slow and mesmerizing rhythm, "Disappear" is the protruding fact of this bonus set with an attractive delicately stroboscopic structure with its full of distortions from a six-strings as hostile than very ethereal. Layers of voices stick to these oddities of the guitar and of its guttural harmonies, pushing "Disappear" towards a delirium of moods which ends with a fuming approach just as much lively than a delicious and melodious psychedelic synth-pop. The road is splendid of sounds and effects of guitars, in particular those beautiful harmonious loops just as in Michael Rother's repertoire, before arriving at this delicate explosion of rhythm which is expected and not disappointing at all. A little like the finale of the title-track.
Organ Accumulator / Disappear” is a strong album from Sula Bassana. It's an album very different from
The Ape Regards His Tail because of its texture more in rhythm than in ambiences and of its fusion between the various styles which had exploded the small planet music in the 70's. You find here Berlin School, Koshmik Rock, Space Music and good Krautrock wrapped in a fight between the vintage years and those more modern with lively and weird rhythms which always leave a little room to melodies that we notice a little later. An excellent album that I recommend strongly. It already has its place in my Top 10 list of 2017

Sylvain Lupari (August 22nd, 2017)
You can find this album on Sula Bassana Bandcamp page here

Les joies d'être chroniqueur est de frapper des petits bijoux inattendus. Je vous avais déjà parler de Sula Bassana lors de ma chronique sur The Ape Regards His Tail avec même la promesse que je vous parlerais bientôt de Dave Schmidt, le multi-instrumentaliste derrière Sula Bassana, alors que je traduisais la chronique sur The Ape Regards His Tail tout en écoutant distraitement “Organ Accumulator”. Déjà, je savais que j'allais aimer cela! Réalisé en format vinyle sur le label Deep Distance en Janvier 2017, “Organ Accumulator” a aussi été réalisé en format CD 2 mois plus tard sur le label Sulatron Records en incluant la Face A du vinyle réalisé avec 3 AM en 2014, Disappear – Waves. Et vous allez constater que comme matériel additionnel, Sula Bassana ne pouvait trouver mieux afin de compléter les lignes vierges d'un CD qui est tout simplement exceptionnel.
Une montée de sons stridents annonce "
Lichtbündel". Des élytres de métal, une basse insistante et des nappes de guitares constituent la base cette ouverture où très vite, la musique se bute à une bulle d'effets psychédéliques. C'est à cet instant que "Lichtbündel" dévoile ses charmes. La rythmique est sautillante, montée sur des basses pulsations et des percussions atypiques, et les ambiances sont tissées sur les ondes tremblotantes d'un vieil orgue. Comme dans le temps de Klaus Schulze! Voguant entre des phases d'ambiances aux étranges parfums du vieux Babylone et des phases de rythme qui sautillent avec plus d'incision, "Lichtbündel" enfonce mes oreilles dans les années vintage mais avec une contemporanéité dans le ton qui fait très Krautrock réinventé. "Morgentau" est tout simplement sanguinaire avec son rythme sombre qui sautille comme une marche où les pieds flottent plus qu'ils avancent sur un délicieux tapis de vieil orgue. Il y a une forme d'intensité ici que l'on reconnaitra après quelques écoutes. C'est une délicieuse marche soporifique, même les coups de sabots sur la chaussée sonnent comme du bois usé, enveloppée d'une onde de sons vampirique. "The Frogs" offre un rythme sec avec des percussions aussi sobres que ces accords de claviers qui font comme du bon vieux Rick Wright. La basse est bonne ici et solidifie cette structure où les effets psychédéliques abondent avec de bons effets réverbérant et des strates de synthé, ou est-ce de guitare, dont l'amalgame donne un éclat de loup-garou qui est résigné la seule nourriture restante…les grenouilles. La pièce-titre détonne avec une structure motorik très animée qui croît en se chaussant d'un bon gros rock bien juteux de ses riffs. Enlevant, un peu sauvage et très inattendu!
Grashamster" propose une introduction en mode ambiances, même avec ces percussions feutrées qui peinent à cacher un étrange murmure et qui forgent une approche légèrement motorik. Le rythme étend une croissance qui atteint une vélocité plus bruyante que rythmique avec des effets et des spasmes sonores qui respirent la marginalité Et malgré cet aspect, ce titre refoule une mélodie qui n'apparaitra pas avant quelques écoutes. Très bon! "Nebelschwaden" termine “Organ Accumulator” avec une approche lentement stroboscopique. On dirait une marche pensée par Vangelis mais jouée par Tangerine Dream et mixée par Steven Wilson. C'est lent, comme une odyssée vers des cimes plus ou moins abruptes, avec une texture sonore aussi mélodieuse que ces chansons que l'on chante sans arrêt lorsque notre corps est occupé à faire quelque chose de dur physiquement. C'est très beau! C'est comme si on était gelé à l'os et que l'on sautillerait dans l'espace avec des astres et des étoiles comme musiciens sans frontières. Et l'effet d'orgue ici est plus séduisante que vicieuse. Comme j'écrivais plus haut, “Organ Accumulator” devient “Organ Accumulator / Disappear” avec l'ajout de la face Disappear du vinyle Disappear – Waves. Si "Grong" est un gros Krautrock juteux et spasmodique et que "Smoof" est un titre d'ambiances funéraires sur un rythme lent et envoûtant, "Disappear" est le fait saillant de cet ensemble boni avec une séduisante structure délicatement stroboscopique avec son plein de distorsions de six-cordes aussi malveillantes qu'éthérées. Des nappes de voix se collent à ces bizarreries de la guitare et de ses airs gutturaux, poussant "Disappear" vers un délire d'ambiances qui se termine avec une fumante approche de synth-pop psychédélique entraînant et mélodieux. La route est superbe de sons et d'effets de guitares, notamment de belles boucles harmoniques à la Michael Rother, avant d'arriver à cette délicate explosion de rythme qui est aussi attendue que non décevante. Un peu comme la finale de la pièce-titre.
Organ Accumulator / Disappear” est un solide album de Sula Bassana. C'est un album très différent de The Ape Regards His Tail à cause de sa texture plus en rythme qu’en ambiance et de sa fusion entre les différents styles qui éclataient la petite planète musique dans les années 70. Il y a du Berlin School, du Koshmik Rock et du bon Krautrock enveloppés dans un combat entre les années vintages et celles plus modernes avec des rythmes entrainants et bizarroïdes qui laissent toujours une petite place à des mélodies que l'on remarque un peu plus tard. Très bon et je le recommande fortement. Il a déjà sa place dans mon Top 10 de 2017!

