jeudi 12 octobre 2017

DASK: Messages (2017)

“Second opus From DASK, Messages is a wild sequencer-based style EM album filled by vintage, as contemporary, moods”
1 A Message 12:52
2 M13 Cluster 8:26
3 Gliese 581 12:02
4 Fermi Paradox 6:15
5 Cosmic Call One 14:24
6 Cosmic Call Two 12:52
7 Contact Made 3:23

SynGate DASK02 (CD-r/DDL 70:16) ***¾
(Sequencer-based style Berlin School)
In 1974, an interstellar message containing information on the Earth and its inhabitants was sent by the observatory of Arecibo in Puerto Rico towards a heap of stars named M13 which was at 25,000 light years from our planet. Frank Drake had then invented the format of dialogue of the message with the assistance of Carl Sagan. "A Message" onsets “Messages” with the tones of this message. After a first album which contained all the elements to capture the interest the aficionados of a classic Berlin School style a la Tangerine Dream, DASK returns with a 2nd opus resolutely cosmic which fills our ears with a clear evolution in its sound vocabulary.
After a good ambiospherical 5 minutes weaved by cosmic elements, the drift of "
A Message" accosts a rhythmic station. The boarding is made from the tips of hesitating sequences which swirl into a soft circular escalation. Cabalistic effects add a touch of intensity while a bass pulsation invites itself and restructures the passive rhythm into a more fluid one. Other pulsations get in and force the flow of rhythm towards one which is more dynamic and where the shadow of Redshift watches over a splendid polyphased waving movement with two sequencers which spit their contrasts in a good electronic rock finale worthy of the vintage years. "M13 Cluste " takes a short ambiospheric bend before weighing down its presence with a heavy sequencer which makes a line of rhythm oscillates with effects of radiations in the loops which are closer to our ears. Another movement of the sequencer makes its keys skip of which the delicious stumbles correct the rhythm's effect of neutrality. It's a heavy static movement which seduces our ears when it goes from a loudspeaker to the other one in a puddle of cracklings which gives it a depth of a cosmic neo-psychedelic genre. In 2008, a powerful digital signal was sent by the telescope RT-70 which should reach the planet Gliese 581en 2029. A hopping structure of rhythm emerges from the abstruse depths of "Gliese 581". This oscillatory and stroboscopic movement will amplify its presence with aerobatic maneuvers which roll in loops after the point of 3 minutes. Minimalist, with some nuances in the tone and in the interstellar cavorts, "Gliese 581" sounds like a relay station by redirecting these circular kicks towards their transmitter. DASK manages to maintain the interest with beautiful insertions of more harmonious sequences throughout these timeless loops, making of "Gliese 581" something nice to hear.
"Fermi Paradox" is a good title of meditative vibes with a beautiful sampling of celestial voices and an astral poetry which dominate this cosmic corridor. Inspired by a signal transmitted by the same telescope towards a door to stars in 1999, "Cosmic Call One" extirpates its figure of spasmodic rhythm from a singing of a synth which irradiated the first moments of vibes from the title. A little as in Electron Utopia, the sequencer dominates the territory of “Messages” while the synths are rather more in mode decorators and painters of atmospheres while toying with the rhythmic curves by a brighter presence and loops of melodies which fit just well into the Motorik rhythms, or the spasmodic ones like here, of this 2nd opus of the musician who like to experiment lines of rhythms and seeks to stay anonymous behind the acronym
DASK. Before the short floating and quite dark finale of "Contact Made", "Cosmic Call Two", for a 2nd contact which should reaches Cassiopeia in 2036, proposes a dynamic pattern of heavy and lively rhythm which leans on a base of boom-boom- tchak-tchak techno. Impossible to stay the feet neutral here!
Offered as much in CD-r as in downloadable format on SynGate Bandcamp site, “Messages” has more punch and rhythmic offensive than in Electron Utopia while keeping a dosage of atmosphere elements, which is rather creative at some points, in view of the unexplained mysteries in these messages and of the consequences of those. Furthermore, the artwork is rather significant … In spite of this cosmic vision, this “Messages” from
DASK is the ideal album for those who eat sequences over sequences freed by furious sequencers.

Sylvain Lupari (October 12th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on SynGate Bandcamp page here

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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En 1974, un message interstellaire contenant des informations sur la Terre et ses habitants a été envoyé de l'observatoire d'Arecibo à Porto Rico vers un amas d'étoiles nommé M13 qui se trouvait à 25 années-lumière de notre planète. Frank Drake avait alors inventé le format de dialogue du message avec l'assistance de Carl Sagan. "A Message" amorce “Messages” avec les tons de ce message. Après un premier album qui contenait tous les éléments pour ravir les aficionados d'un genre Berlin School classique à la Tangerine Dream, DASK revient avec un 2ième opus résolument cosmique qui plombe nos oreilles avec une nette évolution dans son vocabulaire sonique.
Après un bon 5 minutes ambiosphérique tissées d'éléments cosmiques, la dérive de "
A Message" accoste une station rythmique. L'abordage se fait du bout de séquences hésitantes qui virevoltent en une douce escalade circulaire. Des effets cabalistiques ajoutent une touche d'intensité alors qu'une basse pulsation s'invite et restructure le rythme passif en un rythme plus fluide. D'autres pulsations s'invitent et forcent la structure vers une qui est plus dynamique où l'ombre de Redshift veille sur un superbe mouvement ondulatoire polyphasé avec deux séquenceurs qui crachent leurs contrastes dans une bonne finale de rock électronique des années vintages. "M13 Cluster" prend un court détour ambiosphérique avant d'alourdir sa présence avec un séquenceur lourd qui fait osciller une ligne de rythme avec des effets de radiations dans les boucles qui se rapprochent de nos oreilles. Un autre mouvement du séquenceur fait sautiller des ions dont les délicieux trébuchements corrige l'effet de neutralité du rythme. C'est un mouvement statique lourd qui séduit nos oreilles lorsqu'il voyage d'un haut-parleur à l'autre dans une mare de grésillements qui lui donne une profondeur d'un genre néo-psychédélique cosmique. En 2008, un puissant signal digital fut envoyé du télescope RT-70 qui devrait atteindre la planète Gliese 581en 2029. Une structure de rythme sautillante émerge des profondeurs absconses de "Gliese 581". Ce mouvement oscillatoire et stroboscopique amplifiera sa présence avec des acrobaties aériennes qui roulent en boucle après la barre des 3 minutes. Minimaliste, avec quelques nuances dans le ton et dans les caracoles interstellaires, "Gliese 581" fait figure de station à relais en redirigeant les ruades oscillatrices vers leur émetteur. DASK réussit à maintenir l'intérêt avec de belles insertions de séquences plus harmoniques au travers ces boucles intemporelles, rendant "Gliese 581" plus agréables aux oreilles.
"
Fermi Paradox" est un beau titre d'ambiances méditatives avec un bel échantillonnage de voix célestes et de poésie astrale qui dominent ce corridor cosmique. Inspiré par un signal transmit par le même télescope vers une porte des étoiles en 1999, "Cosmic Call One" extirpe sa figure de rythme spasmodique d'un chant de synthé qui irradiait les premiers instant d'ambiances du titre. Un peu comme dans Electron Utopia, le séquenceur domine le territoire de “Messages” alors que les synthés sont plus en mode décorateurs et peintres d'ambiances tout en déjouant parfois les courbes rythmiques par une présence plus lumineuses et des boucles de mélodies qui s'insèrent dans les rythmes Motorik, ou spasmodiques comme ici, de ce 2ième opus du musicien expérimentaliste qui reste anonyme derrière l'acronyme DASK. Avant la courte finale très sombre et planante de "Contact Made", "Cosmic Call Two", pour un 2ième contact qui devrait atteindre Cassiopeia en 2036, propose une dynamique figure de rythme lourd et vive qui s'appuie sur une base boum-boum-tchouk-tchouk techno. Impossible de rester les pieds au neutre ici!
Offert tant en CD-r ainsi qu'en format téléchargeable sur le site Bandcamp de SynGate, “
Messages” a plus de punch et d'offensive rythmique que dans Electron Utopia tout en conservant un beau dosage d'ambiances, qui est assez créatif par endroits, en égard des mystères inexpliqués de la nature des messages et des suites de ceux-ci. D'ailleurs, la jaquette est assez significative…Malgré cette vision cosmique, ce “Messages” de DASK est l'album idéal pour ceux qui se nourrissent des séquences libérées par des séquenceurs endiablés.
Sylvain Lupari (12/10/2017)

mardi 10 octobre 2017

CAUSTIC REVERIE: Here and Away (2017)

“Dark ambient music built upon layers of abstract confettis and effects of guitar delays, Here and Away is before everything for those who enjoy something more than the usual thing”
1 Night Trip 1:32
2 Ordered and Filed 6:48
3 Composition Book 1:50
4 Family Gathering 1:01
5 End Credits 1:10
6 Reconstruction 1 3:22
7 Reconstruction 2 6:51
8 Reconstruction 3 5:08
9 Reconstruction 4 3:11
10 Reconstruction 5 2:45
11 Reconstruction 6 3:38
12 Reconstruction 7 3:12
13 End Credits (Extended) 2:37