Sylvain Lupari (21/08/2017)

dimanche 20 août 2017

ULRICH SCHNAUSS: A Long Way To Fall (2012)

“Puzzling but brilliant, A Long Way To Fall is a dawn good sonic pancake of iconoclastic sounds sat on wild beats and effective melodies”
1 Her and the Sea 5:07
2 Broken Homes 7:35
3 Like a Ghost in your Own Life 5:49
4 A Long Way to Fall 6:07
5 I Take Comfort in your Ignorance 5:58
6 A Forgotten Birthday 7:02
7 The Weight of Darkening Skies 5:25
8 Borrowed Time 4:51
9 Ten Years 6:06
10 A Ritual in Time and Death 7:20

Scripted Realities | SCREALCD001 (CD 61:21) ****
(Electronica, E-Rock & Shoegaze)
Before joining the edition of Tangerine Dream's Quantum Years, Ulrich Schnauss had (and still has) a very prosperous career. Besides being a member of the English electronic rock band Engineers, with Mark Peters, or still of the German duet Beroshima, with Frank Müller, the last member of the Tangerine Dream adventure is a well-known character in the industry of the electronic music due to his numerous collaborations with artists as much prestigious as Johannes Schmoelling, Lunz (Roedelius) or still M83 to name but a few. In a parallel to all these bands and collaborations, Ulrich Schnauss has also developed an interesting solo career which started with the album Far Away Trains Passing By. Between this album, appeared in 2001, and No Further Ahead Than Today, whom I reviewed recently, Ulrich Schnauss proposed 3 other solo albums which have charmed a generation of fans of the down-tempo, the Dark Ambient and the Electronica styles as well as a rather unusual genre; Shoegaze. A noisy ethereal form of rock that usually focuses on self-deprecating lyrics and melody-driven distortion guitars. Usually the vocals are slurred and unintelligible. A kind which is very different from Ulrich Schnauss' first albums and a genre which has divided his fans in the album “A Long Way To Fall” which feeds on it, but not at the point of being indigestible. Quite the contrary! The music is very good and breathes of a very particular boldness while the effects of the voices, except for "Broken Homes", are not really disturbing.
"Her and the Sea" begins with an approach shaded by a dense sound fog. We well hear voices there, except that the spectral cachet is very attractive. When the music sets in motion, it reveals a beautiful stroboscopic strand where is hatching a superb percussive fauna. The voices become a misunderstood choir which intervenes with a more melodious attraction this time. Without precise rhythmic lead, the music of "Her and the Sea" surprises constantly the ear with unexpected directions where always roam the very harmonious side of
Ulrich Schnauss. It's the kind of title, especially for the percussions, that we like rather easily. These percussions crinkle the rather ethereal structure of "Broken Homes" which deliberates between its phases of ambiences and its rhythmic skids as so misty as muddled. Here, the choir inhales that of a monastery in decline and I have to admit that the voices at the very end break a little the charm. "Like a Ghost in your Own Life" is a small jewel. A good ballad in the style of Jerome Froese with nice variances in a melodious structure hyper catchy. We stick to it, like in the more techno "A Forgotten Birthday", very easily. For the rest, I compare “A Long Way To Fall” to David Bowie's Heroes so much the musical envelope and the moods which encircle the so lively rhythms amaze as much as seduce. And at the end we become addicted to this music. Even if some is very difficult to approach. Let's take the title-track and its rhythmic opening which is hatched by a series of riffs without strings which invent a metronomic beating. The effects of guitar converge with a meshing of voices and the synth layers are filled of Tangerine Dream perfumes. Quiet but buried under an avalanche of effects, “A Long Way To Fall” gets out from the influences of these ambiences to offer a more inspired pace which shows its primary skeleton as so tenuous as a tick-tock. The voices are more harmonious towards the finale.
I Take Comfort in your Ignorance" is a well loaded gun! Its rhythm beats on soberer percussions this time while this bass line shakes our inside tremor. The effects of synth are divine, as well as this delicate melody which lives of it. This heavy and very lively rock hits a phase of quiet zone before regurgitating a very radioactive fury. The more I listen to and the more I find that brilliant. "The Weight of Darkening Skies" is built on the same principles, but in a different universe. Here the structure of rhythm is undulating before being harpooned by percussions, a bass and a keyboard as so voracious than the one in the last minutes of "I Take Comfort in your Ignorance". According to my guts, it's a kind of an interlude in the chronological fury of “A Long Way To Fall”, because "Borrowed Time" explodes in our ears with its structure as convoluted than a culture of earth worms which looks for mud! Brilliant in its distortion of sounds and beats! The same goes for "Ten Years" and its insane heaviness which let filter thin lines of harmonies worn out by so much ferocity. A title very difficult to ingest but which is worth it. And I would say the same thing for "A Ritual in Time and Death", especially for its finale which shatters the samplings of voices a la Jean Michel Jarre in The Magnetic Fields. But just before its odyssey towards the oblivion, this title offers an astonishing lively and jerky structure of rhythm in a pace where Electronica is short of breath.
Inhomogeneous and complex, of “
A Long Way To Fall” is a dawn good sonic pancake of iconoclastic sounds where the disorder of the rhythms belongs to a handful of irresistible ones who feed on the incomprehension of others. But I guarantee you that once well assimilated, this fascinating album of Ulrich Schnauss will fill your conversations and you will congratulate yourself of your stubbornness to tame it. Puzzling but brilliant!
Sylvain Lupari (August 20th, 2017)
You will find a way to buy this album on Ulrich Web Site here