Caustic Reverie Music (DDL 40:31) ***½
(Dark ambient and experimental music)
Here, we are in the spheres of very dark ambient music with an experimental approach which flirts almost with an abstract music. Caustic Reverie, a name which says it all, is the project of Bryn Schurman, a sound engineer from Miami and a supporter of EM built on the effects of delays and reverberations as the kind of Robert Fripp and his Frippertronic. Inspired by cosmos and novelties about science fiction, he already has a novel in his portfolio, Bryn Schurman is a kind of artist who touches at everything. Musician, sound designer, radio man, writer, computer programmer and video player, he adores walking in the Keys in Florida and recording the noises of nature, of a city and of all the noises which drag in his everyday life. Offered only in download on the Bandcamp site of Caustic Reverie, “Here and Away” disposes of its 40 minutes in 2 chapters, more or less identical, of which the first part is the music is the soundtrack of a short film of the same name made by Abby Sirwatka in 2016.
Our ears welcome "Night Trip" and its long hollow breezes which are lulled by a nice poetic approach. "Ordered and Filed" follows with a ballet for idle layers which float among strange sibylline murmurs. Two lines of synth/guitar criss-cross their contrasting phases in a soft movement of floating vibes which is briefly disrupted by more shadowed winds at the gate of 4 minutes. The short "Composition Portfolio" espouses the same principle but with an incursion in a parallel universe while that "Family Gathering" lulls the whole thing with a more poetic approach. "End Credits" ends the music of Abby Sirwatka's movie with a more rhythmic approach fed by fascinating percussions which structure a kind of native trance. The layers of voice are superb here. This short segment of a dozens of minutes is rather attractive and promising. Except that the 2nd part of “Here and Away” is soberer and exploits a little more the universe of samplings and effects of reverberations in a less poetic approach, less animated by the visual suggestions of the American movie director. So "Reconstruction 1" begins this 2nd phase with more metallic flavored layers which melt between our ears by creating a feeling of emptiness around us. Some effects sweep the sonic horizons and pull the music, too short according to me, towards a finale without explanations. Cut in 7 very different parts but nevertheless connected by the same visions, the "Reconstruction" saga flows between our ears like 7 chapters of ambient music and elements which mix emotionalism and passivity at some different degrees. The color of the tones and the soundscapes are separated between good effects of reverberations and synth layers which cuddle depths rather colorful painted by very diversified samplings. The sibylline and psychotronic sides are elements that we remark a little bit better after more than one listening. And contrary to the addicting and delicious rhythm of "End Credits", "End Credits (Extended)" ends this 20th album from Caustic Reverie with a more ambient and especially more melodious approach. But all in all, Bryn Schurman's music is constantly evolving between two universes where fright is never too far from a strange paranormal sweetness. A fascinating album which will please the amateurs of a music built in the art to seduce eardrums with an approach clearly bore by a vision for the abstract art.

Sylvain Lupari (December 10th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Ici, nous sommes dans les sphères de la musique ambiante très sombre avec une approche expérimentale qui flirte avec une musique abstraite. Caustic Reverie, un nom qui veut tout dire, est le projet de Bryn Schurman, un ingénieur en sons de Miami et un adepte de la MÉ construite sur les effets de délais et de réverbérations du genre Robert Fripp et ses Frippertronic. Inspiré par le cosmos et les nouvelles de science-fiction, il a déjà un roman à sa fiche, Bryn Schurman est un genre de touche à tout. Musicien, sculpteur de sons, animateur de radio, écrivain, programmeur en électronique et joueur de jeu vidéo, il adore se promener dans les Keys en Floride et enregistrer les bruits extérieurs, de même que les bruits qui entourent le déroulement du quotidien. Offert seulement en format téléchargeable sur le site Bandcamp de Caustic Reverie, “Here and Away” dispose de ses 40 minutes en 2 chapitres, à peu près identiques, dont le premier est la musique du court métrage du même nom réalisé par Abby Sirwatka en 2016.
Nos oreilles accueillent "Night Trip" et sa longue brise caverneuse qui est bercée par une belle approche poétique. "Ordered and Filed" suit avec un ballet pour nappes oisives qui flottent parmi d'étranges murmures sibyllins. Deux lignes de synthé/guitare entrecroisent leurs phases contrastantes dans un tendre mouvement d'ambiances qui est brièvement perturbé par des vents plus ombragés vers les 4 minutes. Le court "Composition Book" épouse le même principe mais avec une incursion dans un univers parallèle alors que "Family Gathering" balance le tout avec une approche plus poétique. "End Credits" termine la musique du film d'Abby Sirwatka avec une approche plus rythmique nourrie par de fascinantes percussions qui structurent un genre de transe indigène. Les nappes de voix sont superbes ici. Ce court segment d'une douzaine de minutes est assez séduisant et plutôt prometteur. Sauf que la 2ième partie de “Here and Away” est plus sobre et exploite un peu plus l'univers des échantillonnages et des effets de réverbérations dans une approche moins poétique, moins animée par les suggestions visuelles de la réalisatrice américaine. Ainsi "Reconstruction 1" débute cette 2ième phase avec une nappe à saveur plus métallisée qui fond entre nos oreilles en créant un sentiment de vide autour de nous. Des effets balaient les horizons soniques et entraînent la musique, trop courte selon moi, vers une finale sans explication. Coupé en 7 parties bien distinctes mais néanmoins rattachées par les mêmes visions, la saga "Reconstruction" coule entre nos oreilles comme 7 chapitres de musique ambiante et d'ambiances qui entremêlent émotivité et passivité dans des degrés différents. La couleur des tons et les horizons soniques sont départagés entre de bons effets de réverbérations et des nappes de synthé qui cajolent des profondeurs plutôt bigarrées peintes d'échantillonnages très diversifiés. Les côtés sibyllin et psychotronique sont des éléments qui ressortent un peu mieux après plus d'une écoute. Et contrairement au rythme addictif et savoureux de "End Credits", "End Credits (Extended)" termine ce 20ième album de Caustic Reverie avec une approche plus ambiante et surtout plus mélodieuse. Mais l'un comme dans l'autre, la musique proposée ici par Bryn Schurman évolue constamment entre deux univers où l'effroi n’est jamais trop loin d'une étrange douceur paranormale. Un fascinant album qui plaira aux amateurs d'une musique construite dans l'art de séduire les tympans avec une approche nettement portée par les méandres de l'art abstrait.
Sylvain Lupari (10/10/2017)

dimanche 8 octobre 2017

GIVENS & PADILLA: Being of Light (2017)

“Exquisite music which oscillates wonderfully between rhythms for soft legs and ambient structures of a sound aestheticism rich in forms and in tonal colors”
1 Clearing the Mind 13:09
2 Threads of Thought 14:34
3 A Contemplative State 30:30
4 Being of Light 10:20

Spotted Peccary ‎– SPM 9094 (CD/DDL 68:26) ****½
(Pacific Shool, Ambient Music)
Sound reflections dance in troubled waters while a heavy dark veil covers the static agitations of "Clearing the Mind"s introduction. Multiple chords turn and stroll there, like sonic verses which try to get out of a musical manuscript, entailing in a harmonious trail these sweet nightingale singings sculptured in synths as analog as digital. The whole thing releases a structure of embryonic rhythm of which the fluidity is flooded in an intense veil of immersive tones. And from the first moments on this 2nd collaboration Givens/Padilla, we notice the depth of this delicious pallet of sounds and among which the switching phases between electronic, electric and acoustic have made the delights of Life Flows Water. Discreet, the piano becomes more and more incisive, throwing a more dramatic shade to a phase which already goes in transit towards another one which is more poetic. Our ears are attracted to a well of sounds which spin like these dusts of prisms that a camera picks in a dainty swirl of dust and pollen by a radiant afternoon at springtime. Very lyrical, this second phase of "Clearing the Mind" spreads its charms and its synth beams which give a so tonal flavor and celestial than very esoteric to the music of the American duet. A movement of rhythm, always so silent as at the beginning, add a more intense depth to this dance of prism and to this embryonic melody of a piano always in mode evasive and melancholic. It's the piano, and its notes divided between the black and the white, which guides the lyrical dance of "Clearing the Mind" and who quietly drains its energy in a more ethereal finale.
Produced by the label
Spotted Peccary, “Being of Light” is proposed as a manufactured CD with a very beautiful digipack 4 panels artwork as well as in download of high quality on the Bandcamp site of the American label. And this 2nd collaboration between Howard Givens and Craig Padilla is in the same dimension as Life Flows Water with a music which oscillates wonderfully between rhythms for soft legs and ambient structures of a sound aestheticism rich in forms and in tonal colors. "Threads of Thought" follows with slow movements of scarlet colors anesthetic layers which rush towards our ears at the same speed as these gigantic ink stains from a majestic octopus which melt in the ocean. A delicious line of bass pulsations weaves a delicate rhythm to which is added a guitar and from which the persevering harmonies decrease the load of these layers which finally give a spectral touch to "Threads of Thought". The sequences limp and galvanize a structure of ambient rhythm and of which the sound duel between both surrounding areas of Givens/Padilla gives a dimension of organic life. "A Contemplative State" manages its 30 minutes with a meditative approach which depicts the depth of its title. It's very ambient with sometimes contrasted movements and interlacing of apathetic lines which melt themselves with very subdued points of harmonies and intensity which take shape in the gravity of tones. This is a long apathetic journey that we have to follow closely in order to differentiate these more celestial passages which escape from this rather esoteric landscape. The title-track is as much beautiful as "Threads of Thought", in fact the floating movements of the layers are drawn in the same elegance. There is a very beautifully morphic melody forged on a superb circular movement of the sequencer to which is added a poignant line of bass. The whole approach coupled to the endorphin layers of Craig Padilla, and I am not far from the shivers that I had with the wonderful Until We Meet the Sky from Solar Fields. A very strong title and a jewel of emotionalism my friends which concludes a splendid album from the duet Givens/Padilla. Yes, the ambient music and the music of ambiences can be very beautiful!