Avant de joindre l'édition des Quantum Years de Tangerine Dream, Ulrich Schnauss connaissait une carrière bien florissante. En plus de faire partie du groupe de rock électronique anglais Engineers, avec Mark Peters, ou encore du duo Allemand Beroshima, avec Frank Müller, le dernier membre de l'aventure Tangerine Dream était une figure bien connue dans l'industrie de la musique électronique de par ses collaborations avec des artistes aussi prestigieux que Johannes Schmoelling, Lunz (Roedelius) ou encore M83 pour ne nommer que ceux-ci. Parallèlement à tous ces groupes et ces collaborations, Ulrich Schnauss a développé une intéressante carrière solo qui fut lancée avec l'album Far Away Trains Passing By. Entre cet album, paru en 2001, et No Further Ahead Than Today, que j'ai chroniqué dernièrement, Ulrich Schnauss proposait 3 albums solo qui ont charmé une génération d’adeptes des styles down-tempo, Dark Ambient, Électronica et d'un genre plutôt inaccoutumé; le Shoegaze. Une forme de rock éthéré et bruyant qui se concentre habituellement sur des paroles inintelligibles et déprimantes ainsi que des distorsions de guitares. Un genre très différent des premiers albums d'Ulrich Schnauss mais qui conserve néanmoins un petit cachet mélodique. Un genre qui a divisé ses fans dans l'album “A Long Way To Fall” qui s'en nourrit mais pas au point d'être incomestible. Bien le contraire! La musique est très bonne et respire d'une audace très particulière alors que les effets des voix, sauf pour "Broken Homes", ne sont pas vraiment dérangeantes.
"Her and the Sea" débute avec une approche ombragée par un dense brouillard sonique. On y entend bien des voix, sauf que le cachet spectral est très attirant. Lorsque la musique se met en branle, elle déploie un beau filament stroboscopique où naît une superbe faune percussive. Les voix deviennent une chorale incomprise qui intervient avec un attrait plus mélodieux cette fois-ci. Sans direction rythmique précise, la musique de
"Her and the Sea" surprend constamment l'oreille avec des directions inattendues où rôdent toujours le côté très harmonique d'Ulrich Schnauss. C'est le genre de titre, surtout pour les percussions, que l'on aime assez facilement. Ces percussions gondolent la structure plutôt éthérée de "Broken Homes" qui délibère entre ses phases d'ambiances et ses dérapages rythmiques aussi nébuleux que désordonnés. Ici, la chorale respire celle d’un monastère en décrépitude et je dois admettre que les voix à la toute fin brisent un peu le charme. "Like a Ghost in your Own Life" est un petit bijou. Une belle ballade du style Jerome avec de belles variances dans une structure mélodieuse hyper accrocheuse. On accroche à ce titre, comme au plus techno "A Forgotten Birthday" très facilement. Pour le reste, je compare “A Long Way To Fall” à Heroes de David Bowie tant l'enveloppe musicale et les ambiances qui cernent des rythmes toujours entraînants étonnent autant que séduisent et qu'au final on en devient addicte. Prenons la pièce-titre et son ouverture rythmique hachuré par une série de riffs sans cordes qui inventent un battement métronomique. Les effets de guitare affluent avec un maillage de voix, comme des nappes de synthé aux parfums Tangerine Dream. Tranquille mais enterré sous une avalanche d'effets, "A Long Way to Fall" s'extirpe des emprises des ambiances afin d'offrir une cadence plus inspirée qui démontre son ossature primaire aussi ténue qu'un tic-tac. Les voix sont plus harmonieuses vers la finale.
I Take Comfort in your Ignorance" est un titre béton! Son rythme bat sur des percussions plus sobres que cette ligne de basse qui nous secoue le trémolo. Les effets de synthé sont divins, de même que cette délicate mélodie qui en vit. Ce rock lourd et très entraînant se bute à une phase d'ambiances avant de régurgiter une fureur très radioactive. Plus j'écoute et plus je trouve ça génial. "The Weight of Darkening Skies" est construit sur les mêmes principes, mais dans un univers différent. Ici la structure de rythme ondule avant de se faire harponner par des percussions, une basse et un clavier tout aussi vorace que dans les dernières minutes de "I Take Comfort in your Ignorance". Pour moi, il s'agit d'un intermède dans la fureur chronologique de “A Long Way To Fall”, car "Borrowed Time" nous pète dans les oreilles avec sa structure aussi alambiquée qu'une culture vers de terre qui cherche de la boue! Génial dans sa distorsion des sons et du rythme! Idem pour "Ten Years" et sa lourdeur insensée qui laisse filer de beaux filets d'harmonies usées par tant de férocité. Un titre très difficile à ingérer mais qui vaut la peine. Et je dirais la même chose de "A Ritual In Time And Death", surtout pour sa finale qui écrabouille les échantillonnages de voix à la Jean Michel Jarre dans Les Chants Magnétiques. Mais juste avant cette odyssée vers les néants, ce titre offre une époustouflante structure de rythme vive et saccadée dans un style où l'Électronica manque de souffle.
Inhomogène et complexe, “
A Long Way To Fall” est une sacrée galette de sons iconoclastes où le désordre des rythmes appartient à une poignée d'irrésistibles qui se nourrissent de l'incompréhension des autres. Mais je vous garantis qu'une fois bien assimilé, ce fascinant album d'Ulrich Schnauss meublera vos conversations et vous vous féliciterez de votre obstination à y faire face. Déroutant mais génial!
Sylvain Lupari (20/08/2017)

samedi 19 août 2017

STEVE ROACH: Dreamtime Return (1988-2005)

“Dreamtime Return is a splendid tapestry of soundscapes of an Australian world that Steve Roach puts in music so that our eyes see what our ears hear”
CD 1
1 Towards the Dream 7:09
2 The Continent 4:47
3 Songline 3:01
4 Airtribe meets the Dream Ghost 7:07
5 A Circular Ceremony 11:18
6 The Other Side 13:11
7 Magnificent Gallery 6:02
8 Truth in Passing 8:49
9 Australian Dawn-The Quiet Earth Cries Inside 6:17

CD 2
1 Looking for Safety 31:17
2 Through a Strong Eye 6:50
3 The Ancient Day 6:07
4 Red Twilight with the Old Ones 9:50

Fortuna Records 18055-2 (1988) Projekt ‎| PROJEKT175 (2016) (CD/DDL 130:23) *****
(Tribal ambient music)
Then at the top of list of the emergent artists who fed musical landscapes with an infinite precision, Steve Roach delivered in “Dreamtime Return” the album which was going to define the borders of the ambient tribal EM. Conceived in 1988, either just after the musical journey in the American West which resulted in Western Spaces, this Steve Roach's double album is always considered as being his ultimate work. As being this passage of EM towards the universe of tribal ambient rhythms. It's on the heels of Western Spaces, fragrances can be heard on track 2, that this surprising album, which figures on the prestigious list of 1,000 Recordings to Hear Before You Die, was going to shake the columns of the so said ambient music with some fascinating aboriginal rhythms and chants. As well as a fascinating fusion between instruments, I think among others of Didgeridoo, of the first peoples of Australia. To be very close to this music, which asks all the same for a good open-minded, Steve Roach moved his things into the North of Australia together with the photographer David Stahl who was initiated this project. Him who was completely enchanted by the music of Structures from Silence while he passed by the American desert to go to Mexico.
Towards the Dream" begins “Dreamtime Return” with a movement of percussions magnificently drawn by Taos drums and electronic percussions. An organic matter infiltrates this movement of spiritual trance of which the accentuated pace rolls in loops while being shaken by some rollings of percussions a little more intense. This superb pattern of percussions stays under the influence of wide synth layers which spread orchestral and spectral harmonies. This canon start appears among the best introductions of Steve Roach's albums. "The Continent", which seems to be a lost title from the sessions of Western Spaces, follows with a softer rhythm which is sculpted by more hypnotic and hefty percussions. The American synthesist spreads luxurious synth layers of which the harmonious approach remains as much seducing as its anesthetic effect, especially when the orchestral side gets melt to layers perfumed of discreet elfin voices. First title to be modelled on the Australian tribal approach, "Songline" is a hymn of aboriginal dance, which reminds me the universe of Vangelis in La Fête Sauvage, with effects and Didge on a furious structure which gets blurred with the arrival of "Airtribe meets the Dream Ghost" and of its tribal ambient rhythm. The percussions are scattered in an approach of hypnosis while the rattlers of a wizard sing in an ambience of a hostile desert which is slowly wrapped by the coldness of the night. These last two titles are composed by Robert Rich who also plays the percussions. As the titles parade on CD 1, we feel that the rhythms become under the influence of the Australian heathen divinities. So, "A Circular Ceremony" presents a soft rhythm with tired percussions which just have just enough strength to crumble a little more some authoritarian strikes under the aegis of other synth layers which harmonizes its anesthetic influence with very beautiful effects of voices. We dive literally in ambient mode with the stunning "The Other Side", a title composed by Kevin Braheny who also plays this surprising instrument, Steiner EWI (Electronic Wind Instrument). He forges effects of a weeping violin which spreads a concerto for tortured souls. Flavors of the East are dragging in the big winged and soporous movements of a synth which surprises the ear with rivulets of arpeggios which glitter in suspension. "Magnificent Gallery" brings us back to the mysteries of the Australian grottos with another movement ambient structured by these sleepy wings of the synth. "Truth in Passing" is another small jewel of meditation which is harmonized on the notes of a very melancholic piano. That's have to be first time that I hear some piano in the music of Steve Roach. "Australian Dawn-The Quiet Earth Cries Inside" ends this CD 1 with an approach as dark as that of "Magnificent Gallery".

"Looking for Safety" is considered by several connoisseurs as one of the most beautiful titles of meditative music from Steve Roach. Its slender and weighty synth layers unfold a wonderful anesthetic decoration where the melodic approach always remains very present. It's like to watch a heap of clouds taking its forms and getting loose from each other with the grace of an aerial waltz which swirls in very, very slow motion. Splendid and very close to the magnificence of Structures from Silence, the music melts behind our eyes with this tasty taste to stay stick to it. And these drums, which beat a measure as sedative as the morphic chants of the synths, add an even more charming dimension to "Looking for Safety". An enchantment for the emotions all over its 31 minutes! "Through a Strong Eye" undertakes the slow awakening of “Dreamtime Return” with a thick cloud of woosh and of ambiosonic jingles which resound in order to emerge from the Australian caves. Still here, the electronic, orchestral and spectral fusion of the synth layers is as much rich as very penetrating and floats like an intrusive shadow. Effects, synth shrill tears and felted explosions awaken the atmospheres, but not as much as the percussions which liven up "The Ancient Day". It's here that “Dreamtime Return” regains control of its structures of tribal rhythms which drum under the huge floating shadows of the synth wings. In fact, the name of “Dreamtime Return” takes all its sense here while the rhythms and the aboriginal ambiences of "Red Twilight with the Old Ones" are reborn from the ambiospherical ashes which have entailed this double album towards the deep of our subconscious. A short comeback to a rhythmic life that "The Return" pulls towards these superb meditative moods which border the fascinating Australian universe that Steve Roach puts in music so that our eyes see what our ears hear. A monument!
Sylvain Lupari (August 19th, 2017)
You will find this album on Projekt Bandcamp page here

Alors en tête de liste des artistes émergents qui nourrissaient des paysages musicaux avec une infinie précision, Steve Roach livrait en “Dreamtime Return” l'album qui allait définir les frontières de la MÉ tribale ambiante. Réalisé en 1988, soit juste après le voyage musical dans l'Ouest Américain qui résultait en Western Spaces, ce double album de Steve Roach est toujours considéré comme étant son œuvre ultime, comme étant ce passage de la MÉ vers l'univers des rythmes ambiants tribaux. C'est dans la foulée de Western Spaces que cet étonnant album, inscrit sur la prestigieuse liste des 1 000 albums à écouter avant de mourir, allait secouer les colonnes de la musique dite d'ambiances avec des rythmes et des chants aborigènes ainsi qu'une fascinante fusion entre les instruments, je pense entre autres au Didgeridoo, des premiers peuples de l'Australie. Afin d'être tout près de cette musique, qui demande tout de même une bonne ouverture d'esprit, Steve Roach a emménagé ses pénates dans le nord de l'Australie en compagnie du photographe David Stahl qui est à la base de ce projet. Lui qui fut tout à fait enchanté par la musique de Structures from Silence alors qu'il passait par le désert américain afin d'aller au Mexique.
Towards the Dream" débute “Dreamtime Return” avec un mouvement de percussions superbement dessiné par les tambours Taos et les percussions électroniques. Une matière organique infiltre ce mouvement de trance spirituel dont la cadence accentuée roule en boucle tout en étant secoué par des roulements de percussions un peu plus frénétiques. Ce splendide jeu de percussions reste sous l'emprise de larges nappes de synthé qui déploient des harmonies aussi orchestrales que spectrales. Ce titre canon figure parmi les meilleures introductions des albums de Steve Roach. "The Continent", qui semble être égaré des sessions de Western Spaces, suit avec un rythme plus mou qui est sculpté par des percussions lourdes et plus hypnotiques. Le synthésiste américain étend de somptueuses nappes de synthé dont l'approche harmonique reste aussi séduisante que son effet anesthésiant, surtout lorsque le côté orchestral se fond dans de discrètes nappes de voix Elfiques. Premier titre à être modelé sur l'approche tribale australienne, "Songline" est un hymne de danse aborigène, qui me fait penser à l'univers de Vangelis dans La Fête Sauvage, avec effets et Didge sur une structure frénétique qui s'estompe avec l'arrivée de "Airtribe meets the Dream Ghost" et de son rythme ambiant tribal. Les percussions sont éparpillées dans une approche d'hypnose alors que les crotales d'un sorcier chantent dans une ambiance d'un désert hostile qui se fait envelopper doucement par la froideur de la nuit. Ces deux derniers titres ont été composé avec Robert Rich qui y joue aussi les percussions. À mesure que les titres défilent sur le CD 1, on sent que les rythmes deviennent sous l'emprise des divinités païennes australiennes. "A Circular Ceremony" présente ainsi un rythme mou avec des percussions épuisées qui ont juste assez de force pour émietter des frappes un peu plus autoritaires sous l'égide de superbes nappes de synthé qui harmonise son emprise anesthésiante avec de très beaux effets de voix. On plonge littéralement en mode ambiant avec le superbe "The Other Side", un titre composé par Kevin Braheny qui y joue de cet étonnant instrument, le Steiner EWI (Electronic Wind Instrument). Il forge des effets de violons pleureurs qui étendent un concerto pour âmes torturés. Des parfums d'Orient traînent dans les grands mouvements ailés et soporeux d'un synthé qui surprend l'oreille avec des ruisselets d'arpèges qui miroitent en suspension. "Magnificent Gallery" nous entraîne dans les mystères des grottes australiennes avec un autre mouvement ambiant structuré par ces ailes endormitoires du synthé. "Truth in Passing" est un autre petit bijou de méditation qui est harmonisé sur des notes d'un piano très mélancolique. C'est bien la première fois que j'entends du piano dans la musique de Steve Roach. "Australian Dawn-The Quiet Earth Cries Inside" termine ce CD 1 avec une approche aussi ténébreuse que celle de "Magnificent Gallery".
Looking for Safety" est considéré comme l'un des plus beaux titres de musique méditative de Steve Roach. Ses longilignes et lourdaudes nappes de synthé étendent un superbe décor anesthésiant où l'approche mélodique reste toujours très présente. C'est comme voir un amas de nuages prendre ses formes et se détacher les uns des autres avec la grâce d'une valse aérienne qui se danse au très ralenti. Splendide et très proche des splendeurs de Structures from Silence, la musique fond derrière nos yeux avec cet appétissant goût d'y rester accrocher. Et ces tambours, qui battent une mesure aussi anesthésiante que le chant morphique des synthés, ajoutent une dimension encore plus enchanteresse à "Looking for Safety". Une féérie pour les émotions sur toutes ses 31 minutes! "Through a Strong Eye" entreprend le lent éveil de “Dreamtime Return” avec une nuée de woosh et de cliquetis ambiosoniques qui résonnent pour émerger d'entre les grottes australiennes. Encore ici, la fusion électronique, orchestrale et spectrale des nappes de synthé est aussi riche que très pénétrante et flotte comme une ombre envahissante. Des effets, des larmes stridentes et des explosions feutrées éveillent les ambiances, mais pas autant que les percussions qui animent "The Ancient Day". C'est ici que “Dreamtime Return” se réapproprie ses structures de rythme clanique qui tambourine sous les vastes ombres flottantes des ailes de synthé. En fait, le titre de “Dreamtime Return” prend tout son sens ici alors que les rythmes et ambiances aborigènes de "Red Twilight with the Old Ones" renaissent des cendres ambiosphériques qui entraînaient ce double album vers le bas fond de notre subconscient. Un bref retour à la vie rythmique que "The Return" entraîne vers ces superbes ambiances méditatives qui côtoient le fascinant univers australien que Steve Roach met en musique de sorte que nos yeux voient ce que nos oreilles entendent. Un monument!