Sylvain Lupari (October 8th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Des reflets soniques dansent en eaux troubles alors qu'un lourd voile obscur recouvre les agitations statiques de l'introduction de "Clearing the Mind". De multiples accords y tournaient et flânent comme des vers soniques qui tentent de sortir d'un manuscrit, entraînant dans un sillage harmonique ces fins chants de rossignol sculptés dans des synthés autant analogiques que digitaux. Le tout dégage une structure de rythme embryonnaire dont la fluidité est noyée dans un intense voile de tons immersifs. Et dès les premiers instants de cette 2ième collaboration Givens/Padilla, on remarque la profondeur de cette délicieuse palette de sons et dont les mutations entre l'électronique, l'électrique et l'acoustique avaient fait les délices de Life Flows Water. Discret, le piano devient de plus en plus incisif, jetant une ombre plus dramatique à une phase qui transite déjà vers une autre qui est plus poétique. Nos oreilles sont attirées vers un puits de sons qui virevoltent comme ces poussières de prismes qu'une caméra cueille dans un léger tourbillon de poussières et de pollen par un radieux après-midi de printemps. Très lyrique, cette seconde phase de "Clearing the Mind" étend ses charmes et ses rayons de synthétiseurs qui donnent une saveur tonale aussi céleste que très ésotérique à la musique du duo américain. Un mouvement de rythme, toujours aussi muet qu'au début, ajoute une profondeur plus intense à une danse de prisme et à une mélodie embryonnaire d'un piano toujours en mode évasif et mélancolique. C'est le piano, et ses accords dédoublés entre le noir et le blanc, qui guide la danse lyrique de "Clearing the Mind" et qui tranquillement épuise ses réserves dans une finale plus éthérée.
Produit par le label Spotted Peccary, “Being of Light” est proposé en CD manufacturé avec une très belle jaquette en format digipack ainsi qu'en téléchargement de haute qualité sur le site Bandcamp du label américain. Et cette 2ième collaboration Howard Givens et Craig Padilla est dans la même dimension que Life Flows Water avec une musique qui oscille merveilleusement entre rythmes pour jambes molles et structures ambiantes d'un esthétisme sonore riche en formes et en couleurs tonales. "Threads of Thought" suit avec de lents mouvements de nappes anesthésiantes, aux couleurs écarlates, qui foncent vers nos oreilles à la même vitesse que ces gigantesques taches d'encre d'une majestueuse pieuvre qui fondent dans l'océan. Une délicieuse ligne de basses pulsations tisse un rythme délicat auquel s'ajoute une guitare et dont les harmonies persévérantes diminuent la charge de ces nappes qui finalement donnent une touche spectrale à "Threads of Thought". Des séquences clopinent et galvanisent une structure de rythme ambiant et dont le duel sonique entre les deux approches de Givens et Padilla donne une dimension de vie organique. "A Contemplative State" gère ses 30 minutes avec une approche méditative qui dépeint la profondeur de son titre. C'est très ambiant avec des mouvements parfois contrastés et des entrelacements de lignes atones qui se fondent avec des pointes d'harmonies, très effacées, et d'intensité qui prennent forme dans la gravité des tons. C'est un long voyage atone qu'il faut traverser afin de différencier ces passages plus célestes qui s'échappent de ce paysage assez ésotérique. La pièce-titre est aussi belle que "Threads of Thought", en fait les mouvements flottants des nappes y sont puisés dans la même élégance, avec une très belle mélodie morphique forgée sur un superbe mouvement circulaire du séquenceur auquel s'ajoute une poignante ligne de basse. Le tout jumelé aux nappes endormitoires de Craig Padilla et ne suis pas loin des frissons que j'ai eu dans le superbe Until We Meet The Sky de Solar Fields. Un titre très fort et un joyau d'émotivité mes amis qui conclut un splendide album du duo Givens/Padilla. Oui, la musique ambiante et d'ambiances peut être très belle!
Sylvain Lupari (08/10/2017)

vendredi 6 octobre 2017

JUTA TAKAHASHI: Albion

“Albion is a little sound treasury intended for the music lovers of meditative ambiences who like when a harmonious approach hides in these high walls of intensive drones”
1 Silver Waves 13:52
2 Frozen Day 13:18
3 Shining Valley 14:56
4 Maeve 13:58
5 Summits 16:28