Sylvain Lupari (19/08/2017)

jeudi 17 août 2017


“Beautiful and melodious EM which can compete with the music of Vangelis, Planets possesses all the charms of an EM which flirts skillfully with New Age without faked emotions”
1 Twin Sunrise 4:00
2 Planets I 5:36
3 Dreamspace Part I 5:45
4 In Orbit 7:37
5 Nebulae 6:34
6 Planets II 6:50
7 Origins 11:37

8 Apsis 5:03
9 Planets III 3:20
10 Dreamspace Part II 17:35

Sverre Knut Johansen Music (DDL 61:58) ****¼
(Melodious Space Music)

It's while writing the chronicle about Secret Space Program that a fan wrote me about the album “Planets”. According to his statements, it was about Sverre Knut Johansen's best album. So Sverre has friendly sent me this album to validate the craze some of this admirer. My first contact with “Planets” was rather tepid. And my first analysis was that the album was feeding an armada of style which fluttered from synth Space Music to New Age while touching a good EM pushed by sequencers and by percussions. The following attempt brought me to the same reasoning but with more bewitchment for the senses. And finally, I ended to like this album of which the sound texture, the musical wealth and the harmonious direction lean on two working years, “Planets” was simmered between 2000 and 2002, with an attention to detail which states of Sverre Knut Johansen who neglects no aspect, from where a beautiful cosmic tale about planets which was thought with a vision which equals the perfectionism of the Norwegian musician.
An ambience of cosmos opens the twilights and allows to some arpeggios to make sparkle a little melody as fragile as striking. A melodist without equal, who is strongly inspired and influenced by the arrangements of
Vangelis, Sverre Knut Johansen draws a superb one in this opening of “Planets”. A decoration of cosmic jungle surrounds this harmonious delicacy which screws very solid at the bottom of our eardrums while the ambient rhythm of "Twin Sunrise" militarizes itself with percussions of which the rumblings sculpt a wonderful cosmic bolero. A strong starting signal which sends the ears in orbit. Especially that "Planets I" appears as a deserving successor with a very Tangerine Dream approach from the post TDI years. The electronic percussions, kind of bongo drums, and the melodic arrangements of the synth dominate and create an approach marked with emotion. The impact is not as well dominant as with "Twin Sunrise" but we let oneself easily cradle by this rhythmic approach which does in a very accessible New Age. "Dreamspace Part I" is another very beautiful title, if we like that when ethereal melody and arrangement go hand in hand, slightly livened up by these bongo percussions which perfume the rhythms of “Planets”. The rhythm is always in passive mode with some well moderated explosions and is drumming delicately under a bed of orchestrations that will raise the hairs of our spine. An Elvish voice comes to whisper in our ears the delights of a cosmic Eden while the arrangements, I even hear an oboe, are brilliantly mixed with good cosmic effects. Effects which are even more omnipresent in "In Orbit" whose evolutionary structure hangs onto this crescendo in mode Bolero which lead the ambient and circular rhythms that we find all over “Planets”. There is here a beautiful duel synth/guitar here with soft and evasive solos of the synth and incisive and penetrating ones from the guitar of Eivind Aarset. "Nebulae" is more in meditative mode with a synth which draws a melodious approach on the songs of cosmic whales. The layers of voices are as much serene and captivating as in "Dreamspace Part I".

"Planets II" puts more emphasis on the singing exercises with an approach clearly more in mode cosmic opera, genre Luc Besson's The 5th Element. The title embraces a more rock phase when this opera voice melts its fascinating harmonies to some nice guitar solos more in rock mode. Soft and poetic, "Origins" is a very beautiful title of meditative ambiences where we float through the space on the giant wings of an intersidereal eagle. There is a lot of emotion and intensity in this title where the ambient music is more melodious than tonal. "Apsis" flirts with the borders of New Age with a delicate melody puffed from a synth a bit nasal. The percussions, always in mode tom-tom and bongo and sometimes even military, welcome this tearful lullaby which hangs on to a rhythmic intensity of which the peak is a good electronic rock as much heavy than slow. After this short raid in this contemporary universe of Tangerine Dream, "Apsis" returns to its meditative bed where still sparkle these melodious pearls which are charmingly scattered in “Planets”. We cannot like what is beautiful! A little more aggressive and still very melodious, "Planets III" switches off its ardor into good orchestrations. "Dreamspace Part II" concludes this Sverre Knut Johansen's 6th album with an approach which follows the rules of "Dreamspace Part I" but with 12 minutes in plus which serve to explore a universe closer to the one of Code Indigo or the one of David Wright. The first 10 minutes are very effective with these layers of voices which are still fighting in duel with some strong raids of a starved and dynamic electric six-strings. The rhythm always grows in its pattern of crescendo, allying melody and intensity in a well embellished cosmic soundscape. The last 7 minutes are shared between fragments of rhythm and by phases of ambiences which are decorated of cosmic effects on a background of meditation and of this seraphic voice which gives a very oneiric depth to the universe of this very beautiful album of the Norwegian musician.
Beautiful and harmonious to the bone with phases of rhythm which sculpt crescendo full of emotion and arrangements which tickle the den of our emotions, I now understand very well why “
Planets” is described as being Sverre Knut Johansen's most beautiful album. And as I like all that is rather beautiful and melodious which can compete with the music of Vangelis, I have to admit that I got myself caught in the numerous traps of charms which are anchored in the universe of “Planets”. We are far from a complicated EM or a kind of Berlin School thirsty for black rhythms here. It's the very opposite! But that remains beautiful, very beautiful and that possesses all the charms of an EM which flirts skillfully with New Age without becoming a work bared of emotions.

Sylvain Lupari (August 17th, 2017)
You will find this album on Sverre Knut Johansen Bandcamp page here