Lunisolar Records ‎– LR014 (CD 73:02) ****½
(Ambient music)
It's been a while since I heard new music from the Japanese Steve Roach, Juta Takahashi. The last album was The Door into Winter in 2015 which was a remaster of an album initially made in 2007. In fact, we need to go back as far as 2013 to hear the last original meditative mass of the mixed-tones line sculptor from Japan with the splendid album Angel of which we can hear sonic dust here and there on this last album of his. “Albion” is Juta's 11th album and honestly I do not know what Juta did during this period, but I suspect that he studied his music to give it a new more melodious orientation. His music is always thought in order to make float sound arcs and translucent reverberations which are filled of drones sometimes hungry and sometimes more nuanced. A rather shady ambient music which seems to wake up to the joy of the meditative melodies.
"
Silver Waves" rings like some good old Juta Takahashi with a heap of floating interlacing waves which drift with peaks of emotionalism and anesthetic breezes more shadowy. The crossbreeding of both poles sculptures a sound horizon closer to cosmos with effects which sparkle as the singing of stars in an intersidereal space embellished of images well shaped by the analog tone from the synths of the Japanese master of esoteric vibes. The melodious term is very subjective in the universe of ambient music. The well advised ears are very capable of catching these melodious waves in the grasps of two tones, while absent-minded ears miss this delicate meeting point. It's more convincing in the very beautiful "Frozen Day" and its notes of a piano which losts its feeling of solitude through the rangy waves of synth and its colors tinted with a suspicion of ether and with powder of metal. Layers of voices, as some passive drones, enclose these note which moan in a slow whirlwind of sinusoidal waves which oscillate constantly between two universes. There is some Steve Roach in there and one listens to this piece of music marvelously with Structures from Silence. A very solid title of Juta Takahashi which makes rise recollections of his very beautiful album Angel, made in 2012.
"
Shining Valley" is a very dark title sculptured around resonating drones which also sing in a platonic way with the sound arcs a little more floodlit. Arcs which get rid of their circular forms to follow the walls of nothingness with of beautiful transitory floating movement. These songs, rather of a spectral kind, illuminate the rather low and very shaded sound ceiling. I have this delicious impression to drift in the cosmos with songs of intersidereal whales which try to lull my innocence. There are flavors of Vangelis, period Blade Runner, which ooze throughout my cosmic odyssey. Intense and very enveloping! If I do not make a mistake, "Maeve" is the most beautiful title of Juta Takahashi's repertoire. A magnificent melody, delicately put down by a piano in a minimalist mode, deploys its embrace with a series of juvenile ritornellos which twirl such as astral ballerinas on a carpet of cosmic mists and prisms. The reverberating effects of the synth waves become as honeyed as this virgin melody which haunts our ears, always full of mist, well beyond this last time that I listened to it. Splendid candy for the ears my friends! The atmospheres of "Summits" and the structures of its sound arcs depict marvelously the sense of its title. It's a long and a hefty ambient movement sculptured in the emotionalism with heavy drones which are like these moments when the air is lacking in our lungs. I have no difficulty in imagining myself to be on summits with winds without oxygen to contemplate a gigantic panorama where a piano tries to breathe by a melody scattered in this ballet of drones and waves with contrasting colors and emotions.
Albion” is a little jewel intended for the music lovers of meditative ambiences who like when a harmonious approach hides in these high walls of intensive drones. Juta Takahashi goes beyond his very beautiful album Angel with a touch which freed itself from the dark model sieved by a strong nostalgia. If the melancholic side is always present in the music of the Japanese synth wizard, there is now a smile of drawn above and of which the borders even brush a more accessible musicality up to here absent in his repertoire. A wonderful album which lulls my preludes to sleep since about ten days.Sylvain Lupari (October 6th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on CD Baby and on Juta's own label
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Ça faisait un bail que je n'avais pas entendu la musique du Steve Roach japonais, Juta Takahashi. Le dernier album en liste fut The Door into Winter en 2015 qui était un remaster d'un album initialement paru en 2007. En fait il faut remonter jusqu'en 2013 pour entendre la dernière messe méditative originale du sculpteur d'ondes métissées du Japon. “Albion” est son 11ième album et honnêtement je ne sais pas ce que Juta Takahashi a fait durant cette période, mais je soupçonne qu'il s'est penché sur sa musique afin de lui donner une nouvelle orientation plus mélodieuse. Sa musique est toujours pensée afin de faire flotter des arcs sonores et des réverbérations translucides qui sont bourrées de bourdonnements tantôt faméliques et tantôt plus nuancés. Une musique d'ambiances plutôt ombrageuses qui semble s'éveiller aux joies des mélodies méditatives.
"Silver Waves" sonne comme du bon vieux Juta Takahashi avec un amas d'entrelacements d'ondes flottantes qui dérivent avec des pointes d'émotivité et des brises anesthésiantes plus ombrageuses. L'embranchement des deux pôles sculpte un horizon sonore plus près du cosmos avec des effets qui scintillent comme le chant des étoiles dans un vide intersidéral bien imagé par la tonalité analogue des synthés du maître japonais des ambiances ésotériques. Le terme mélodieux est bien subjectif dans l'univers de la musique ambiante. Les oreilles avisées sont bien capables de capter ces ondes mélodieuses au travers les enlacements de deux tonalités, alors que des oreilles distraites manquent ce délicat point de rencontre. C'est plus probant dans le très beau "Frozen Day" et ses notes d'un piano qui égare son sentiment de solitude au travers les longilignes ondes de synthé aux barioles teintées d'un soupçon d'éther et de poudre de métal. Des nappes de voix, comme des bourdonnements passifs, enserrent ces notes qui gémissent dans un lent tourbillon d'ondes sinusoïdales qui oscillent constamment entre deux univers. Il y a du Steve Roach là-dedans et ça s'écoute à merveille avec Structures from Silence. Un très grand titre de Juta Takahashi qui fait monter des réminiscences de son très bel album Angel, paru en 2012.
"Shining Valley" est un titre très sombre sculpté autour de drones dont les résonnances chantent de façon platonique avec des arches sonores un peu plus illuminés. Des arches qui se défont de leurs formes circulaires afin de longer les murs du néant avec de beaux mouvement transitoires flottant. Ces chants, plutôt d'un genre spectral, illuminent le plafond sonore assez bas et très ombragé. J'ai cette délicieuse impression de dériver dans le cosmos avec des chants de baleines intersidérales qui tentent de bercer mon innocence. Il y a des parfums de Vangelis, période Blade Runner, qui suintent tout au long de mon odyssée cosmique. Intense et très enveloppant! Si je ne me trompe pas, "Maeve" est le plus beau titre du répertoire de Juta Takahashi. Une splendide mélodie, délicatement déposée par un piano en mode minimaliste, étend son emprise avec une série de ritournelles juvéniles qui tournoient comme des ballerines astrales sur un tapis de brumes et de prismes cosmiques. Les effets réverbérant des ondes de synthé deviennent aussi doucereux que cette mélodie virginale qui hante nos oreilles, toujours pleines de brume, bien au-delà de cette dernière fois que je l'ai écouté. Du splendide bonbon mes amis! Les ambiances de "Summits" et les structures de ses arches sonores dépeignent à merveille le sens de son titre. C'est un long, et lourd, mouvement d'ambiances sculpté dans l'émotivité avec des drones pesants qui sont comme ces moments où l'air manque à nos poumons. Je n'ai aucune difficulté à m'imaginer être sur des sommets uniques avec des vents sans oxygène à contempler un panorama gigantesque où un piano tente de respirer par une mélodie éparpillée dans ce ballet de drones et d'ondes aux couleurs et aux émotions contrastantes.
Albion” est un petit bijou destiné aux amateurs de musique d'ambiances méditatives qui aiment lorsqu'une approche harmonieuse se tapit dans ces murailles de bourdonnements intensifs. Juta Takahashi va au-delà de son très bel album Angel avec une touche qui s'affranchie du modèle sombre et tamisé par une forte nostalgie. Si le côté mélancolique est toujours imprégné dans la musique du Japonais, il y a maintenant un sourire de dessiné dessus et dont les frontières effleurent même une musicalité plus accessible jusque-là absente de son répertoire. Un splendide album qui berce mes nuits depuis une dizaine de jours.