C'est en écrivant la chronique sur Secret Space Program qu'un fan m'a mis au parfum au sujet de l'album “Planets”. Selon ses dires, il s'agissait du meilleur album de Sverre Knut Johansen. Sverre m'a gentiment fait parvenir cet album afin de valider l'engouement de cet admirateur. Mon premier contact avec “Planets” fut assez tiède. Et mon premier constat était que l'album nourrissait une armada de style qui voletait entre la Space Music à du New Age en passant par une bonne MÉ poussée par des séquenceurs et des percussions. La tentative suivante m'amena au même constat mais avec plus d'envoûtement dans les sens. Et finalement, j'ai fini par aimer cet album dont la texture sonore, la richesse musicale et la direction harmonieuse s’appuient sur deux ans de travail, “Planets” a été mijoté entre 2000 et 2002, avec un souci du détail qui témoigne de cette minutie chez Sverre Knut Johansen qui néglige rien, d'où un beau conte cosmique sur les planètes qui a été muri avec une vision qui égale le perfectionnisme du sympathique musicien Norvégien.
Une ambiance de cosmos ouvre les pénombres et permet à des arpèges de faire scintiller une petite mélodie aussi fragile que saisissante. Mélodiste hors-pair, qui est fortement inspiré et influencé par les arrangements de
Vangelis, Sverre Knut Johansen en dessine une superbe en ouverture de “Planets”. Un décor de jungle cosmique entoure cette délicatesse harmonique qui se visse bien solide dans le fond de nos tympans alors que le rythme ambiant de "Twin Sunrise" se militarise avec des percussions dont les roulements sculptent un superbe boléro cosmique. Un solide coup de départ qui met les oreilles en orbite. Surtout que "Planets I" se présente comme un digne successeur avec une approche très Tangerine Dream des années post TDI. Les percussions électroniques, d'un genre bongo, et les arrangements mélodiques du synthé dominent et sculptent une approche empreinte d'émotion. L'impact n'est pas aussi dominant qu'avec "Twin Sunrise" mais on se laisse facilement bercer par cette approche rythmique qui fait New Age très accessible. "Dreamspace Part I" est un autre très beau titre, si on aime ça quand mélodie et arrangement éthérés vont de pair, légèrement animé par ces percussions bongos qui parfument les rythmes de “Planets”. Le rythme est toujours en mode passif avec quelques explosions bien tempérées et tambourine délicatement sous un lit d'orchestrations à faire lever les poils dans le dos. Une voix Elfique vient susurrer à nos oreilles les délices d'un Éden cosmique alors que les arrangements, j'entends même un hautbois, sont superbement mélangés avec de bons effets cosmiques. Des effets qui sont encore plus omniprésents dans "In Orbit" dont la structure évolutive s'accroche à ces crescendos en mode Boléro qui animent les rythmes ambiants et circulaires de “Planets”. Il y a ici un beau duel synthé/guitare avec des solos mous et évasifs du synthé et incisifs et pénétrants pour la guitare de Eivind Aarset. "Nebulae" est plus en mode méditatif avec un synthé qui trace une approche mélodieuse sur les chants de baleines cosmiques. Les nappes de voix sont aussi sereines et enveloppantes que dans "Dreamspace Part I".
Planets II" met plus d'emphase sur les vocalises avec une approche nettement plus en mode opéra cosmique, genre Le 5ième Élément de Luc Besson. Le titre embrasse une phase plus rock lorsque cette voix opératique fait fondre ses fascinantes harmonies dans les solos d'une guitare plus en mode rock. Doux et poétique "Origins" est un très beau titre d'ambiances méditatives où l'on flotte à travers l'espace sur les géantes ailes d'un aigle intersidéral. Il y a beaucoup d'émotion et d'intensité dans ce titre où la musique d'ambiance est plus mélodieuse que tonale. "Apsis" flirte avec les frontières du New Age avec délicate mélodie soufflée sur un synthé un brin nasillard. Les percussions, toujours en mode tam-tam et bongo et parfois même militaire, accueillent cette berceuse larmoyante qui s'accroche à une intensité rythmique dont le point culminant est un bon rock électronique aussi lourd et que lent. Après cette brève incursion dans cet univers contemporain de Tangerine Dream, "Apsis" retourne à son lit méditatif où scintillent encore ces perles mélodieuses délicieusement éparpillées à la grandeur de “Planets”. On ne peut pas aimer ce qui est beau! Aussi agressif que mélodieux, "Planets III" éteint sa fougue dans de belles orchestrations. "Dreamspace Part II" conclut ce 6ième album de Sverre Knut Johansen avec une approche qui suit les préceptes de "Dreamspace Part I" mais avec plus de 12 minutes additionnelles qui servent à explorer un univers plus près de Code Indigo ou encore celui très symphonique de David Wright. Les 10 premières minutes sont très efficaces avec ces nappes de voix qui font duel à des attaques d'une six-cordes électrique vicieuse et dynamique. Le rythme croisse toujours dans son tissu de crescendo, alliant mélodie et intensité dans un décor cosmique bien imagé. Les 7 dernières minutes sont partagées entre des bribes de rythme et des phases d'ambiances ornées d'effets cosmiques sur fond de méditation et de cette voix séraphique qui donne une profondeur très onirique à l'univers de ce très bel album du musicien Norvégien.
Beau et harmonieux à l'os avec des phases de rythme qui sculptent des crescendos chargés d'émotions et des arrangements qui chatouillent le repaire de nos émotions, je comprends maintenant très bien pourquoi “
Planets” est décrit comme étant le plus bel album de Sverre Knut Johansen. Et comme j'aime tout ce qui est assez beau et mélodieux pour concurrencer avec la musique de Vangelis, je dois avouer que je me suis laisser prendre aux nombreux pièges de charmes qui sont ancrés dans l'univers de “Planets”. Nous sommes loin ici d'une MÉ compliquée ou d'un genre Berlin School assoiffé de rythmes noirs. C'est tout le contraire! Mais ça reste beau, très beau et ça possède tous les charmes d'une MÉ qui flirte habilement avec le New Age sans pour autant devenir une œuvre dénudée d'émotion.

Sylvain Lupari (17/08/2017)

dimanche 13 août 2017

PETER BAUMANN: Machines of Desire (2016)

“Let's be honest here; if Machines of Desire hasn't the name of Peter Baumann on it, a lot among us and among the different circles of EM would had shout a brilliant album”
The Blue Dream 5:53
Searching in Vain 5:37
Valley of the Gods 4:13
Echoes in the Cave 3:55
Ordinary Wonder 6:00
Crossing the Abyss 5:58
Dancing in the Dark 5:57
Dust to Dust 6:24

Bureau B | CD 124952 (CD 42:54) ****
(Classic Electronic Rock)
Did I have to speak about the coming back of Peter Baumann after more than a year that “Machines of Desire” has landed in the trays? Synonym of big expectations, both for this solo album as for this huge rumor which circulated regarding the possibility that he may joined the survivors of Tangerine Dream, the name of Peter Baumann was on all the lips in 2016. Besides this album, there were also the reeditions of the first 2 opuses which was made in November 2016. In brief, a lot of hubbub around the name of the one who had given as mission to democratize, of soften the strong angles of EM by exporting it on the American continent in 1984. The big question was to know what would be the musical direction of Peter Baumann. New Age or Synth-pop? Berlin School or New Age and Synth-pop? Well, having listened to it more than once these days, I would say that “Machines of Desire” is a nice fusion between the candy hymns of Transharmonic Nights and a bit of the boldness of Romance'76. And even if some pretend that this new album from Peter Baumann confirms that the one who left Tangerine Dream twice in the 70's hasn't really evolve, we cannot disagree because everything here inhales the structures of composition of Peter Baumann in that time. Me who had adored Transharmonic Nights, I however cannot complain. But a tiny more audacious bend here would certainly have countered the growing discontent of the dissatisfied ones. But at the end of line, this “Machines of Desire” is as beautiful as its pouch can be useless. I think this says it all! A beautiful honest album which is a kind of return home of the one that nobody waited for.
As if his imagination had not taken a wrinkle, a short woosh gets out of the oblivion to be punched by insistent knockings. Tears of synth squeal on a structure more percussive than rhythmic where the glaucous atmospheres wrap our senses like at the time of the
Dream's Dark Ambient zones. The rhythm is slow, theatrical and threatening. And suddenly, as coming out from nowhere, a melody sat on a synth in mode violins strings runs at a brisk pace like breakaways of a session of Vivaldi's 4 Seasons. "The Blue Dream" is the perfect opening to a comeback album with its catchy melody which jig between phases of dark moods. "Searching in Vain" seems to be a surviving title of the Transharmonic Nights sessions. The same goes for the slow, almost militarized rhythm, of "Ordinary Wonder". I like! And Peter Baumann raises himself on his music as the brilliant melodist that he is. These two small jewels precede two titles with doubtful and effective ambiences, "Valley of the Gods", one would imagine in Sorcerer but with a very fascinating rhythmic pattern and a splendid game of the sequencer. The line of bass bites this good electronic rock encircled by a melody from a shrill synth. "Echoes in the Cave", even with its melodious intro stolen to "The Blue Dream", stagnate in its ambiospherical cavern. This is another very good track filled of Sorcerer's sepulchral moods. After another introduction sculpted beneath the sign of dark ambiences, the rhythm of "Crossing the Abyss", which is rather light, is transported by a nice fight between a fluty synth and another one more whistler. I swim maybe in a total delirious, but I have this vague impression that The Keep guided the black atmospheres which roll all over the protean rhythms of “Machines of Desire”. The Keep and especially Legend for these moods of medieval dances, as in "Dancing in the Dark" which is well balanced between those great percussion designs, one of the many charms in this album, and its melody pinched on a little bit cold chords. The introduction of "Dust to Dust" is a small jewel of glaucous vibes. Throughout its evolution, we feel that the rhythm tries to conquer the ambiences. And when it happens, the circular movement of "Dust to Dust" drags us in a lively spiral where sings a wonderful synth solo always in mode harmonious seduction. Here, as everywhere in this last Peter Baumann's album, the percussions, the percussive effects and the sequencer unite their diversity to inflate rhythms which always keeps us a little bit speechless.
Glaucous atmospheres, melodies stylized in
Baumann signature and rhythms as surprising as very creative, “Machines of Desire” has all that it needs to satisfy those aficionados of EM and of course of Tangerine Dream, era 77 to 86. And if we are honest just a little bit; if the name of the artist wasn’t the one of Peter Baumann, more than a blogger-columnist or fan of EM would shout to genius here. A great album that I found a little too short, considering the fact that it took 33 years of maturation. And 33 years is very long to wait. I hope that Peter Baumann took good note of that. Because he is still very talented.