Sylvain Lupari 06/10/2017

mercredi 4 octobre 2017

SPYRA: Requiem (Featuring Roksana Vikaluk) (2017)

“This album is a breath of fresh air where the pastoral music goes very well with the effects of decrepit monasteries and of a latent form of Électronica”
1 Pre Scriptum 2:14
2 Introit 5:14
3 Kyrie Eleison 7:52
4 Dies Irae 5:41
5 Domine Jesu Christe 2:37
6 Sanctus 8:35
7 Agnus Dei 8:24
8 Lux Aeterna 9:28
9 Post Scriptum 1:34

Ersten Kasseler Herrenabend (CD 51:41) ****
(Avant-gardist Music)
It's at the prestigious festival of ambient music in Gorlice, Poland, that people were able to hear and see the very eclectic duet of Roksana Vikaluk and Spyra. We can find an extract on the album XV Edition Mpm Ambient Festiwal Gorlice (Live). It was in 2013. Since then, Spyra had offered us the stunning Staub in 2014. And then, except for some performances here and there at various artistic events, it was silence! Thus it was with excitement that I waited for a promo copy of this famous “Requiem”. And as like every time, going at the exploration of a Spyra album is a journey in the country of surprises and of things which are difficult to assimilate at a first listening. But the clarity of tones, this mixture of canticle and electronic and this very ethereal voice, one would say an angel, of Roksana Vikaluk have unlock this drawer named: open-mindedness. And so I fell in the thousand and one charms of this “Requiem - Eine Musik Für Den Herrenabend”.
Written by the percussionist of the album,
Mani Neumeier (he also composed "Post Scriptum"), "Pre Scriptum" attracts our ears with twinkled ringings which sparkle in a universe of humidity. These moods are the perfect, and fascinating, prelude to "Introit". We recognize the keys of Spyra who draws a melancholic structure. The reverberations of the hammering on the keyboard aims to be a cozy musical bed which waits for the incantations of the new diva of the electronics Roksana Vikaluk. The movement oscillates between tenderness and fury, due to the hardness of the keyboard keys, with good impulses of emotionalism, forged by a vampiric line of bass, to reach a form of serenity with Konstantin Athanasiadis' saxophone. "Kyrie Eleison" already rewards our open-mindedness with a beautiful minimalist opening a la Philip Glass. The movement finds its collapse at its middle-point with a piano which isolates its tears in a thick fauna of white noises and of spectral knocking. The piano is very charming and attracts these elements of noises towards a more musical finale. "Die Irae" is a title which asks more than one listening! The piano spreads a virgin ritornello under the breezes of a synth and of its sighs as cutting as a blade of steel. This eclectic duality is amplified by movements of bass but is also cajole by a splendid angelic choir. The breezes of a strange harmonica infiltrate the movement which became more musical just before that a line of bass, some hard and explosive knocking as well as a voice of terror brings us to the attic of an old monastery and of its the most tainted secrets. This very theatrical finale dominates also the beautiful liturgical vibes of "Domine Jesu Christe". A true religious hymn! In an appropriate manner, "Sanctus" is a title of dark ambiences which wins in intensity with the very carnal voice of Roksana Vikaluk. Patience is necessary here in order to cajole this heavy movement which is nevertheless very realistic. "Agnus Dei" is a pearl of tenderness with its duel piano/synth. The highlight of “Requiem” reaches its pinnacle with the excellent "Lux Aeterna", a very lively title which bursts of its envelope of Electronica encircled by a voice more than an aerial of Vikaluk. A pure delight! "Post Scriptum" ends this surprising album with a logical and more musical suite than of "Pre Scriptum".
In spite of my comments at the effect that an open-mindedness is desirable to taste “
Requiem”, it's remains nevertheless a pretty solid and a beautiful album with a duet who could become more interesting than that of Schulze/Gerrard because of the boldness of Spyra who likes evolving off the beaten track, and of the immense capacities of Roksana Vikaluk, so much with her voice as her electric piano. Eclectic, certainly, this album is a breath of fresh air where the pastoral music goes very well with the effects of decrepit monasteries and of a latent form of Electronica which blows our ears. Another big album from Spyra who excels in the art of reinventing his style.Sylvain Lupari (October 4th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album at major CD retailers such as Groove NL and Cue Records
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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C'est au prestigieux festival de musique d'ambiances de Gorlice, en Pologne, que l'on a pu entendre le duo très éclectique de Roksana Vikaluk et Spyra. On peut trouver un extrait sur l'album XV Edition Mpm Ambient Festiwal Gorlice (Live). C'était en 2013. Depuis, Spyra nous avait offert le stupéfiant Staub en 2014. Et puis, à part quelques prestations du duo à différents évènements artistiques, silence! C'est donc avec excitation que j'attendais ce fameux “Requiem”. Et comme à chaque fois, partir à la découverte de la musique de Spyra est un voyage au pays des surprises et des trucs difficiles à assimiler en une première écoute. Mais la clarté des tons, ce mélange de cantique et d'électronique et cette voix très éthérée, on dirait un ange, de Roksana Vikaluk ont débloquer ce tiroir nommé: ouverture d'esprit. Et c'est ainsi que j'ai tombé dans les milles et uns charmes de ce “Requiem - Eine Musik Für Den Herrenabend”.
Composé par le percussionniste de l'album, Mani Neumeier (il a aussi composé "Post Scriptum"), "Pre Scriptum" attire nos oreilles avec des tintements carillonnés qui pétillent dans un univers d'humidité. Ces ambiances sont le parfait, et fascinant, prélude à "Introit". On reconnait les touches de Spyra qui dessine une structure mélancolique. Les réverbérations du martèlement du clavier se veut un douillet lit musical qui attend les incantations de la nouvelle diva de l'électronique Roksana Vikaluk. Le mouvement oscille entre tendresse et fureur, de par la dureté des touches de clavier, avec de bons élans d'émotivité, forgés par une bonne ligne de basse, pour atteindre une forme de sérénité avec le saxophone de Konstantin Athanasiadis. "Kyrie Eleison" récompense déjà notre ouverture d'esprit avec une belle ouverture minimaliste à la Philip Glass. Le mouvement trouve sa débâcle en mi-parcours avec un piano qui isole ses larmes dans une épaisse faune de bruits blancs et de cognements spectraux. Le piano est très beau et attire ces éléments de tapages vers une finale plus musicale. "Dies Irae" est un titre qui demande plus qu'une écoute! Le piano étend une ritournelle virginale sous les brises d'un synthé et de ses soupirs aussi tranchant qu'une lame d'acier. Cette dualité éclectique est amplifiée par des mouvements de basse mais est aussi amadouer par une splendide chorale angélique. Une air d'harmonica infiltre le mouvement qui est devenu plus musical avant qu'une ligne de basse, des cognements durs et explosifs ainsi qu'une voix de terreur nous amène au grenier d'un vieux monastère et de ses secrets les plus viciés. Cette finale très théâtrale domine les belles ambiances liturgiques de "Domine Jesu Christe". Un vrai cantique religieux! Comme il se doit, "Sanctus" est un titre d'ambiances sombres qui gagne en intensité avec la voix très charnelle de Roksana Vikaluk. La patience est de rigueur afin d'amadouer ce lourd mouvement pourtant très réaliste. "Agnus Dei" est une perle de tendresse avec son duel piano/synthé. L'apothéose de “Requiem” atteint sa finale avec l'excellent "Lux Aeterna", un titre très vivant qui éclate de son enveloppe d'Électronica cernée par une voix plus qu'aérienne de Vikaluk. Un pur délice! "Post Scriptum" termine cet étonnant album avec une suite logique et plus musicale que "Pre Scriptum".
Malgré mes commentaires à l'effet qu'une ouverture d'esprit est souhaitable pour déguster “Requiem”, il n'en demeure pas moins que c'est effectivement un bel album avec un duo qui pourrait devenir plus intéressant que celui de Schulze/Gerrard à cause de l'audace de Spyra qui aime évoluer hors des sentiers battus, et les immenses capacités de Roksana Vikaluk, tant avec sa voix que son piano électrique. Éclectique, certes, cet album est une bouffée d'air frais où la musique pastorale se moule très bien aux effets de monastères décrépis et une latente forme d'Électronica qui souffle nos oreilles. Un autre grand album de Spyra qui excelle dans l'art de réinventer son style.

Sylvain Lupari 04/09/2017