Sylvain Lupari (August 13th, 2017)
Devais-je parler du retour de Peter Baumann après plus d'un an que “Machines of Desire” ait atterri dans les bacs? Synonyme de grosses attentes, tant pour cet album solo que pour cette énorme rumeur qui circulait à l'effet qu'il rejoignait les rescapés du vaisseau musical Tangerine Dream, le nom de Peter Baumann était sur toutes les lèvres en 2016. En plus de cet album, il y avait aussi les rééditions de ses 2 premiers opus qui s'est effectué en novembre 2016. Bref, beaucoup de brouhaha autour du nom de celui qui s'était donné comme mission de démocratiser, d'adoucir les angles robustes de la MÉ en l'exportant sur le continent américain en 1984. La grosse question était de savoir quel serait la direction musicale de Peter Baumann. New Age ou Synth-Pop? Berlin School ou New Age et Synth-Pop? Eh bien, après l'avoir écouté plus d'une fois ces temps-ci, je dirais que “Machines of Desire” est une fusion entre les hymnes bonbons de Transharmonic Nights et les quelques audaces de Romance'76. Et même si certains prétendent que “Machines of Desire” confirme que celui qui a quitté Tangerine Dream à 2 reprises dans les années 70 n'a pas réellement évolué, on ne peut être en désaccord car tout ici respire les structures de composition de Peter Baumann à cette époque. Moi qui ait adoré Transharmonic Nights, je ne peux me plaindre. Mais un petit détour plus audacieux aurait certainement contré la grogne des mécontents. Mais en bout de ligne, “Machines of Desire” est aussi beau que sa pochette peut être inutile. Un bel album honnête qui est une sorte de retour au bercail de celui que personne n'attendait.
Comme si son imagination n'avait pas pris une ride, un bref woosh sort du néant pour se faire ramasser par des cognements insistants. Des larmes de synthé crissent sur une structure plus percussive que rythmique où les ambiances glauques enveloppent nos sens comme à l'époque du Dark Ambient du Dream. Le rythme est lent, théâtrale et menaçant. Et soudain, comme sortie de nulle part, une mélodie arquée sur un synthé en mode cordes de violons roule à vive allure comme échappée d'une session des 4 saisons de Vivaldi. "The Blue Dream" est l'ouverture parfaite à un album retour avec sa mélodie accrocheuse qui gigue entre des pans d'ambiances ténébreuses. "Searching in Vain" semble être un titre rescapé des sessions de Transharmonic Nights. Idem pour le rythme lent, quasiment militarisé, de "Ordinary Wonder". Moi j’aime! Et Peter Baumann se dresse sur sa musique comme un mélodiste hors-pair qu'il est effectivement. Ceux deux petits joyaux précèdent deux titres aux ambiances douteuses et efficaces en "Valley of the Gods", on se croirait dans Sorcerer mais avec une rythmique très captivante et un superbe jeu du séquenceur. La ligne de basse mord ce bon rock électronique ceinturé d'une mélodie d'un synthé criard. "Echoes in the Cave", même avec son intro mélodieuse dérobée à "The Blue Dream", stagne dans sa grotte ambiosphérique. C'est un bon titre d'ambiances sépulcrales à la Sorcerer. Après une autre introduction sculptée sous le signe d'ambiances ténébreuses, le rythme de "Crossing the Abyss", tout de même assez léger, est transporté par une belle lutte entre un synthé flûté et un autre plus siffloteur. Je nage peut-être en plein délire, mais j'ai comme cette vague impression que The Keep a guidé les ambiances noires qui tournent autour des rythmes protéiformes de “Machines of Desire”. The Keep et surtout Legend pour ces ambiances de danses médiévales, comme dans "Dancing in the Dark" qui est bien balancé entre ses très bonnes percussions et sa mélodie pincée sur des accords un peu froids. L'introduction de "Dust to Dust" est un petit bijoux d'atmosphères glauques. Tout au long de son évolution, nous sentons que le rythme cherche à conquérir les ambiances. Et lorsque ça arrive, le mouvement circulaire de "Dust to Dust" nous entraîne dans une spirale enlevante où chante un superbe de beau solo de synthé toujours aussi en mode séduction harmonique. Ici, comme partout dans ce dernier album de Peter Baumann, les percussions, les effets percussifs et le séquenceur unissent leur diversité afin de gonfler des rythmes qui nous reste toujours un peu bouche bée.
Ambiances glauques, mélodies stylisées dans la signature Baumann et des rythmes aussi surprenants que très créatifs, “Machines of Desire” a tout ce qu’il faut pour plaire aux fans de la MÉ et de Tangerine Dream, période 77 à 86. Et restons honnête, si le nom de l'artiste serait autre que celui de Peter Baumann, plus d'un blogueur-chroniqueur ou amateur de MÉ crierait au génie. Très bon et je dirais même trop court. Mais 33 ans c'est très long comme attente. J'espère que Peter Baumann en a pris bonne note….

Sylvain Lupari 12/08/2017

samedi 12 août 2017

PETE FARN: Noodle+ (2017)

“Noodle+ is above all for the aficionados of noisy vibes where the art to create music is not the priority in the world of Pete Farn”
1 Knospensprünge 4:32
2 Im Sumpf 5:30
3 Metallregen 4:05
4 Dickicht 3:25
5 Luftbewegung im Unterholz 4:01
6 Klangfluss 10:10
7 Schönklangs Farbreise 13:08
8 Elia 8:12
9 Spechtus 7:08

SynGate-Luna | CD-r pf16 (DDL/CD-r 60:13)
(Experimental and abstract music)

For the synth users, the term Noodle means all these threads which hang and which connect in the inputs or outputs of other EM components. A mishmash of threads and cables which seems to us to be like the equivalent of a mini Babel tower so much that the intertwine of wires looks like a crossroad without ending. But for Peter Schaefer, this mess of electronic wires is far from being a heap of noodles in an immense plate of spaghetti. And those who know the sound fantasies of this master of abstract music understand at once where I am getting at. The vision that we have of these wires serves marvelously the fruits of the imagination, always very overflowing, of Pete Farn who offers us in “Noodle+” an album as perplexing as very difficult to ingest. An album where the noises and the atmospheres of a dead EM, not electronic effects, have precedence on an approach which began to be a bit more accessible with the album Aus-Flug  which was released to the end of 2016.
Knospensprünge" attacks literally our ears with a structure as much noisy as a guitarist who uses his fuzz wah-wah for the first time in the disorder of his room. The sounds spring in all forms with a shadow which croaks in a sound jumble where we imagine easily the hubbub behind ill-matched noodles of a synth. You were patient? And for little that we like these harmonies which are quite pale behind a wall of boisterous vibes, "Im Sumpf" is a title rather relaxing where is lying a delicate and shy melody strummed on a piano. The ambiences are a bit theatrical, kind of horror, with a specter which regurgitates its last sentence in the harmonies scattered from a piano and a bass in mode Jazz. "Metallregen" brings us back in the core of the sanctum of the sonic beast without charms. The title begins in mode ambient before colliding a wall of sounds as unappetizing as a plate of cold spaghettis. I look like a repulsive being? No, rather of an adviser for those who tries to understand the Pete Farn phenomenon! In fact, I like this universe, but in small doses, because Peter Schaefer peels the reach of the sounds like an architect who sees decorations with another eye. If there are more difficult titles, as "Knospensprünge", "Dickicht" and "Luftbewegung im Unterholz", even with its spasmodic tune, the music of Peter Schaefer stays a crossing between that of Centrozoon, percussions and guitar less, and Perceptual Defence for the avant-gardist and ambiosonic approach. Regarding that, "Klangfluss" is simply delicious. By far the best track in “Noodle+”. Always in a contemplative mode, "Schönklangs Farbreise" is a little noisier on the other hand than "Klangfluss". But these 2 long titles remain the most accessible in the universe of “Noodle+”. Even in a tissue of atmospheres as floating and heterogeneous as these last 2 titles, "Elia" stays a puddle of noises which eventually irritates with acute rustlings and monotonous voices of which the only quality is to be out of the decoration. I'm a little torn regarding "Spechtus". The moods are rather inviting, but the sounds and noises are also charming as a source of exasperation. It's pure Centrozoon, in order to well situated the reader, with a fascinating, I have to admit, chant of mechanical locusts in a night where the fauna of sleepless insects unites its stridulations in an ambience of wandering percussions.
Offered on the Bandcamp platform of SynGate Records, as well as in manufactured CD-r, “Noodle+” is above all for the aficionados of noisy vibes where the art to create music is not the priority in the world of
Pete Farn. For the audacious and the curious! I won't rank it, because it’s not quite my style.

Sylvain Lupari (August 12th, 2017)
You will find this album on the SynGate Bandcamp page here

Pour les utilisateurs de synthé, le terme Noodle signifie tous ces fils qui pendent et qui rejoignent les entrées et sorties des autres composantes du synthé. Un micmac de filage qui nous semble être l'équivalent d'une mini tour de Babel tant l'entremêlement des fils est un carrefour sans issu. Mais pour Peter Schaefer, cet embrouillamini de fils est loin d'être un amas de nouilles dans une immense assiette de spaghetti. Et ceux qui connaissent les fantaisies sonores de ce maître de la musique abstraite comprennent tout de suite où je veux en venir. La vision que nous avons de ces fils sert à merveille les fruits de l'imagination, toujours très débordante, de Pete Farn qui nous offre en “Noodle+” un album aussi déroutant que très difficile à ingérer. Un album où les bruits et les ambiances d'une MÉ sans vie ont préséance sur une approche qui commençait à être un brin plus accessible avec l’album Aus-Flug (Opera's Space) qui est paru à la fin 2016.
Knospensprünge" attaque littéralement nos oreilles avec une structure aussi bruiteuse qu'un guitariste qui utilise son fuzz wah-wah dans le désordre de sa chambre. Les sons jaillissent sous toutes formes avec une ombre qui croasse dans un micmac sonore où on imagine aisément le brouhaha derrière les nouilles mal assorties d'un synthé. Vous avez été patient? Et pour un peu que l'on aime ces harmonies qui sont toutes pâlottes derrière une muraille d'ambiances bruiteuses, "Im Sumpf" est un titre plutôt relaxe où git une délicate et timide mélodie pianotée. Les ambiances sont un brin théâtrale, genre horreur, avec un spectre qui régurgite sa sentence dans les harmonies éparpillées d'un piano et d'une basse en mode Jazz. "Metallregen" nous replonge au cœur de la tanière d'une bête sonore sans charmes. Le titre débute en mode ambiances avant de percuter un mur de sons aussi peu appétissant qu'une assiette de spaghettis froids. J'ai les apparences d’un être rébarbatif? Non, plutôt aviseur pour ceux qui cherche à comprendre le phénomène Pet Farn! En fait, j'aime bien cet univers, mais à petites doses, car Peter Schaefer décortique la portée des sons comme un architecte qui revoie les décors avec un autre œil. S'il y a des titres plus difficiles, comme "Knospensprünge", "Dickicht" et "Luftbewegung im Unterholz", même avec son refrain spasmodique, la musique de Peter Schaefer reste un croisement entre celle de Centrozoon, percussions et guitare en moins, et Perceptual Defence pour l'approche avant-gardiste et ambiosonique. À cet égard, "Klangfluss" est tout simplement délectable. De loin le meilleur titre sur “Noodle+”. Toujours en mode contemplatif, "Schönklangs Farbreise" est par contre un peu plus bruyant que "Klangfluss". Mais ces 2 longs titres restent les plus accessibles de l'univers “Noodle+”. Même dans un tissu d'ambiances aussi flottantes et hétéroclites que ces 2 derniers titres, "Elia" reste une mare à bruits qui finit par irriter avec des crissements aigus et des voix monocordes dont la seule qualité est de sortir du décor. Je suis un peu déchiré en ce qui concerne "Spechtus". Les ambiances sont assez invitantes, mais les sons et les bruits sont aussi charmeurs que source d'exaspération. C'est du pur Centrozoon, afin de mieux situer le lecteur, avec un fascinant, je dois admettre, chant de criquets mécaniques dans une nuit où la faune d'insectes insomniaques unit ses stridulations dans une ambiance de percussions errantes.
Offert sur la plateforme Bandcamp de
SynGate Records, ainsi qu'en format CD-r, “Noodle+” s'adresse avant tout aux amateurs d’ambiances bruiteuses où l'art de créer de la musique passe en second plan dans l'univers de Pete Farn. Pour les audacieux et les curieux! Pas d'étoiles car ce n'est pas tout à fait mon genre!
Sylvain Lupari 11/08/2017